Crítica: Orlando, mi biografía política de Paul B. Preciado

 

El Orlando de Virginia Woolf fue en su momento un personaje con el que se identificaban las lesbianas. Estas lo utilizaban como nombre en clave para uno de los canales del IRC porque corrían el riesgo de que se les llenara de hombres que se dedicaban a acosarlas e insultarlas. El filósofo Paul B. Preciado se estrena como director de cine retomando este personaje adaptándolo a su persona. En Orlando se nos cuenta la historia de un aristócrata que pasa de ser un hombre a una mujer; este está inspirado en Vita SackVille-West. Es por lo tanto el sexo y el género lo que subyace en la novela. Al ser esta una de las líneas de investigación de Paul B. Preciado utiliza la historia de la novela para contar su historia y la de otras personas disidentes del género.

Aquí habría que recurrir a los estudios antropológicos para ver cómo a lo largo de la historia y en distintos lugares la visión que se ha tenido sobre el sexo y el género no es la misma y puede variar. Para quien esté interesado en el tema hay un artículo de Verena Stolcke que trata el tema y que se llama ¿Es el sexo para el género como la raza para la etnicidad? Más allá de la biología el género se ve como la forma en la que culturalmente se ven a los hombres y a las mujeres así como su posición y su lugar. Especialmente en la actualidad en la que vivimos en una sociedad en la que se fomenta la individualidad frente a una sociedad más cohesionada los roles de género se ven como limitantes. En algunos ámbitos hacer definiciones como qué es ser un hombre o ser una mujer resultan hasta ser subversivos. En vez de romper con esas categorías que oprimen y no dejan desarrollar las personalidades o bien las limitan lo que se ha hecho es multiplicar estas categorías. 

Ya no hay un solo Orlando, hay decenas de ellos, la película nos muestra unos cuentos y seguramente tendrían la posibilidad de mostrarnos muchos más. Los Orlandos de nuestra época son personas con diversos orígenes, diversas vivencias, diversas edades y que tienen algo en común, han desarrollado sus vidas a partir de su disidencia de género y cómo han buscando corregir esa disonancia entre lo que son y lo que se perciben que son. Esta película se mueve entre la ficción y el documental porque los actores y actrices que participan y que encarnan a Orlando también nos cuentan su vida y lo que han pasado. Desde un hombre maduro que sabía que había algo que no funcionaba en su vida hasta que es consciente de su feminidad o de adolescentes que ven que lo masculino y lo femenino son términos que encajan en su vida y quieren explorar nuevas posibilidades. Se incluye el testimonio que hizo Elsa, una niña transexual de ocho años en el parlamento de Extremadura. Se empieza cuestionando el género y se acaba también cuestionando el sexo. Esta es una cuestión que puede llevar consigo grandes transformaciones sociales pues grandes cuestiones pasan por una cuestión de sexo/género. Esta película puede servir para fomentar el debate sobre este tipo de cuestiones además de servir a los protagonistas como forma de narrar sus experiencias y hacerse visibles puede de lo que no se habla es como si no existiera. 

Llega la Reina Roja a Amazon Prime Video

Juan Gomez Jurado es uno de los escritores más leídos en nuestro país. Sus historias enganchan a una gran cantidad de lectores. Su popularidad se debe en que ha conseguido democratizar la lectura al sacar sus novedades en formato electrónico a unos precios realmente buenos. No se trata aquí de hablar ni de sus novelas ni del formato electrónico pero está bien hacer unas puntualizaciones. Un libro en papel y un libro en formato electrónico tienen el mismo contenido pero no son lo mismo. En formato electrónico tiene muchas más limitaciones y eso cambio debe ser reflejado en el precio de venta. Juan Gomez Jurado siempre ha sacado todos sus libros a unos precios que se los puede permitir cualquiera. Si te has gastado al menos 100 euros en un aparato puedes permitirte comprarte una novela por menos de 5 euros. Eso no explica su éxito, tiene que tener buenas historias, unos personajes memorables y una buena narración. Cuando una serie de novelas tiene éxito el siguiente paso es su adaptación al cine o a la televisión en formato de serie. Las novelas suelen ser historias demasiado complejas para que se puedan adaptar bien al formato de película porque necesitas condensar demasiado una historia. Para los actores también les viene bien una serie porque les permite mostrar todos los matices de un personaje. Ellos sufren una discriminación porque no se les reconoce tanto como a los que hacen cine. 

Andre Paduano

En una semana llega la primera adaptación de Reina roja, un thriller que cuenta con dos grandes personajes como son Antonia Scott y Jon Gutierrez en la que juntos tendrán que investigar una serie de crímenes. Las parejas en este tipo de historias funcionan muy bien sobre todo si hay una gran diferencia de personalidades. Tenemos ejemplos como Castle, Bones o más antiguas como Luz de luna. Reina roja rompe una de las normas que subyace en prácticamente todas estas series y es lo que se conoce como tensión sexual no resuelta. En la mayoría de estas series acaban con los dos protagonistas enamorados o incluso casándose. Al hacer a Jon homosexual eso hace que una relación entre ambos más allá de la profunda amistad sea inviable. En algún momento puede dar juego pero acaban desplazándose de la misión principal que es descubrir al malo. Aquí la tensión y la gravedad de lo que están viviendo rompe la relación que tiene Jon con su amatxo, una mujer vasca con mucho carácter. Han creado un gran personaje que aporte una naturalidad a la serie. Y no es que la serie no tenga un tono realista, que lo tiene, dentro de la historia y del universo de los personajes existe lo que denominaba verosimilitud y que es imprescindible. Hay cosas como el hecho de que se denomine a Antonia Scott como la mujer más inteligente del mundo que suenan estridentes aunque sea cierto pues se le adjudica un coeficiente intelectual de 242.. Uno no está acostumbrado a escuchar este tipo de afirmaciones. 

En busca de una satisfacción global las series suelen ocultar las ciudades en donde suceden las historias. Buscan espacios neutros que se puedan encontrar en cualquier sitio. Esta es otra de las reglas que rompe esta serie. Nos muestra un Madrid más que reconocido. Cualquiera que haya visitado la capital de España ha pasado por los mismos sitios por los que pasan los protagonistas, la Plaza de España, Gran Vía, Bravo Murillo, las Torres que hay por Chamartín… El cine y las series son una forma de presentar las ciudades. Un director como Alex de la Iglesia nos ha mostrado grandes estampas de la ciudad y ha inmortalizado lugares como Callao o el Retiro. Reconozco aquí que no he leído todavía las novelas de Reina Roja pero entiendo que la ciudad y los sitios por los que sucede la acción tienen gran importancia porque de hecho hay publicado un pequeño libro en el que se nos cuenta como una guía por donde pasa Antonia Scott. 

Estos primeros siete capítulos con la que construyen esta primera temporada nos muestra una historia que resulta realmente emocionante. Cuenta con una gran pareja protagonista y con unos buenos directores. Koldo Serra es el encargado principal y ya tiene gran experiencia en llevarnos por terrenos poco explorados. Su cine es un compendio de acción, suspense y unos giros muy locos que hacen que nos vuelen la cabeza. Ya lo demostró en series como La casa de papel o en películas como 70 Binladens. Esta primera temporada es de introducción a los personajes, al universo de Antonia Scott y promete grandes emociones en un futuro y que gustará tanto a los fans de las novelas como a los que como yo aún no hemos tenido el placer de leer los libros. Pero estoy trabajando en ello. 

Crítica: Saint Omer. El pueblo contra Laurence Coly de Alice Diop

 

Hemos visto ya muchas películas cuya trama principal sucedía en un juzgado. Ha sucedido un crimen y la trama gira en descubrir qué es lo que ha pasado y quien es el culpable pero esta película no tiene nada que ver, aquí desde el principio sabemos qué es lo que ha pasado y la acusada en ningún momento niega los hechos. A pesar de ello se declara inocente. Ella es una mujer que vive y estudia en Francia y que viene de Senegal. Es una persona culta e inteligente y aún así comete uno de los crímenes que más rechazo puede causar, ni ella misma es capaz de entender por qué lo ha hecho. Ese es lo que mueve y hace avanzar a la historia a través de los relatos que van haciendo los distintos personajes de lo que ha pasado y sobre todo cómo lo ha vivido cada uno de ellos. Hay otro personaje que es con el que más nos podemos sentir identificados como espectadores que es el de una escritora que es testigo de todo lo que está pasando. Ella tamiza lo que está sucediendo con su propia visión que nace de sus circunstancias personales. Uno puede imaginarse lo que puede sentir otra persona, al fin y al cabo de eso se trata la empatía pero es complicado salir completamente de uno mismo.

La película está narrada de una forma muy sobria en la que lo más importante es el trabajo de los actores a partir de un guión perfectamente compuesto. Las dos actrices protagonistas son jóvenes promesas con poca experiencia pero que aquí han sabido entender a los personajes a los que dan vida. Frente a una acusada que se muestra aturdida y apenas consigue entender lo que ha pasado. Aunque en un principio va a Paris a estudiar derecho lo deja para hacer lo que realmente le interesa que es la filosofía, de hecho se habla en algún momento que se define como Cartesiana y también se menciona que la tesis que estaba preparando era sobre Wittgenstein que entre otras cosas decía que los límites de nuestro mundo son los límites de nuestro lenguaje. Frente a esta aparenta frialdad está la emoción de la joven escritora que ve con tristeza todo lo que está pasando.

Es una película que resulta emocionante y lo consigue de una forma natural, sin grandes artificios, simplemente contando una historia que nos pueda hacer reflexionar. Aunque al final no consigamos sacar una respuesta lo más importante es la búsqueda y el camino que hace para encontrarlas. Una gran película que podemos disfrutar en los cines desde este viernes.

Crítica: Joyland de Saim Sadiq

El cine no solo cuenta historias, sino que también nos abre una ventana a otras realidades y culturas. A través de él, podemos ver cómo viven los personajes, cómo se relacionan y cómo afrontan tanto cuestiones trascendentales (como la familia o la identidad) como aspectos cotidianos, desde la comida que consumen hasta su forma de disfrutar el ocio. En Joyland, el director Saim Sadiq, quien además de cineasta es licenciado en antropología, nos sumerge en la sociedad pakistaní a través de una historia de emancipación y autodescubrimiento.

El protagonista encuentra en un pequeño teatro erótico un espacio donde puede desarrollarse y encontrarse a sí mismo. Se une al equipo de baile de una de las artistas que actúan en el intermedio del espectáculo principal, quien no es la estrella no por falta de talento, sino probablemente por ser una mujer transgénero. A lo largo del filme, vemos cómo los personajes luchan por su libertad en una sociedad profundamente apegada a las tradiciones, donde los cambios llegan con lentitud. Para quienes desean algo más, cualquier avance resulta insuficiente.

Uno de los grandes aciertos de la película es su reparto. La ausencia de actores reconocidos permite que el espectador se sumerja por completo en la historia sin distracciones externas. Las interpretaciones son intensas y llenas de matices, contribuyendo a la autenticidad del relato. Joyland no es exactamente un drama ni una comedia, sino un retrato honesto de la vida, con momentos de todo tipo. A pesar de ser su ópera prima, Sadiq demuestra una gran habilidad narrativa, evitando caer en tópicos y apostando por una mirada sincera y conmovedora.

Uno de los aspectos más interesantes de la película es cómo aborda la identidad de su protagonista, Biba (Alina Khan). Aunque su condición de mujer trans influye en la forma en que la perciben los demás, la historia no gira exclusivamente en torno a ello. El foco está en su relación con Haider (Ali Junejo) y en cómo este vínculo afecta su matrimonio con Mumtaz (Rasti Farooq), quien también anhela su propia libertad y busca vivir según sus propios términos.

          El impacto de Joyland ha sido notable en festivales internacionales, pero en su propio país ha encontrado obstáculos. Inicialmente, fue prohibida en Pakistán por chocar con la visión conservadora de ciertos sectores, a pesar de ofrecer una representación matizada y, en muchos aspectos, positiva de la sociedad pakistaní. Tras una fuerte polémica, la prohibición fue levantada y la película pudo estrenarse en la mayoría del país. Además, fue la candidata de Pakistán para el Oscar a la mejor película internacional, aunque no logró llegar a la lista final de nominadas.

En definitiva, Joyland es una película sincera, conmovedora y necesaria, que explora el deseo de libertad en un entorno donde los cambios son difíciles. Altamente recomendable.

Crítica: Cuñados de Toño Lopez

 La comedia nos permite desde una aparente sencillez de temas importantes y profundos como son la familia o el sentido de la vida y de la percepción de uno mismo y de su existencia. En cuñados la familia y la forma que tenemos de relacionarnos tiene un papel muy importante. Los cuñados son personas que entran de forma azarosa en nuestras vidas, son de la familia, pero no del todo y aunque no los soportemos hay que tolerarlos. Estos tres cuñados forman una piña de solidaridad entre gente que no es bien recibida del todo. Es una comedia y un humor que nace de la solidaridad y la empatía con unos personajes a los que la vida no los trata bien, son unos perdedores que buscan un poco de suerte. Todo lo que les pasa está entre lo patético y lo divertido. En estos tiempos en los que vivimos resulta reconfortarte y aliviador olvidarse de los problemas propios aunque sea durante una hora y media y ver lo que les pasa a los demás con la seguridad de que tan sólo es una historia y que no tendrá consecuencias graves para ellos.

Una de las cosas que puede presumir Galicia es de la calidad de sus actores, profesionales que están curtidos en todas las facetas de la profesión y que dentro de la comunidad gallega tienen un gran reconocimiento. Fuera de Galicia no son todos tan conocidos, aunque algunos han conseguido pasar las fronteras y llegar a ser grandes profesionales como Luis Tosar o María Pujalte. Xosé A. Touriñan, Miguel de Lira y Federico Perez Rey son los tres protagonistas. Esta es la primera vez que están los tres juntos en una historia y demuestran la buena química que hay entre ellos porque de alguna forma fueron ellos los que provocaron que esta película se hiciera realidad. Pero no están solos en esta aventura, detrás de ellos están unos personajes femeninos que aportan un poco de cordura a la historia como son la madre, Mela Casal o María Vazquez, Eva Fernandez o Iolanda Muíños.

Portocabo es una productora gallega que ha dado grandes éxitos en la ficción gallega con grandes series para la TVG como son Auga Seca (que se puede ver también en HBO y que próximamente estrenará una nueva temporada) o el thriller Hierro que dirige Jorge Coira y que es una de las producciones más vistas de Movistar +. Esta es su primera aventura en la gran pantalla y con estos protagonistas eran difícil imaginarse algo que no sea una comedia. Ellos han trabajando en las grandes series más divertidas de la TVG y han aportado también su toque de buen humor a programas como todos los años que estuvo Touriñan junto a Marcos Pereiro con los personajes de Mucha y Nucha en Luar. Touriñan coincidió con Federico Perez Rey en Era Visto y en Padre Casares y Miguel de Lira siempre está en la memoria como el furtivo Evaristo Currás de Mareas Vivas. Es uno de los fundadores del grupo de teatro Chevere y que recientemente ha llevado al cine uno de sus últimos éxitos Eroski paraíso,  una historia con una gran carga emocional sobre el recuerdo y el pasado que puede verse en Filmin.

Cuñados además es uno de los primeros trabajos de la empresa de efectos especiales Cormoran VFX que dirige Pablo Lamosa después de haber pasado por El Ranchito en donde ha tenido ocasión de trabajar en series como Juego de Tronos o Veneno. Toda esa experiencia le ha llevado a volver a casa y desde aquí empezar esta aventura. También podemos ver su trabajo en la serie Tres Caminos que está disponible en la plataforma de Amazon .

Cuñados es una historia muy divertida con profundas raíces gallegas y que está a ser una de las comedias de la temporada.

Crítica: Un efecto óptico de Juan Cavestany

 

Las películas de Juan Cavestany no tienen nada de convencionales, su cine tiene un punto de provocador y de experimental que provoca reacciones de todo tipo. Hay espectadores que este tipo de cine menos convencional lo rechaza, pero hay otros entre los que me incluyo que estamos abiertos a nuevas narrativas y formas de contar una historia. Es un director que se mueve con pequeños presupuestos y eso le ha dado una gran libertad creativa. El punto de partida es que un matrimonio de Burgos se va de viaje a Nueva York con vuelo + hotel todo incluido. A partir de esta mínima trama, Cavestany realiza una compleja historia en la que el propio cine tiene una gran importancia. Sin entrar en muchos detalles en la historia y sobre todo como la cuenta a la hora de enfrentarnos a esta película veo que hay al menos tres maneras de disfrutar de ella y que de alguna manera están representadas por los tres personajes protagonistas como son el matrimonio de burgos y la hija de estos. Podemos ser como el personaje de Carmen Machi que simplemente ve lo que sucede pero que no entienda nada de lo que está pasando, simplemente disfruta del viaje y de lo que está pasando. En cambio, el personaje de Pepón Nieto empieza a comprender la situación del viaje y que no todo lo que sucede tiene un sentido pero intenta comprender la situación y por último estaría la hija que tiene una visión completa de lo que sucede. Ella además de comprenderlo es capaz de explicarlo, aunque nos suene todo muy raro.

 

El mundo del cine y especialmente el lenguaje cinematográfico tienen mucha importancia dentro de la historia por eso la elección de una ciudad como la de Nueva York es muy acertada, más allá de la ciudad real que está en Estados Unidos existe otra que es la que nos ha ofrecido el cine. Seguramente sea uno de los lugares en los que transcurren la mayoría de las películas que hemos visto y aunque nunca hayamos visitado ni hayamos recorrido sus calles no nos resultan ajenas, conocemos los nombres de algunos de sus barrios, conocemos muchos de lugares en donde hemos vivido grandes historias. Hemos estado tantas veces allí que cuando finalmente viajamos al sitio real como hacen los personajes de la película sus calles nos acaban resultando familiares, como si siempre hubiéramos estado allí. Un efecto óptico es una historia para los amantes del cine que quieran buscar algo distinto. Gracias a la plataforma Filmin la película ha llegado este viernes a los cines.

Crítica: Una pastelería en Notting Hill de Eliza Schroeder

 

Uno de los barrios con más mezcla de culturas que nos podemos encontrar en Londres en el de Notting Hill, muy famoso desde que fuera el escenario de la aventura amorosa entre Julia Roberts y Hugh Grant. Pero es mucho más, allí está la calle Portobello que tiene uno de los mercados de segunda mano más conocidos y que aparecía en una de las escenas más conocidas de la película La bruja novata. Es por lo tanto un lugar que el cine ha mostrado en numerosas ocasiones, ahora nos cuenta la historia de tres mujeres que luchan por un sueño, montar un pequeño negocio de hostelería en memoria de Sarah. Sarah es madre, hija y amiga y la gran protagonista de la historia aunque también sea la gran ausente. La muerte de Sarah es el detonante de la historia y lo que mueve a los personajes a juntarse. Es una historia que se mueve en el terreno de los sentimientos , una comedia que busca que nos sintamos bien con la forma que tienen los personajes de superar la tragedia y el dolor. Esta película no afronta la pérdida como un inicio de algo nuevo y una forma de honrar la memoria de aquellos que no están.

El escenario, una pastelería, invita a reunirse y la comida siempre es una buena excusa para juntar a las personas. El tono es vitalista y esperanzador y nos muestra que a pesar de las tragedias diarias podemos superarlas con la ayuda de los seres queridos. La historia es sencilla pero guarda un mensaje muy potente y muy necesario en un momento como el que estamos viviendo en el que necesitamos de mensajes positivos para superar esta situación tan loca en la que nos ha tocado vivir. Los personajes son potentes y muy bien encarnados por unas grandes actrices. Esta película supone el debut en la dirección de Eliza Schroeder.

Crítica: Padre no hay más que uno 2 de Santiago Segura

Hubo un tiempo en el que parecía que Santiago Segura sólo iba a dirigir secuelas de Torrente hasta que hace un par de años en Sin Rodeos le dio el protagonismo a una gran Maribel Verdú en una comedia sobre el empoderamiento femenino. El año pasado volvió con otra comedia en la que nos contaba las aventuras de un padre que tenía que lidiar con una panda de hijos ante la ausencia de una madre que se había tomado unos días de vacaciones. Javier, el personaje de Santiago Segura tenía que hacer todo lo posible para llevar las riendas de la casa y todo lo que provocan sus díscolos hijos. La película se trataba de una adaptación de la película argentina Mamá se fue de viaje que tenía como actor principal a Diego Peretti. La película tuvo tanto éxito (ahora se puede ver en Amazon prime video) que era inevitable una segunda parte. En este nueva historia todo cambia con la incorporación de un nuevo personaje al que interpreta Loles León. Cariñosa y abnegada con los nietos pero dura e inflexible con el padre. Dos actores que se conocen desde hace tanto tiempo como Segura y Loles León consiguen a través del conflicto crear una gran dosis de comicidad. 

Ella es la que viene a solucionarle los embrollos a Javier, una mezcla de La niñera de la serie de Fran Drescher y Mary Poppins. Del mismo modo que la niñera británica llegó de una forma inesperada, el personaje de Loles León aparece sin que el máximo beneficiario la quiera. Utiliza una forma poco convencional de solucionar los problemas, no como a los afectados les gustaría, pero sí de la forma más entretenida. Para esta segunda parte ha dejado un lado el gag y la comedia física para hacer una historia más familiar en la que se desarrollan más los personajes, especialmente el de los hijos. Ahora los empezamos a conocer más y como empiezan a surgir los conflictos con el padre. Ellos quieren una cosa mientas que Javier tan sólo busca lo mejor para ellos. 

Se nota la mano de una buena dirección de actores pues es evidente que sin una formación es necesario que alguien les vaya guiando con unas pautas. En un futuro sabremos si estas jóvenes promesas se convertirán en parte de las nuevas caras del cine español. Lo que sí se puede decir es que se pueden codear con grandes como Toni Acosta, Silvia Abril o los ya mencionados Santiago Segura y Loles León sin que se note la evidente falta de experiencia de unos frente a los otros. En definitiva, Padre no hay más que uno 2 es una comedia entretenida que con una naturalidad pretende hacernos reflexionar sobre la familia

Después de un largo confinamiento que hemos pasado en el que hemos estado encerrados durante tanto tiempo siempre viene bien historias positivas como esta. Los cines han estados cerrados y ahora empiezan los estrenos y dentro de esta situación tan atípica en la que nos encontramos más bien sacada de una película de ciencia ficción es mejor buscar en la oscura pantalla del cine una forma de evadirse durante un par de horas.

Crítica: La lista de los deseos de Alvaro Diaz Lorenzo

El humor es importante a la hora de enfrentarse a un tema tan complicado como es el cáncer. Es una enfermedad que provoca gran dolor a quien la sufre pero también para aquellos familiares y amigos. Esta película lanza un mensaje positivo y de esperanza a todas esas personas que lo sufren ya sea de forma directa o porque lo padece alguien cercano. La película se centra en dos mujeres que se han conocido en quimioterapia y a la amiga de una de ellas. Una vez que han pasado por el proceso y a la espera de que les den el resultado de las pruebas deciden hacer un viaje en el que harán realidad aquellas cosas que tienen pendientes pero que quieren hacer antes de irse. Harán un viaje en el que además de moverse físicamente será un viaje interior en el que les servirá para profundizar y reflexionar sobre su vida, sobre lo que quieren y también en el que se conocerán y forjarán grandes vínculos. Aunque el tema sea trágico el director ha optado en todo momento por buscar el lado bueno de las cosas, la parte más positiva. En este sentido resulta casi como un cuento de Disney. Quienes sufren la enfermedad no necesitan ver en pantalla la crudeza y todo los estragos que deja la enfermedad y los que por suerte no la conocemos de primera mano tampoco nos hace falta para empatizar con su dolor ya que lo que muestra es suficientemente gráfico como para hacernos una imagen bastante precisa.

 

Sin duda lo mejor de la película es el trio de actrices. María León, Victoria Abril y Silvia Alonso son lo mejor de esta historia. Crean unos personajes con una sutileza y con un gran realismo que hace que nos olvidemos de ellas y nos creamos que realmente son grandes amigas. Aportan bien esa dosis de comedia pero también logran emocionar cuando la historia lo requiere. Sin duda ellas son el mejor reclamo para ir al cine a verla. Iba a presentarse en el festival de cine español de Málaga pero el confinamiento hizo que se cancelara. Aunque en un principio se iba a estrenar en internet en la Sala Virtual de cine, el fin del estado de alarma y la apertura de las salas de cine hace que podamos disfrutarla en pantalla grande a partir del 3 de Julio. Muy recomendable y más en un momento en el que necesitamos de historias en positivo que nos hagan olvidar al menos durante un par de horas todo lo vivido en los últimos meses.

Crítica: Asamblea de Alex Montoya

Debido al estado de alarma en el que estamos viviendo con los cines cerrados y todos encerrados en casa los estrenos de cine tienen que buscar nuevas salidas. Hace unas semanas era Xavier Dolan y ahora llega Asamblea, la ópera prima de Alex Montoya. El guión parte de una obra teatral, una historia que sucede en un lugar concreto a tiempo real y con un pequeño número de personajes. Unos días antes de las vacaciones de verano un grupo de personas se reúne para hacer una votación sobre un tema importante del que se ha trabajado en varias comisiones y reuniones previas. Lo que parecía un simple trámite acaba derivando en una serie de intervenciones que lo que hacen es boicotear lo consiguen es que no se avance boicoteando todo lo conseguido. Puede parecer algo exagerado pero nada más lejos de la realidad. He estado en reuniones mucho peores. Recuerdo en una en la que estuve en la que un grupo de asociaciones se planteaba crear un periódico y durante más de una hora se estuvo debatiendo cuál debería ser el nombre al que se le debería dar, el resultado fue que al no haber acuerdo en este tipo de aspectos no se llegó a hacer nada. Y esto es un poco lo que plantea la película. 

Hay quienes consideran que esta es la única forma de democracia, la democracia directa en la que todos opinan de todo y se tiene que acabar decidiendo por mayoría. Al final lo que se consigue es que, cuando no se delega, valga igual la opinión del que sabe de lo que se habla con la del que no, que se acaben dando vueltas sobre aspectos sin importancia y se dejen de tratar el fondo de la cuestión. Nosotros como espectadores de la historia apenas tenemos información de lo que se está tratando así que somos como ese personaje que no tiene ni idea tampoco pero que no para de intervenir sin saber de lo que habla. En estos momentos resulta una película muy adecuada. Estamos en una situación excepcional en la que todos hablan y muy pocos saben lo que está pasando y muchos menos saben lo que va a suceder, y aún así tomamos decisiones o actuamos escuchando al que tiene información y al que sólo sabe dar su opinión. De todos modos, Asamblea es una comedia y lo que pretende sobre todo es hacernos pasar un momento agradable.

La historia y sus giros tienen su importancia, pero en una película como esta, los dos pilares más importantes son los actores y una buena dirección que no haga que le de ritmo a la historia. Aunque sea una historia que parta de una obra teatral que no quede como una grabación de una función sino que tenga el ritmo de una película. En este sentido es todo un acierto, hay un grupo de actores entre los que destaca Cristina Plazas, Greta Fernandez, Nacho Fresneda Francesc Garrido y Marta Belenguer. Muy recomendable y desde el 17 la podéis disfrutar en Filmin.

Crítica: Matthias & Maxime de Xavier Dolan

La nueva película de Xavier Dolan llega este viernes de una forma innovadora debido a las circunstancias que nos está tocando vivir. Con todas las salas de cine cerradas por la cuarentena sólo quedan las pantallas de los ordenadores y otro tipo aparatos conectados a Internet. Avalon y Filmin nos traen una historia que a partir de las vivencias de unos personajes también sirve como un retrato generacional. Un grupo de personajes que ya está dejando la juventud y está pasando a la madurez, enfrentarse a nuevos retos laborales y personales. Los que cumplen los 30 no lo viven de la misma forma que las generaciones de nuestros padres y mucho menos nuestros abuelos. Ellos han tenido que madurar y enfrentarse a los problemas mucho antes que nosotros. Los que ahora cumplen 30 también acabarán enfrentándose a los mismos problemas pero más tarde y sin las mismas herramientas, sin ningún tipo de ayuda a la que agarrarse. Es un viaje sin mapa ni guía.

Matthias que parecía que tenía ya todo bien encauzado ve como las cosas que tenía tan claro ya no son tan seguras. Hay algo que provoca que le hace plantearse su propia identidad y su relación con su amigo Max. Este está más preocupado por un cambio radical de vida al marcharse unos años a vivir a Australia, un lugar con un idioma que no controla y con un futuro laboral incierto. También hay que tener en cuenta el problema con una madre enferma y su relación conflictiva. Aunque parece que lo controle todo, da la sensación de que en cualquier momento todo puede venirse abajo.

Es una película intensa y muy emocional. Quizás peque de excesiva en algunos momentos y algo repetitiva. El conflicto interno que vive el personaje de Matt explota al final de la historia pero este se presenta prácticamente desde el principio y aunque no podamos saber con certeza de qué se trata el director da demasiadas pistas sobre qué es lo que le preocupa al personaje. El personaje de Max que interpreta el propio director es más expresivo y sus problemas son más evidentes desde el principio de la historia. Además que recurre a una temática recurrente en su obra al mostrarnos una relación compleja del protagonista con su madre.

Sin ser un gran seguidor del cine de Dolan, tan sólo he visto esta película y Sólo es el fin del mundo reconozco el valor de sus películas. Es un director valiente que aporta una visión personal y original del mundo y de la vida. Podemos sentirnos identificados aunque nuestras experiencias sean completamente distintas.

La película estará disponible en la plataforma Filmin a partir de mañana a las 20:03 hasta el domingo a las 00:00 h.

Muestra SyFy 2020: Día 2

La muestra se abrió el sábado con The cleasing hour. La película americana nos introduce en el mundo de los programas sensacionalistas que se emiten por la red. Un sacerdote que va en contra de los convencionalismos de la iglesia se dedica a transmitir exorcismos on line ante un público muy entregado. La fama le ha llevado a montarse un pequeño negocio entre sus seguidores sin que estos sepan que realmente lo que ven es un montaje. Ninguna de los exorcismos que se han visto son reales hasta que un día realmente un demonio aparece en escena y la lía pardísima. Todos los secretos que quieren ocultar van saliendo a relucir para gusto de ese demonio que disfruta torturando.

Es una película entretenida que aunque no aporta demasiado al mundo de las películas de exorcismos resulta curiosa. Tiene su toque de humor y su toque de terror con gotas de gore, pero para todos los públicos. También funciona como crítica a cierta des humanización que se da en las redes sociales. Para empezar la jornada está bastante bien.

Crítica: Skin de Guy Nattiv

Skin parte de una historia real de un joven que ha crecido en un ambiente racista y de odio. Cuando le vemos lo más llamativo son sus tatuajes, un rostro lleno de una historia escrita por símbolos de rechazo a lo que no comprenden, a lo diferente. Cuando el protagonista conoce el amor busca salir de todo eso y es básicamente lo que nos cuentan, el camino de redención. Esa huida de su pasado no es algo que le resulte sencillo, la oposición de esa familia postiza que busca retenerlo de cualquier modo hasta las evidentes marcas que lleva en su piel que le impiden empezar de cero. Hay una violencia muy intrincada de la que es difícil escapar. Bryon Widner fue en su momento un joven problemático que no tenía familia y encontró en Shareen y Fred una familia y un amor que no conocía, una protección que acabaría pagando demasiado caro.

La película tiene una historia muy potente y unos actores que hacen una gran inmersión con los personajes. Cuesta ver en el protagonista al niño que en su momento fue Billy Elliot. Jamie Bell hace una gran interpretación, una de las mejores de su filmografía. Vera Farmiga le da la réplica de una forma magistral como esa madre adoptiva que parece que busca lo mejor para ellos, pero que tan sólo busca perpetuar sus prejuicios y sus odios. La realización es más convencional. Tiene un tono que busca reflejar lo que sucede sin tomar partido. Nos muestra lo que ha sucedido de la forma más objetiva posible y tenemos que sacar nuestras propias conclusiones.

En general me ha parecido una película correcta y de alguna forma necesaria. En momentos de crisis en lo que no hay apenas certezas, es fácil caer en el fanatismo y en el rechazo a lo que no comprendemos. Encontrar el amor y superar el miedo y el odio es lo que busca el personaje.

Crítica: Cartas a Roxane de Alexis Michalik

Cuando vemos una película o vamos al teatro ya vemos un trabajo terminado, pero detrás hay un proceso de creación que desconocemos. Los autores hacen que parezca fácil lo que realmente es complicado. A partir de una pequeña idea se van desarrollando unos personajes, una trama y todo un universo nuevo en el que todas las piezas encajan. Cartas a Roxane nos cuenta cómo se forjó la obra de Cyrano de Bergerac, una de las obras más importantes de la escena francesa. Un autor que no está teniendo demasiado suerte con las obras que estrena necesita de algo que le haga creer que puede ser el gran dramaturgo que debería ser. Cuenta con uno de los mejores actores como inspiración pero también la necesidad de dar un futuro a su familia.

El pobre Edmond Rostand va vagando en busca de una musa que le ayude, algo desde lo que empezar a escribir su obra maestra. A partir de un personaje histórico va imaginándose una historia que pueda convertir en un gran éxito. A partir de esta pequeña semilla la historia va floreciendo a partir de la gente que le rodea, sus amigos y sus experiencias van nutriendo para que vaya creciendo. Como muchas de las grandezas de una obra son cosas que van surgiendo de pequeñas casualidades, que la inspiración puede llegar donde menos se espera. Esta es una historia es complementaria a Cyrano, se disfruta más y se llega a comprender mejor las escenas si se conoce la obra original pero no es necesario porque se nos va contando la historia a la vez que el autor la va descubriendo. Es emocionante recorrer ese camino porque nos hace partícipes de la creación.

Aunque no lo cuente la historia en la película, para Edmond Rostand esta fue su primer éxito que no logró superar. Sabía que había hecho una gran obra pero el éxito que tuvo fue tal que no llegó a sobreponerse y a escribir otro texto que estuviera a la altura.

Crítica: El ritmo de la venganza

Una venganza es un buen inicio para una historia. Tenemos un conflicto previo no resuelto, un personaje que busca superarlo de una forma poco convencional y otros que se lo ponen complicado. Esta película nos plantea más cuestiones que respuestas y hay algunas lagunas en el argumento que tenemos que imaginarnos. La protagonista pierde a su familia en lo que cree que es un accidente de avión. Esto le destroza la vida y pasa de ser una joven normal a tener que prostituirse para pagar sus adicciones. Un periodista le revela que su familia fue víctima colateral de un atentado terrorista que el gobierno intentó ocultar. Hay que decir que algunas partes de la historia no tienen mucha coherencia y hasta resultan bastante poco creíbles, pero si no nos fijamos en los detalles son cosas que podemos pasar por alto. Al fin y al cabo esta es sobre todo una película de acción. 

La protagonista se dedica a seguir la investigación a partir de lo que le ha dejado el periodista y descubrir qué es lo que realmente sucedió en esa avión y hacérselo pagar a los culpables. En su viaje recorrerá gran parte del mundo y una de las paradas las hace en Madrid. Tiene escenas muy potentes de luchas y de persecuciones, como película de acción está bastante bien desarrollada. La directora es Reed Morano y esta es su segunda película pero dentro de su filmografía encontramos varias de las series más interesantes que podemos ver actualmente como El cuento de la criada. Ambas historias tienen algunos aspectos en común como la familia y que están protagonizadas por mujeres fuertes con un plan muy claro. Aquí no es Elisabeth Moss la que pone la cara sino una sorprendente Blake Lively. Muy alejada de otros personajes aquí hace de una heroína, una luchadora que hará todo lo posible por conseguir justicia para su familia. La réplica se la da otro gran actor como es Jude Law con un personaje que también tiene muchos matices. 

La película es en general entretenida, un subidón de adrenalina para desconectar un par de horas. Lo mejor es la fuerza de las escenas y la acción que consigue atraparnos, lo peor que hay muchas lagunas en la historia y algunas bastante poco creíbles. ¿Cómo es posible que una joven bien acabe en una situación tan precaria y teniendo que prostituirse sólo porque ha perdido a su familia? El cambio que da de prostituta a la versión femenina de James Bond en tan poco tiempo no se había visto en el cine desde que Julia Roberts había dejado las calles y se había convertido en una mujer elegante y sofisticada en Pretty Woman. Aunque los detalles chirríen la magia del cine hacen su trabajo. También hay que valorar positivamente la banda sonora de la película. La selección de temas es todo un acierto, al fin y al cabo por algo se llama la película El ritmo de la venganza. 

Crítica: Especiales de Olivier Nakache y Eric Toledano

Olivier Nakache y Eric Toledano son dos directores que cuentan historias muy cercanas sobre las dificultades de la vida pero desde un punto de vista muy personal. No se regocijan en las tragedias de los personajes sino que ponen un punto de optimismo y de esperanza en la oscuridad en la que viven. Si en Intocable nos hablaban de la fuerza de un hombre que apenas podía moverse y cómo un inmigrante le ayudaba a buscar motivos para vivir y en Samba hablaba de los problemas de los inmigrantes en Especiales habla de las personas que padecen enfermedades mentales o tienen algún tipo de discapacidad pero que no encuentran amparo en el estado ya que son casos que son considerados irrecuperables. A través de una asociación que hace todo lo posible con los recursos que tiene vemos la vida de esta gente.

Son personas que tienen dificultades para relacionarse con los demás y para entrar en el mundo laboral pero con una ayuda, mucha comprensión y paciencia lo pueden conseguir y tener una vida más o menos normal. Cuando las instituciones no llegan tiene que ser iniciativas particulares las que suplan estas carencias. La película no da una visión azucarada de la realidad ni trata de mostrarnos las cosas desde una falsa visión demasiado utópica. Buscan contarnos lo que pasa y las dificultades del mundo pero siempre con la esperanza de que puede mejorar, de que todo acabará yendo bien. Que de la tragedia de los personajes se pueda sacar humor y comedia hizo que la gente acudiera en masa a ver una película como Intocable. En Especiales pasa algo parecido. En esta ocasión no se cuenta una historia sino la de muchos que tienen a Bruno y a Malik como únicos soportes.

El protagonista de la película es Vicent Cassel, uno de los grandes actores que han venido de Francia en un personaje completamente distinto a los que nos tiene acostumbrados. Siempre ha hecho personajes extremos, duros y violentos, siempre ha sido el malo de la función y aquí es el héroe que aporta su cara más amable. De seductor que las conquista a todas pasa a ser alguien que no se sabe relacionar con las mujeres. Los directores ya habían hecho algo parecido en Samba al darle un nuevo registro a Charlotte Gainsbourg en Samba.

La película es emotiva y divertida. Si te ha gustado Intocable, Especiales también te va a convencer. 

Crítica: Reina de corazones (Queen of hearts) de May El-Toukhy

Anna y Peter forman un matrimonio consolidado, tienen una vida asentada y sin apenas sobresaltos. Todo lo que hacen sigue un orden y una planificación que les da tranquilidad pero que les ha quitado pasión. Tienen una vida tranquila y sosegada pero aburrida. La llegada de Gustav, el hijo de Peter con su primera mujer hará que todo esto cambie. Es un joven conflictivo al que no le gusta seguir unas normas y que prefiere una vida más anárquica y emocionante. Anna lo recibe con cierto rechazo pero también con algo de comprensión. Entiende su frustración y su malestar pero quiere que se adapte a la vida familiar para que se mantenga esa tranquilidad. Pero la que acaba rompiendo ese pacto es ella. La adulta que se deja arrastrar por la juventud y la fuerza, una pasión que creía que ya no iba a sentir más. Está mal pero es algo que no puede evitar.

De una forma sosegada y con un gran control se nos va contando este drama sobre la destrucción de una familia por culpa de una pasión y unos deseos prohibidos. Personas con un gran control y con una recta actitud acaban convirtiéndose en victimas de su propio deseo. A pesar de la fuerza de la historia y de la emoción que transmite se hace desde un gran control y con una mirada casi documental. Toda la fuerza de la historia viene dada por unas grandes interpretaciones. Al no ser actores conocidos en España aportan verosimilitud al relato.