jueves, 11 de enero de 2018

5 Motivos por los que SyFy es el mejor canal de televisión



Frente a los canales de televisión tradicional en donde hay un poco de todo para gustar a un gran público tenemos a los canales de pago que nos ofrecen una alternativa dándonos aquello que más nos gusta. Cada uno puede encontrar una gran variedad de propuestas  En cualquier plataforma de televisión hay una gran variedad de contenido, canales cuya parrilla está formada especialmente por series y alguna que otra película. Quizás donde falla es en producción propia y no hagan sus propios programas. De entre toda esta variedad hay algunos canales que podemos encontrar hay uno que destaca especialmente y es SyFy. Ahí van algunos motivos por los que considero que SyFy españa es el mejor canal de pago. 

1/ La propia temática del canal: La ciencia ficción es un género genial para hablar de nosotros. No cuentan las historias de cómo somos sino cómo podríamos ser utilizando la imaginación como instrumento. Tenemos series como Los 100 que nos sitúa en el futuro de una tierra en la que el hombre ha desaparecido y en la que un grupo de elegidos para repoblarla. ¿Qué mejor forma de concienciar a las nuevas generaciones de cuidar el medio ambiente que esta? La imaginación es un arma poderosa y aquí saben utilizarla. 


2/ Saben elegir las series y películas que más gustan: Hay un equilibrio entre las novedades y las series que ya han finalizado pero a las que tenemos un gran cariño. De entre las novedades la ya mencionada Los 100 pero también podremos ver las nuevas temporadas de The Magician que nos enseña las aventuras que suceden en un instituto para magos o The librarians en la que un grupo de bibliotecarios tienen una relación muy especial con los libros que cuidan. Hay que agradecerles que hayan recuperado "clásicos" de la televisión como Buffy cazavampiros, Alias, Embrujadas o Smallville. 



3/ Miman a sus fans: Porque saben que detrás de las pantallas hay personas que disfrutan con lo que nos ofrecen y buscan la forma de que alguna forma participemos. Cuando estrenaron Buffy hicieron una promo en la que grandes seguidores de la serie hablaban de lo importante que les supuso la serie. Ahora buscan en un casting muy especial a fans de sus películas y series para participar en la promo de su muestra SyFy y llevarse abonos. Y ya no menciono algunas sorpresan que han dado como envíar tartas de cumpleaños para celebrar el aniversario de Buffy o ahora roscones de reyes  (magos) para contar que los magos que molan son los que tienen ellos. Aunque muchs de las acciones sean en Madrid saben que hay gente en más sitios por eso exposiciones de objetos SyFy se ha podido ver en varias ciudades. A los que nos gusta el cine y las series poder interactuar con objetos originales es una gozada. 


4/ Películas made SyFy: ¿Antes he dicho que estos canales apenas tenían producción propia? Aquí no pasa. Tienen ya un gran catálogo de lo má bizarro y divertido que uno pueda imaginarse. La cincia ficción más que un género es una forma de entender la vida. Aquí hay cabida el terror, la comedia o el drama. Por lo general este tipo de cine es el del absurdo, monstruos imposibles que se dedican a hacer tropelías. El mayor éxito de los últimos años son los Sharknados. No hay verano sin Sharknado, ya hay 5 y amenzan con más. 



5/ Muestra SyFy: Uno de los grandes acontecimientos cinematográficos que uno puede tener en madrid es la muestra de cine SyFy. Quizás las películas no sean las mejores, quizás verlas en pantalla grande rodeados de gente sean la mejor forma (o única) de verrlas. La muestra del amor y de la libertad es ya todo un clásico. Allí no sólo se ven las películas, se disfrutan. En la nueva sede el palacio de la prensa las películas se pueden disfruten en la sala grande y en la sala pequeña también conocida como "mandanga free" en donde se va sin molestar a nadie. El que vaya a la sala grande sabe que el público es todo un torbellino y que habrá gritos y caos. Que la maestra de ceremonias sea Leticia Dolera es una de las grandes elecciones y como casi todo lo bueno que sucede en la vida fue una casualidad. CANINO!. 


Todo esto y más hacen que SyFy sea un gran sitio en donde refugiarse de la monotonía y del aburrimiento. 

lunes, 8 de enero de 2018

Crítica: Most Beautiful Island de Ana Asensio


La madrileña Ana Asensio es una actriz que empezó en al año 2000 en la serie juvenil Nada es para siempre y que ahora debuta como directora con Most beautiful island. Además de dirigir es la autora del guion y la protagonista. Para muchos Nueva York es una ciudad que conocemos sólo a través del cine, una ciudad ideal en la que han sucedido las más hermosas historias que hemos visto a través de una pantalla. Así era como el director sevillano Daniel Zarandienta nos la enseñaba en su película Encontrados en NYC. Ana Asensio nos muestra una ciudad difícil en la que sobrevivir cada día es un logro, trabajos precarios, falta de dinero y de oportunidades y casi todo en contra. Luciana es una de esas personas que luchan cada día. Apenas conocemos su pasado, intuimos que ha pasado algo que la impide volver a su país y que la retiene en esa isla de Manhattan. Lo que sí que conocemos es su presente, su batalla diaria y todo a lo que tiene que enfrentarse. La película nos muestra todos esos problemas, esa falta de recursos y un horizonte no demasiado esperanzador, pero rendirse no es una opción. La historia tiene dos partes, todo lo que nos muestra es de alguna forma un anticipo de lo que va a pasar después. Lo que podría ser una película de drama social al estilo de Ken Loach pasa a algo terrorífico no porque hayan extraterrestres, monstruos o algo sobrenatural sino porque, aunque excepcional es algo que es verosímil y que podría suceder. Es el lado oscuro del sueño americano, para que algunos triunfen y les vaya bien a otros les tienen que ir mal. Most Beautifull Island es el retrato de este segundo grupo.


Ana Asensio cuenta que lo que le llevó a escribir esta historia fueron sus propias experiencias. Cuando llegó a Nueva York tuvo que ir compaginando diversos trabajos mientras veía como sus ahorros iban menguando hasta que llegó un día en el que le ofrecieron un trabajo de apariencia inofensiva que luego acabó siendo otra cosa. Esa visión de la inmigración es lo que ella ha vivido y creo que esa veracidad se transmite perfectamente en la historia. Rodar con una cámara de 16 mm le ha ayudado a dar cierta movilidad y crear una cierta sensación de que lo que vemos sucede sin que haya un plan previo, como si estuviéramos siendo unos espectadores privilegiados de la vida de la protagonista. Que haya mezclado actores profesionales con personas que no se dedican a la interpretación también ayuda a crear un ambiente de naturalismo. Esa fue la forma en la que se hizo la película, los actores recibían unas pautas y las escenas se rodaban en una toma única con momentos que se dejaban a la improvisación. Que los actores no sean caras reconocibles hace que veamos al personaje y no al actor. Que cuando les pasa algo malo suframos más con ellos porque de alguna forma sentimos que lo que le pasa es real y no una historia inventada y que ellos sólo lo fingen. Tanto Ana Asensio como Natasha Romanova hacen un trabajo impresionante.



La película que ha tenido un gran éxito en EEUU en donde ha sido galardonada con el gran premio del jurado en el South By Southwest (SXSW, Austin) y recientemente nominada en los Oscars del cine independiente, los Independent Spirit Awards. Ya hemos podido verla en varios festivales aquí en España como el de Sitges o el Nocturna de Madrid. Ahora se estrena en salas comerciales acompañada del corto The Fourth Kingdom de Adán Aliaga y Àlex Lora, recién nominado al Goya. 

jueves, 30 de noviembre de 2017

Crítica: Perfectos desconocidos de Alex e la Iglesia


Hace poco más de un año que Alex de la Iglesia estrenaba El Bar. En este tiempo le ha dado tiempo a producir el debut de Eduardo Casanova, Pieles y rodar Perfectos Desconocidos que se presenta mañana. Parte esta vez de una película italiana en la que un grupo de amigos se reune para cenar y en donde se darán cuenta de que a pesar de que son tan amigos y se conocen tan bien siempre hay secretos que se mantienen guardados. Los móviles será el medio por el que se pondrán encima de la mesa todas las cosas que intentaban ocultar. Son tres parejas y un amigo al que en el último momento le ha dejado plantado su novia que van a hacer un ejercicio de sinceridad y van a descubrir que detrás de las apariencias hay lugares oscuros que no querían destapar. Es una noche especial, una inmensa luna llena, un eclipse que hace que saque en la gente toda la agresividad acumulada. En cambio en los protagonistas esta luna de sangre hace que salga todos sus secretos. 


Es una comedia de enredo muy divertida en la que somos testigos de todas las miserias y todos los líos que tienen los protagonistas. Las infidelidades, las dudas, los celos y las envidias son los elementos en los que se mueven los personajes. Los móviles y la tecnología que en un principio sirven para acercanos y para conectarnos unos a otros sirven para crear una nueva identidad y para ocultarnos de los demás. Nos aleja de las personas que tenemos cerca y nos aisla en un mundo virtual. Relaciones falsas en un mundo falso. El juego que propone Blanca, el personaje interpretado por Dafne Fernandez, y que es lo que pone en marcha la trama más importante de la película es el de colocar sobre la mesa todos los móviles y durante lo que dure la cena no ocultarse nada, llamadas, mensajes y notificaciones. Eva, el personaje de Belen Rueda desea que algo pase esta noche, cualquier cosa mejor que el aburrimiento. Y cierto que pasa, porque sin entrar en detalles todos quedan completamente desnudos y expuestos. Los espectadores somos testigos de cómo estas amistades tan sólidas no lo son tanto. La película deja bastante claro que siempre es necesario que nos quedemos algo para nosotros mismos, no es necesario saber todo de todos. Los secretos son importantes para poder convivir con los demás. 



En una película como esta en la que se respetan las tres unidades del teatro clásico, una parte fundamental son los actores. Belen Rueda demuestra una vez más lo gran actriz que es. Tuvo que ser Amenabar que nos enseñara que era algo más que una cara divertida que nos lo hacía pasar bien en los varios programas de televisión que presentó. En la película La noche que mi madre mató a mi padre ya interpretaba a la esposa de Eduard Fernandez. Juana Acosta y Ernesto Alterio son el matrimonio conflictivo que esconden sus infidelidades. Pareja fuera de la pantalla, crean unos personajes intensamente reales. La pareja más joven la encarnan Dafne Fernandez y Eduado Noriega, dos actores que se incorporan por primera vez al universo de Alex e la Iglesia.  Quien repite es Pepón Nieto, al que hemos visto en Mi gran noche y Las brujas de Zugarramundi.  Evidentemente también es necesario un buen director que sepa dónde colocar la cámara para contar la historia de la mejor forma posible. Aunque la historia no sea suya, ha sabido dotarla de su toque personal. 

jueves, 26 de octubre de 2017

Nocturna Madrid 2017: Día 1


Nocturna ya cumple su quinta edición con numerosos cambios. El primero es un cambio de fechas, deja de celebrarse en mayo para retrasarse a la semana previa a Halloween. El cierre, esperemos que temporal, de los cines Luchana ha hecho que se tengan que trasladar de lugar. Las películas se podrán ver en los cercanos cines Proyecciones y también en el Matadero, en la plaza de Legazpi. Las actividades paralelas como presentaciones de libros o encuentros con los directores y homenajeados seguirá siendo en la Fnac de Callao. Como en otros años el festival se divide en varias secciones, una oficial que incluye títulos como la española Dhogs, Game of Death, Hostile, Les Affame, Most beautiful island, Revenge y The heretics. La sección Dark Visions es como la oficial una sección competitiva en la que el protagonista es el gore y lo trangresor. El panorama es una sección que nos enseña una muestra de lo variado que es el género en las producciones más interesantes. También hay espacio para los cortometrajes que se verán antes de los largometrajes. Y por supuesto además de la ficción hay espacio para la no ficción con varios documentales. A descartar dos, El trajo de Superman del director Juan Manuel Diaz y 78/52 en el que hace una disección de una de las secuencias más famosas del cine, la escena de la ducha de Psicosis. 



Pero, creo que lo más relevante de esta edición es el espacio que se le da a los homenajeados. Narciso Ibañez Serrador no es un director con una gran filmografía y seguramente todos los conozcamos por sus trabajos en television. Pero las películas que ha hecho como La residencia o ¿Quién puede matar a un niño? supusieron una ruptura con el cine que se estaba haciendo y una inspiración para muchos directores que han seguido su trabajo. Que Nocturna lo considere como Maestro del Fantástico es algo obvio para muchos. Series como Historias para no dormir tuvo su continuación en 2005 con Películas para no dormir en la que directores como Paco Plaza o Alex De la Iglesia. Recuerdo que la primera vez que vi La residencia en televisión me impresionó y siempre me he preguntado por qué no siguió haciendo cine. Además de los dos títulos mencionados en esta edición del Nocturna El hombre que vendió su sombra protagonizada por su padre Narciso Ibáñez Menta. Aunque Chicho Ibáñez Serrador no es el único homenajeado. El director americano Don Coscarelli del que podremos ver su clásico del 1979 Phantasm. Este año también se le reconocerá el trabajo a la actriz musa de la productora Hammer, Caroline Munro de la que veremos el slasher Maniac. Y de Jack Taylor, el último de los homenajeados, la película de Polanski, La novena puerta. 


El festival ha empezado ayer con la película The heretics. Dos chicas jóvenes que han tenido un pasado tormentoso se conocen en un grupo de ayuda. Llevan ya un año juntas pero la secta que hace nos años la secuestró vuelve a perseguirla. Sectas, diablos y algo de sangre son los ingredientes de esta película que tiene varios gritos de guión no demasiado impactantes. Aunque el guión no sea su punto fuerte, la fotografía, la dirección y sobre todo las dos actrices protagonistas hacen un buen trabajo. La primera película de Narciso Ibáñez Serrador que se ha podido ver es La residencia en una copia digital que incluye algunas escenas que se tuvieron que cortar debida a la censura. Hay que recordar que esta película es del año 1969 cuando todavía había una dictadura en España y la censura todavía presente. Lo que ahora nos parece inocente y para todos los públicos en ese tiempo era todo un escándalo. Esas pequeñas partes ni siguiera están dobladas y tampoco con subtítulos. Llevan a una niña huérfana de padre a una residencia para chicas conflictivas. Lo que debería ser un lugar para que jóvenes rebeldes se rehabiliten, se convierte en un lugar de pesadilla donde sale a relucir lo peor el ser humano. La película con la que se inaugurará será la comedia fantástica Happy death day. Una joven estudiante se despierta y acaba reviviendo una y otra vez el día en el que va a ser asesinada. Es una película realmente divertida en la que la joven tiene que investigar su propio asesinato antes de que ocurra.


jueves, 13 de julio de 2017

Crítica: El pastor de Jonathan Cenzual Burley


El pastor es una película que nos mete en la vida de un hombre que vive apartado de la sociedad en una pequeña casa en el campo. Su forma de vida solitaria se ve amenazada cuando unos promotores inmobiliarios van a visitarle porque quieren construir una urbanización en su zona y que sus tierras sirvan para el nuevo polideportivo. El protagonista no está dispuesto a renunciar a su casa que no sólo es el lugar en el que vive sino que es su forma de vida. Por mucho dinero que le den no será suficiente como para vivir sin trabajar y no podrá ejercer su trabajo sin sus tierras. Hay muchos intereses en que ese urbanización se haga en esa zona y cuando hay mucho dinero de por medio no existen amistades tan fuertes. O todos venden o no se podrá hacer y ahí es donde empieza el gran conflicto que vertebra esta película. 


Es una historia sencilla pero con un gran trasfondo que se nos plantean grandes dudas. Hay un conflicto entre progreso y tradición. Progreso es la urbanización, casas más modernas, con más medios, frente a una vida más unida a la tierra y a trabajos ya prácticamente abandonados. El pastoreo ya no es un trabajo con mucho futuro pero quienes todavía lo ejercen no tienen otro medio de vida posible y ya el reciclaje resulta complicado. El escenario es el pueblo y los vecinos son los actores que van evolucionando a lo largo de la historia. Cada cual tiene sus razones y su motivos, pero en vez de enrocarse y adaptándose a los acontecimientos. Los personajes están interpretados por actores nóveles pero una buena dirección hace que no se note su falta de experiencia. A destacar la fotografía de la película que a través de unos planos con una gran belleza transmiten la tranquilidad de la vida rural frente al agobiante y estresante mundo de la ciudad. 


miércoles, 12 de julio de 2017

Crítica: Tom of Finland de Dome Karukoski


Tom of Filand es un artista cuya obra es una expresión de unos deseos que en su época estaban perseguidos y reprimidos. Cuando Tom of Finland (o Touka laaksonen como realmanente se llamaba) es bastante antes de la primera revuelta por los derechos de los homosexuales y los transexuales que se recuerda cada 28 de junio. La homosexualidad se vivía como un delito, una enfermedad a castigar y reprimir. Se vivía de una forma clandestina y culpable. Lo que hizo Tom of Filand era dar visibilidad a esos hombres que vivían parte de su vida fuera de los convencionalismos de su época. Empieza siendo un héroe de guerra para acabar siendo un referente en la lucha por los derechos de los homosexuales. Su intención primera no era reivindicativa, no pretendía meterse en ninguna lucha. Simplemente lo que buscaba era tener una vida sexual completa y dibujar sus fantasías para compartir con otras personas a las que les pudiera gustar. A lo largo de su camino se encontrará con gente que hará ver la importancia de la lucha y la defensa de los derechos para no vivir siempre en la oscuridad. 


La película no se trata tan sólo de una historia de la vida de este artista sino de cómo la sociedad va cambiando y cómo se ha cambiado la percepción de los homosexuales. De prácticamente delincuentes a simplemente personas más que no merecen más que respeto y un trato no discriminatorio. Touko es un personaje que va evolucionando y dejando en los demás una profunda impresión gracias a su arte. Aunque sea de forma clandestina y en circuitos alternativos como revistas pornográficas. Pero al fin y al cabo lo importante es que llegue al público al que está destinado. Los dibujos de Tom of Finland pueden resultar demasiado explícitos o quizás de mal gusto. Son estereotipos masculinos en unos momentos de sexo que representa más fantasías que posibles realidades. Policías con hombres detenidos teniendo sexo en los calabozos, motoristas, marineros … Pero para aquellos que viven con miedo y frustrados por una sexualidad no aceptada socialmente sus dibujos resultaban además de sexualmente estimulantes, catárticos porque veían que había alguien que no los veía como un enfermo o degenerado sino como alguien hermoso. Quizás este sea el mayor valor que pueda tener su obra a día de hoy. 


No es habitual que se estrenen películas finlandesas en España, pero el personaje protagonista es tan conocido mundialmente que era normal que llegara a las carteleras. La película es emocionante y expresiva. El protagonista, el actor Pekka Strang hace una increíble interpretación con una gran transformación. La película va desde su juventud hasta prácticamente nuestros días. Muy interesante y recomendable. 

jueves, 6 de julio de 2017

Crítica: Baby driver de Edgar Wright


En las películas de atracos siempre se centran en los que entran en los bancos y realizan el golpe, pero tan importante es entrar cómo conseguir salir. Hay un personaje que siempre ha quedado marginado en muchas de estas historias y es el del conductor que tiene que sacarlos de la escena del crimen lo más rápidamente posible.  Hay un jefe que se dedica a organizar golpes a bancos en los que utiliza a diferentes grupos, nunca repite aunque siempre hay un elemento que siempre mantiene porque es de su máxima confianza, un joven conductor que es el mejor a la hora de llevar el coche y que el atraco tenga un final feliz. Baby es además el chico de los recados, alguien que no es valorado por sus compañeros y que desconfían de el en todo momento. Siendo el protagonista y el héroe hay algo que no cuadra, ¿ por qué alguien con el que deberíamos identificarnos es uno de los atracadores ? Es fácil, no trabaja para los malos por voluntad propia, tiene una deuda con el malo y tiene que pagarla con su trabajo. Baby tiene a su cargo a un padre adoptivo sordo que tiene que cuidar, pero cuando aparece una chica se da cuenta de que su trabajo es demasiado peligroso y que pone en peligro a los que le rodean. 


De todos modos, la historia es lo de menos, incluso tiene una trama bastante importante en la que se mezclan giros postales y oficinas de correos que no he llegado a entender del todo. Lo que realmente resulta interesante de la película son las espectaculares escenas de acción y cómo se utiliza la música. Y el desarrollo de los personajes. Es una historia en la que un joven debe madurar de golpe y tomar decisiones poco propias de su edad. El protagonista Baby sufrió un accidente de coche, en el que murieron sus padres, y le ha dejado un problema auditivo que consigue solucionar de alguna manera escuchando constantemente música. Eso lo lleva a hacer que todo lo haga al ritmo de unas canciones espectaculares. Está claro que no han escatimado a la hora de escoger la banda sonora. El propio título de la película hace referencia a una canción de Simon y Garfunkel.  Las escenas de acción también se contagian de ese ritmo. Ya hemos visto en el cine muchas persecuciones de coches pero estas parecen que están pensadas como una coreografía de baile. Aparatos grandes y pesados se mueven en la pantalla como bailarines en una danza con unas canciones alucinantes. El reparto está muy bien elegido porque está lleno de grandes actores. Desde los más veteranos como Jon Hamm, con un corte de pelo inspirado en uno de los Pokemon, Jamie Foxx, uno de los atracadores más desconfiados o un impresionante Kevin Spacey que acojona casi tanto como cuando se pone en la piel de Frank Underwood. Entre los jóvenes hay que destacar a Ansel Elgort al que vimos en la sentir Divergente o en Bajo la misma estrella. La película se estrena mañana en cines y es más que recomendable.