jueves, 26 de octubre de 2017

Nocturna Madrid 2017: Día 1


Nocturna ya cumple su quinta edición con numerosos cambios. El primero es un cambio de fechas, deja de celebrarse en mayo para retrasarse a la semana previa a Halloween. El cierre, esperemos que temporal, de los cines Luchana ha hecho que se tengan que trasladar de lugar. Las películas se podrán ver en los cercanos cines Proyecciones y también en el Matadero, en la plaza de Legazpi. Las actividades paralelas como presentaciones de libros o encuentros con los directores y homenajeados seguirá siendo en la Fnac de Callao. Como en otros años el festival se divide en varias secciones, una oficial que incluye títulos como la española Dhogs, Game of Death, Hostile, Les Affame, Most beautiful island, Revenge y The heretics. La sección Dark Visions es como la oficial una sección competitiva en la que el protagonista es el gore y lo trangresor. El panorama es una sección que nos enseña una muestra de lo variado que es el género en las producciones más interesantes. También hay espacio para los cortometrajes que se verán antes de los largometrajes. Y por supuesto además de la ficción hay espacio para la no ficción con varios documentales. A descartar dos, El trajo de Superman del director Juan Manuel Diaz y 78/52 en el que hace una disección de una de las secuencias más famosas del cine, la escena de la ducha de Psicosis. 



Pero, creo que lo más relevante de esta edición es el espacio que se le da a los homenajeados. Narciso Ibañez Serrador no es un director con una gran filmografía y seguramente todos los conozcamos por sus trabajos en television. Pero las películas que ha hecho como La residencia o ¿Quién puede matar a un niño? supusieron una ruptura con el cine que se estaba haciendo y una inspiración para muchos directores que han seguido su trabajo. Que Nocturna lo considere como Maestro del Fantástico es algo obvio para muchos. Series como Historias para no dormir tuvo su continuación en 2005 con Películas para no dormir en la que directores como Paco Plaza o Alex De la Iglesia. Recuerdo que la primera vez que vi La residencia en televisión me impresionó y siempre me he preguntado por qué no siguió haciendo cine. Además de los dos títulos mencionados en esta edición del Nocturna El hombre que vendió su sombra protagonizada por su padre Narciso Ibáñez Menta. Aunque Chicho Ibáñez Serrador no es el único homenajeado. El director americano Don Coscarelli del que podremos ver su clásico del 1979 Phantasm. Este año también se le reconocerá el trabajo a la actriz musa de la productora Hammer, Caroline Munro de la que veremos el slasher Maniac. Y de Jack Taylor, el último de los homenajeados, la película de Polanski, La novena puerta. 


El festival ha empezado ayer con la película The heretics. Dos chicas jóvenes que han tenido un pasado tormentoso se conocen en un grupo de ayuda. Llevan ya un año juntas pero la secta que hace nos años la secuestró vuelve a perseguirla. Sectas, diablos y algo de sangre son los ingredientes de esta película que tiene varios gritos de guión no demasiado impactantes. Aunque el guión no sea su punto fuerte, la fotografía, la dirección y sobre todo las dos actrices protagonistas hacen un buen trabajo. La primera película de Narciso Ibáñez Serrador que se ha podido ver es La residencia en una copia digital que incluye algunas escenas que se tuvieron que cortar debida a la censura. Hay que recordar que esta película es del año 1969 cuando todavía había una dictadura en España y la censura todavía presente. Lo que ahora nos parece inocente y para todos los públicos en ese tiempo era todo un escándalo. Esas pequeñas partes ni siguiera están dobladas y tampoco con subtítulos. Llevan a una niña huérfana de padre a una residencia para chicas conflictivas. Lo que debería ser un lugar para que jóvenes rebeldes se rehabiliten, se convierte en un lugar de pesadilla donde sale a relucir lo peor el ser humano. La película con la que se inaugurará será la comedia fantástica Happy death day. Una joven estudiante se despierta y acaba reviviendo una y otra vez el día en el que va a ser asesinada. Es una película realmente divertida en la que la joven tiene que investigar su propio asesinato antes de que ocurra.


jueves, 13 de julio de 2017

Crítica: El pastor de Jonathan Cenzual Burley


El pastor es una película que nos mete en la vida de un hombre que vive apartado de la sociedad en una pequeña casa en el campo. Su forma de vida solitaria se ve amenazada cuando unos promotores inmobiliarios van a visitarle porque quieren construir una urbanización en su zona y que sus tierras sirvan para el nuevo polideportivo. El protagonista no está dispuesto a renunciar a su casa que no sólo es el lugar en el que vive sino que es su forma de vida. Por mucho dinero que le den no será suficiente como para vivir sin trabajar y no podrá ejercer su trabajo sin sus tierras. Hay muchos intereses en que ese urbanización se haga en esa zona y cuando hay mucho dinero de por medio no existen amistades tan fuertes. O todos venden o no se podrá hacer y ahí es donde empieza el gran conflicto que vertebra esta película. 


Es una historia sencilla pero con un gran trasfondo que se nos plantean grandes dudas. Hay un conflicto entre progreso y tradición. Progreso es la urbanización, casas más modernas, con más medios, frente a una vida más unida a la tierra y a trabajos ya prácticamente abandonados. El pastoreo ya no es un trabajo con mucho futuro pero quienes todavía lo ejercen no tienen otro medio de vida posible y ya el reciclaje resulta complicado. El escenario es el pueblo y los vecinos son los actores que van evolucionando a lo largo de la historia. Cada cual tiene sus razones y su motivos, pero en vez de enrocarse y adaptándose a los acontecimientos. Los personajes están interpretados por actores nóveles pero una buena dirección hace que no se note su falta de experiencia. A destacar la fotografía de la película que a través de unos planos con una gran belleza transmiten la tranquilidad de la vida rural frente al agobiante y estresante mundo de la ciudad. 


miércoles, 12 de julio de 2017

Crítica: Tom of Finland de Dome Karukoski


Tom of Filand es un artista cuya obra es una expresión de unos deseos que en su época estaban perseguidos y reprimidos. Cuando Tom of Finland (o Touka laaksonen como realmanente se llamaba) es bastante antes de la primera revuelta por los derechos de los homosexuales y los transexuales que se recuerda cada 28 de junio. La homosexualidad se vivía como un delito, una enfermedad a castigar y reprimir. Se vivía de una forma clandestina y culpable. Lo que hizo Tom of Filand era dar visibilidad a esos hombres que vivían parte de su vida fuera de los convencionalismos de su época. Empieza siendo un héroe de guerra para acabar siendo un referente en la lucha por los derechos de los homosexuales. Su intención primera no era reivindicativa, no pretendía meterse en ninguna lucha. Simplemente lo que buscaba era tener una vida sexual completa y dibujar sus fantasías para compartir con otras personas a las que les pudiera gustar. A lo largo de su camino se encontrará con gente que hará ver la importancia de la lucha y la defensa de los derechos para no vivir siempre en la oscuridad. 


La película no se trata tan sólo de una historia de la vida de este artista sino de cómo la sociedad va cambiando y cómo se ha cambiado la percepción de los homosexuales. De prácticamente delincuentes a simplemente personas más que no merecen más que respeto y un trato no discriminatorio. Touko es un personaje que va evolucionando y dejando en los demás una profunda impresión gracias a su arte. Aunque sea de forma clandestina y en circuitos alternativos como revistas pornográficas. Pero al fin y al cabo lo importante es que llegue al público al que está destinado. Los dibujos de Tom of Finland pueden resultar demasiado explícitos o quizás de mal gusto. Son estereotipos masculinos en unos momentos de sexo que representa más fantasías que posibles realidades. Policías con hombres detenidos teniendo sexo en los calabozos, motoristas, marineros … Pero para aquellos que viven con miedo y frustrados por una sexualidad no aceptada socialmente sus dibujos resultaban además de sexualmente estimulantes, catárticos porque veían que había alguien que no los veía como un enfermo o degenerado sino como alguien hermoso. Quizás este sea el mayor valor que pueda tener su obra a día de hoy. 


No es habitual que se estrenen películas finlandesas en España, pero el personaje protagonista es tan conocido mundialmente que era normal que llegara a las carteleras. La película es emocionante y expresiva. El protagonista, el actor Pekka Strang hace una increíble interpretación con una gran transformación. La película va desde su juventud hasta prácticamente nuestros días. Muy interesante y recomendable. 

jueves, 6 de julio de 2017

Crítica: Baby driver de Edgar Wright


En las películas de atracos siempre se centran en los que entran en los bancos y realizan el golpe, pero tan importante es entrar cómo conseguir salir. Hay un personaje que siempre ha quedado marginado en muchas de estas historias y es el del conductor que tiene que sacarlos de la escena del crimen lo más rápidamente posible.  Hay un jefe que se dedica a organizar golpes a bancos en los que utiliza a diferentes grupos, nunca repite aunque siempre hay un elemento que siempre mantiene porque es de su máxima confianza, un joven conductor que es el mejor a la hora de llevar el coche y que el atraco tenga un final feliz. Baby es además el chico de los recados, alguien que no es valorado por sus compañeros y que desconfían de el en todo momento. Siendo el protagonista y el héroe hay algo que no cuadra, ¿ por qué alguien con el que deberíamos identificarnos es uno de los atracadores ? Es fácil, no trabaja para los malos por voluntad propia, tiene una deuda con el malo y tiene que pagarla con su trabajo. Baby tiene a su cargo a un padre adoptivo sordo que tiene que cuidar, pero cuando aparece una chica se da cuenta de que su trabajo es demasiado peligroso y que pone en peligro a los que le rodean. 


De todos modos, la historia es lo de menos, incluso tiene una trama bastante importante en la que se mezclan giros postales y oficinas de correos que no he llegado a entender del todo. Lo que realmente resulta interesante de la película son las espectaculares escenas de acción y cómo se utiliza la música. Y el desarrollo de los personajes. Es una historia en la que un joven debe madurar de golpe y tomar decisiones poco propias de su edad. El protagonista Baby sufrió un accidente de coche, en el que murieron sus padres, y le ha dejado un problema auditivo que consigue solucionar de alguna manera escuchando constantemente música. Eso lo lleva a hacer que todo lo haga al ritmo de unas canciones espectaculares. Está claro que no han escatimado a la hora de escoger la banda sonora. El propio título de la película hace referencia a una canción de Simon y Garfunkel.  Las escenas de acción también se contagian de ese ritmo. Ya hemos visto en el cine muchas persecuciones de coches pero estas parecen que están pensadas como una coreografía de baile. Aparatos grandes y pesados se mueven en la pantalla como bailarines en una danza con unas canciones alucinantes. El reparto está muy bien elegido porque está lleno de grandes actores. Desde los más veteranos como Jon Hamm, con un corte de pelo inspirado en uno de los Pokemon, Jamie Foxx, uno de los atracadores más desconfiados o un impresionante Kevin Spacey que acojona casi tanto como cuando se pone en la piel de Frank Underwood. Entre los jóvenes hay que destacar a Ansel Elgort al que vimos en la sentir Divergente o en Bajo la misma estrella. La película se estrena mañana en cines y es más que recomendable. 

martes, 27 de junio de 2017

Crítica: Selfie de Victor García León


Después de su paso por festivales como el de cine español de Málaga ha llegado a los cines esta semana Selfie de Victor García de León. La película utiliza el género de falso documental para contar la historia de un niño bien y su particular descenso a los infiernos. Bosco es el hijo de un ministro al que acaban de meter en la carcel por varios casos de corrupción y a partir de ahí todo su mundo se desmorona. Tiene que abandonar su casa, su familia le da la espalda y su novia y parientes políticos tampoco quieren saber nada de el. El partido tampoco le ofrece ningún tipo de ayuda y se ve de un dia para otro sin casa, ni dinero ni ningún tipo de soporte. Está en un continuo desconcierto en el que no sabe qué es lo que está pasando ni cómo va a salir de ahí, pero lo hace lo mejor que puede. La vida le hace pasar de estar al lado de los del partido del gobierno a estar con gente que está en una posición contraria. Pasa de estar cerca de los del PP a convivir con seguidores de Podemos y todo ello sin que resulte chocante ni raro ni estridente. En un escrache que improvisan enfrente de su casa familiar Bosco conoce a Macarena y más adelante cuando se la vuelve a encontrar en un centro social okupado le prestará su ayuda y acabará viviendo con Ramón, un joven muy combatiente políticamente y que en teoría está preparando unas oposiciones. 


Aunque el protagnismo de la historia sea de Bosco,  tenemos a tres personajes que componen la trama. Bosco, un joven de derechas que atontando en un mundo de lujos y privilegios empieza a vislumbrar la realidad cuando las circunstancias le dan una hostia, Ramón, un joven progresista que con la excusa de que está preparando unas oposiciones pero que en realidad está viviendo de la sopa boba y Macarena, una joven idealista que tiene una cegera real y otra más metafórica porque no se da cuenta de que mucha de las cosas en las que cree son falsas. A su manera forman un triángulo amoroso en donde distintas posiciones tienen que convivir y llegar a un entendimiento. En este sentido, Selfie no utiliza la política para hacer un discurso partidista, en todo caso muestra las miserias y las incoherencias de los dos lados. El tono que ha utlizado el director es el de la sátira. No podría ser de otra forma. Bosco es espectador de su vida y cómo se está desmoronando todo sin que el pueda hacer nada y lo peor, sin que realmente sea el que ha provocado nada de eso. El no es el que ha cometido los delitos ni el que está en la carcel y aún así paga por lo que ha hecho su padre. De todos los miembros de su familia él es quien sale peor parado. Parece que los demás han conseguido algún soporte pero él se encuentra solo. El desconcierto de Bosco refleja bastante bien cómo nos sentimos muchos estupefectos ante el mundo en el que vivimos. Situaciones que pensábamos imposibles están sucediendo. No se regodea en el sufrimiento de Bosco, que podría hacerlo porque lo que le pasa es tremendo, sino que todo es tan absurdo pero tan real que más que tristeza provoca empatía y complicidad. Resulta extrañamente divertida. 


Selfie es una película pequeña que aprovecha al máximo de los recursos que tiene. Quizás no está justificado de todo el tipo de falso documental ¿quién lo graba? y sobre todo ¿por qué? De hecho, hasta algunos de los personajes tampoco entienden el sentido de que se grabe todo. Santiago Alverú es el encargado de dar vida a Bosco. Su interpretación es genial y sorprendente. Esta es su primera película y dice que quizás sea la última, esperemos que no. 

domingo, 25 de junio de 2017

Crítica: Un don excepcional de Marc Webb


El director Marc Webb y el actor  Chris Evans dejan a un lado el cine de superhéroes para contar una historia menos espectacular y con menos artificios pero más real y más cercana. Una niña con una gran capacidad para las mátemáticas ha perdido a su madre y la custodia la tiene su tio, un profesor de filosofía que ha dejado su puesto en la universidad y ahora se dedica a reparar barcos. El gran talento de la niña no pasa desapercibido. ¿Qué es lo mejor para la joven Mary Adler? ¿Acudir a un colegio superior y tener una educación en la que exploten todo su potencial o tener una vida como una niña normal de su edad? No tiene una respuesta fácil; por un lado podríamos pensar que lo mejor es que tenga una educación que potencie lo que le hace especial, pero eso lo que hará será separarla de los niños de su edad y no tenga una infancia como los otros niños. No sabrá lo que es divertirse ni tener amistades con personas de su edad. La madre de Mary sabía todo eso, ella ya había pasado por algo parecido y no quería que su hija pasara por lo mismo por eso en vez de dejar la custodia a un padre ausente la dejó con su tío que iba a comprender y a hacer todo lo que crea que es mejor para la niña. La abuela que tiene una opinión completamene distinta hará todo lo posible para que tenga una educación especial y pueda seguir el trabajo que su hija no pudo terminar.


Así que por un lado tenemos una historia de hombre soltero con niño al que se le añade una trama judicial. También hay una historia romántica entre el tío y la profesora de la niña. Los juicios en el cine tienen un interés relativo así que el director hace de esta parte de la historia que pase lo más rápido posible para centrarse en lo que más importa, las relaciones entre los distintos miembros de la familia y cómo logran llegar a un acuerdo. La pareja protagonista y sobre la que cae prácticamente toda la trama prinicpal es la niña McKenna Grace y el capitán américa Chris Evans. Aunque la joven actriz tenga apenas 11 años, de hecho, hoy 25 de junio es su cumpleaños, tiene ya una gran experiencia tanto en el cine como en la televisión. El trabajo de la niña es impresionante y sabe dar la réplica a sus compañeros que tienen lógicamente mucha más carrera con ella. En estos casos no es sólo una cuestión de la actriz sino de un buen director que sabe sacar todo lo que el personaje requiere. Pero no están solos. Hay un buen grupo de actrices en papeles secudarios que dan soporte. Destacaría a Lindsay Duncan como la abuela. La hemos visto hace poco en los últimos episodios de Leftovers, también fue la crítica teatral de Birdman y Lady Smallwood en la nueva serie de Sherlock de la BBC. También está Octavia Spencer, una de las científicas de Figuras ocultas o una de las proagonistas de Criadas y señoras. Su personaje en esta película es la de la vecina que ayuda a los dos protagonistas. Tiene una gran vis cómica pero también sabe emocionarnos en las escenas más dramáticas.


Un don excepcional es una película sobre la familia, sobre cómo no siempre tomamos las mejores decisiones aunque nuestros propósitos sean los mejores. Ninguno de los personajes adultos quiere perjudicar a la niña, pero todos están perdidos así que hacen lo que creen que es mejor para ella. Cuando las posiciones son tan enfrentadas alguno tiene que estar equivocado. Mirándola es fácil preguntarse qué es lo que haríamos en su lugar. Es una historia con momentos divertidos y emocionantes, muy recomendable.

domingo, 11 de junio de 2017

Festival de cine Alemán 2017 - Dia 2 El veredicto


En el segundo día de festival sólo pudimos ver una película pero fue muy intensa. El veredicto cuyo título original es Terror es una película con una propuesta de los más original. Se nos plantea un juicio en el que hay un acusado, unos testigos, un abogado defensor y una fiscal. Oímos a los protagonistas y a partir de una breve reflexión se vota por la absolución o la condena del acusado. La gracia es que hay dos finales rodados y tan sólo conoceremos uno de los dos resultados. El caso no pude ser más de actualidad, por desgracia. Un avión que hace la ruta Berlín - Múnich es secuestrado por unos terroristas con la intención de estrellarlo en un campo de fútbol lleno de gente y provocar una masacre. Un piloto está esperando órdenes y en el último momento decide derribar el avión a pesar de que expresamente le han prohibido hacerlo. El avión cae sobre un campo de patatas y mueren todos los pasajeros, pero consigue evitar un mal mayor. Es detenido por provocar las muertes de los 184 pasajeros del avión y a espera de juicio. No es fácil enfrentarse a un tema tan delicado porque tiene mucho que ver con la dignidad del hombre, el valor de una vida y la justicia. El acusado desobedeció la orden de un superior y quizás haya ido en contra de la ley, pero en una situación tan extrema en donde no hay margen para la reflexión ¿alguno podría tomar una decisión diferente? De no haber hecho nada, en vez de llorar la muerte de 184 personas estarían viviendo una matanza de miles de seres humanos. Aunque nunca tengamos que enfrentarnos a algo así en la vida real cuando se nos plantea en el cine una cuestión como esta nos podemos preguntar si actuaríamos como el protagonista o habría alternativa. 

Ante un tema como este las posiciones suelen estar muy polarizadas y a veces no quedan sitio para los matices. Mientras que algunos estaban claramente a favor del acusado pero otros en contra. De los que estábamos en la sala la mayoría lo consideró no culpable. Pero tanto antes de la votación, que se hizo mediante un sistema de tarjetas, se produjo el debate. Normalmente la gente cuando se le plantea debatir o hacer preguntas no suele ser muy participativa, pero este no fue el caso. Incluso algunos de los espectadores se quedaron sin turno de palabra. El protagonista no contó que ese mismo debate se produjo durante el rodaje dentro del equipo y las opiniones también estaban muy confrontadas. Incluso nos aportó la opinión del autor de la novela en la que está basada la película. El hubiera condenado al acusado pero hubiera querido que el presidente lo acabara indultando. Es una posición que por un lado reconoce que lo que ha hecho va en contra de la ley, pero que por otro lado, al ser un caso excepcional y dramático no se le debería dejar en prisión. Esta es una decisión que deja la responsabilidad en otros y que no se "moja" demasiado. Tanto en el debate como en la película se hablaba de la dignidad del hombre y si se podía valorar una vida más que otras. Si existía una aritmética por la que se podía sacrificar a un número de personas por salvar a un número mayor. Eso es lo que se ha hecho en algunos ensayos clínicos en los que algunos médicos en la investigación de formas de enfrentarse a algunas enfermedades han inoculado virus y enfermedades a personas sanas. Hay momentos en los que la fiscal actuaba casi como abogada defensora. ¿Por qué no se mandó desalojar el campo de fútbol si había tiempo de sobra desde que empezaron las amenazas e incluso casi desde que el avión empezó a descender? ¿Esperaban que el piloto iba a actuar de esa forma? Tal y como actuó el piloto parece que va en contra de la normativa que dice la constitución alemana. Si no respetamos la ley ¿qué nos queda? 


Yo estoy más a favor de lo que dice la fiscal y hay una cosa que dice el acusado que no me gustó nada. Dice que tal y como están las cosas y con todo lo que ha pasado, cuando uno sube a un avión firma de alguna forma un contrato por el que es consciente de que este tipo de cosas puedan suceder. Por cuestiones de seguridad viajar en avión ha pasado de ser uno de los medios más rápidos ha ser un lugar donde hay que pasar más controles, más restricciones y hemos visto como se nos menguaban las libertades. Si después de todo esto también tenemos menos seguridad es que hay algo que se está haciendo mal. A pesar de todo mi voto fue claramente a favor del acusado. No se trata de que la vida de los espectadores del campo de fútbol fueran mejores que las de los pasajeros del avión sino que estos últimos ya estaban condenados y el responsable no era precisamente el piloto que tiró el avión. No fue quien puso a los pasajeros en esta situación sino el que tuvo que tomar una decisión y poner una solución. El responsable fue el terrorista y no mató a más de cien personas, sino que salvó a setenta mil. 


La película es intensa y aunque se nota cierta teatralidad en la puesta de escena merece mucho la pena. La película se rodó para la televisión alemana, de ahí que el juez dijera que la elección por parte de los espectadores sería por internet y por teléfono. El director de la cinta es Lars Kraumen que estrenó el año pasado una película que también tenía en su trama central un juicio, El caso Fritz Bauer. Entre los actores está el protagonista Florian David Fitz, y Martina Gedeck, que protagoniza otra de la películas de este festival, El éxtasis, y Lars Eldinger, uno de los profesores de Las flores de antaño.