Teatro comunitario: a profesionalidade que non depende dun contrato

Profesionais ou afeccionados?

O que fai profesional a un actor non é unha cuestión de calidades nin de talento, senón un tema puramente laboral. Un actor profesional é aquel que ten como actividade principal a actuación, da que obtén o seu sustento. Pola contra, o actor afeccionado exerce a interpretación como un complemento, unha paixón que non lle asegura ingresos nin estabilidade económica.

Moitas veces pensamos que participar nunha obra de teatro afeccionada é algo menor, sen importancia nin prestixio. Mais, se algo nos ensinou o escenario do Auditorio Xosé Manuel Pazos de Cangas ao longo dos anos, é que iso é unha falacia.

O teatro comunitario: esforzo colectivo

Nesta edición da Mostra Internacional de Teatro Cómico e Festivo de Cangas, o teatro non profesional agrupouse baixo o nome de Teatro Comunitario. Ten todo o sentido: son montaxes que nacen do esforzo colectivo, da vontade de persoas diversas que sacrifican o seu tempo libre para sacar adiante grandes obras e propostas sorprendentes.

Divinas Palabras - Diego Seixo

Dúas montaxes destacadas

Gustaríame centrarme en dúas pezas que se puideron ver este ano. A primeira é froito do traballo da Escola de Teatro de Cangas, na súa aula de posta en escena, que escolleu combinar tres pezas de microteatro vistas anteriormente no Torneo de Dramaturxia. A segunda pertence á Aula de Teatro da Universidade de Vigo (campus de Vigo), que levou ao escenario un clásico: Divinas palabras, de Valle-Inclán.

Ambas foron dirixidas pola actriz Sonia Rúa, e no caso de Divinas palabras contou ademais coa codirección de Casilda Alfaro.

Divinas Palabras - Diego Seixo

Dous camiños, unha mesma paixón

Son dúas propostas completamente diferentes. A aula universitaria apostou por un clásico, mentres que a Escola escolleu textos contemporáneos que reflicten novas realidades, como a vivencia da pandemia da COVID-19. Porén, comparten unha visión moderna e creativa, que coloca o actor e o traballo físico no centro da posta en escena.

O vestiario como narrador silencioso

En Divinas palabras, a escenografía é sinxela e funcional, orientada a situar os personaxes no espazo. O vestiario non é un mero adorno: contribúe a contar quen son, cales son as súas experiencias e como se relacionan. O mesmo sucede en 3x4 Masiluna, onde a roupa comunica moita información.

Este coidado co vestiario, da man de Sonia Rúa, non ten nada de trivial. Cómpre lembrar que tamén é ela quen se encarga de deseñar e elixir a roupa dos participantes na gran obra comunitaria A defensa da vila. Con poucos recursos, Sonia consegue dar vida a anacos de tea e transformalos en personaxes cheos de verdade.

3x4 Masiluna - Diego Seixo

Un teatro que emociona

En Divinas palabras, a historia que se nos conta é devastadora: protagonizada por xentes que viven ás marxes da sociedade, loitando pola supervivencia cos poucos medios que teñen. A obra está contada como un conto gótico, que por momentos semella unha comedia absurda e noutros unha traxedia brutal. Consegue transmitir unha beleza rara e poderosa. Resulta emocionante ver a intensidade das interpretacións, que iluminan o escenario con cada movemento.

Pola súa parte, en 3x4 Masiluna, o texto pode non estar tan pulido, pero a forza reside na interpretación e na posta en escena, minuciosamente traballadas. No teatro non se trata só de contar historias máis ou menos interesantes: transmítense emocións. Poderíase comparar coa música: ás veces non importa entender cada palabra dunha canción, senón o que a melodía e a voz do intérprete nos fan sentir.

Paixón, compromiso e futuro

O teatro comunitario demostra que, máis alá do diñeiro e dos contratos, a paixón e o compromiso non teñen nada que envexar ao teatro profesional. Exemplos como Manolo Boubeta, un actor que, con máis de 80 anos, acode a duros ensaios e dá todo de si para brillar no escenario, son inspiradores.

Tamén é fundamental o labor das directoras, capaces de sacar o mellor de cada persoa e facer moito con moi poucos recursos. Con máis apoio institucional, tanto a Escola de Teatro de Cangas como a Aula Universitaria de Vigo poderían desenvolver a súa labor en mellores condicións, contribuíndo aínda máis á riqueza cultural da nosa vila.

3x4 Masiluna - Diego Seixo

Un Vania sen paredes: o teatro convertido en experiencia circular

Diego Seixo

 No corazón dun salón de exposicións, afastado das comodidades e convencións do teatro tradicional, presentouse unha singular adaptación de Tío Vania. Un espazo inusual, transformado nun escenario circular, no que o público rodea a acción e se converte, sen decatarse, nun cómplice silencioso da trama.

Este Vania rompe coas barreiras físicas e mentais, convidando a cada espectador a escoller a súa perspectiva e a implicarse emocionalmente. O formato 360º non é un simple recurso estético; é unha declaración de intencións. Ao renunciar á fronteira clásica entre escena e patio de butacas, a obra obríganos a participar, a mover a mirada, a cuestionar a nosa posición —literal e simbólica— diante do drama humano.

Machi Salgado, único intérprete de todos os personaxes, ofrece un traballo meticuloso e profundamente humano. Sen artificios externos nin cambios de vestiario, transita entre personalidades con sutileza, facendo que a voz, o xesto e pequenos obxectos se convertan en ferramentas poderosas de transformación. A súa capacidade para habitar múltiples vidas sobre o mesmo corpo revela a esencia máis pura do teatro: a súa condición de xogo serio, de espello multiplicado.

Pero se a interpretación é o corazón, o acompañamento musical é a alma desta proposta. Lonxe de ser un simple recheo ambiental, a música convértese nun ingrediente fundamental: funciona como transmisor emocional e guía invisible que sostén cada transición entre personaxes, cada cambio de atmosfera. O son respira co intérprete, acariña as súas palabras e amplifica silencios que falan máis alto que calquera monólogo.

Diego Seixo

A obra toca cuestións universais e de plena actualidade: a relación co medio natural, o esgotamento emocional, o coidado das persoas maiores e dependentes. Temas que nos interpelan directamente e que fan dos clásicos textos vivos, sempre dispostos a revelarnos algo novo sobre nós mesmos.

Estamos ante unha proposta valente, que non busca a comodidade nin o aplauso fácil, senón a mirada atenta e a reflexión honesta. Un salto ao baleiro que reafirma a vixencia do teatro como espazo de encontro, de preguntas sen resposta e de humanidade compartida.

A aposta pola cercanía, a experimentación e o risco fan deste Vania unha experiencia única, capaz de remover e transformar.

Diego Seixo

Crítica: Orígenes Secretos de David Galán Galindo

Orígenes Secretos es una de las películas españolas más esperadas este año. Hace cuatro que se publicaba la novela en la que se inspira. Madrid se convertía en una ciudad en la que un supervillano recreaba los orígenes de los clásicos héroes del comic con un objetivo muy concreto. Y aunque en la adaptación Madrid ha perdido cierto protagonismo, seguimos la historia como un recorrido por la ciudad y por sus calles siguiendo a unos personajes que nos fascinan desde el minuto uno. Ha pasado mucho tiempo desde entonces y los personajes han saltado del papel a la pantalla, por culpa del coronavirus no podrá ser en las pantallas grandes del cine, pero sí en las de medio mucho gracias al respaldo de Netflix. Un nuevo policía llega a la ciudad y con el empieza una serie de crímenes con un trasfondo friki ya que los crímenes simulan cómo personas normales acaban convirtiéndose en héroes. Necesita alguien que vea donde pocos pueden ver y ahí entra en juego Jorge Elías, un claro alter ego del director que es el que tiene que asesorar en este tipo de temas. En muchos de sus cortos ya David Galán Galindo nos invitaba a su mundo de comics enseñándonos a los neófitos que las historias de comics tienen una profundidad y que no hay que quedarse en lo superficial. Más allá de lo aparente estas historias hablan a través de la fantasía y de lo fantástico de nosotros, del mismo modo que en la antigua Grecia utilizaban la mitología. Batman, Superman, Spiderman o el Capitán América son personajes que nos muestran de una forma ampliada lo bueno y lo malo que tenemos. Padecen grandes sufrimientos y tienen en sus poderes una forma de superar las limitaciones humanas. Pero todo ese poder tiene una contrapartida y es que tienen que hacer del mundo un lugar mejor, protegernos de aquellos a los que no tenemos esas ventajas. 

Orígenes Secretos es un thriller policiaco en donde seguimos a David Valentín (Javier Rey) para descubrir al asesino, un asesino sin rostro que va llenando la ciudad de cadáveres como si de una performance se tratara. Los puntos de humor los aportan los personajes de Norma (Verónica Echegui), la jefa de la comisaría aficionada al Cosplay y de Jorge Elías (Brays Efe) que regenta una tienda de comics en el centro y que también sirve de lugar de reunión para todo tipo de actividades. En una historia clásica de policías en donde un torturado investigador busca al culpable mientras carga con un pasado no resuelto se mete el frikismo y el colorido de alguien como Jorge Elías que aporta un toque exótico a la historia. En uno de los tráileres que se mostraron para presentar la película veíamos como David Valentín pretendía ridiculizar a los clientes de Planeta K, la tienda de Jorge y este le recordó que el que desentonaba y el raro ahí era el y que ellos eran los normales. David Galán Galindo escribió una novela excepcional y que enganchaba desde el primer momento y ahora ha sabido trasladarlo a imágenes. Esta es una película que da lo que parece, una historia de Superhéroes que sucede en España, pero de forma no irónica ni cómica ni tampoco estereotipada. Aquí parece que si no es desde la parodia no podemos imaginarnos a alguien haciendo el bien. En Estados Unidos tienen a Superman, aquí a Super López, allí a Agents of SHIELD, aquí a Mortadelo y Filemón. Esta es una película que abre muchas posibilidades y que bien podría convertirse en una saga de películas. La nueva edición de la novela incluye un nuevo capítulo en el que nos da una pista del futuro de los personajes.

David Galán Galindo ha estrenado por fin su primer largometraje en solitario, hasta ahora nos había brindado su talento en una serie de cortometrajes y en un par de películas colaborativas en las que destacaba su trabajo por encima del de sus compañeros. Un guionista que crea su propio universo y que nos invita a participar en el sin que seamos extraños. Puede que no entendamos muchas de las referencias que maneja y nos perdamos de algunos de los guiños que aparecen en sus películas, pero jamás nos sentiremos extraños.

Hache, la nueva serie de Netflix

Netflix vuelve a apostar por una serie rodada en nuestro país. Hache se suma a otras producciones como Las chicas del cable, La casa de Papel, Élite o Paquita Salas. En este caso se tata de un thriller poliaco en el que también hay muchos componentes de erotismo. Estamos en la barcelona de los años 60, un lugar dominado por la miseria y la corrupción. De alguna forma me recordó a la película La sombra de la ley. Aunque vistos tan solo los dos primeros episodios tengo que decir que esta parece una producción algo más modesta. Si en la película de Dani de la Torre, la historia giraba por la corrupción policial y las luchas sociales, aquí es la mafia y la entrada de la heroina en Barcelona, sin olvidarse de los componentes sociales. La protagonista, Helena, con Hache, es una mujer que comparte casa con su hermana y con su hija. Ambas viven en unas condiciones bastante malas y apenas tienen medios para sobrevivir en una ciudad llena de miseria y corrupción. La base de la sociedad está podrida y no se puede sobrevivir siendo bueno. Helena se cruza en el camino de Malpica. Será su momento de suerte pero a un alto coste. 

El formato de miniserie le viene bien a una historia como esta ya que permite explorar y desarrollar mejor la historia y los personajes con más tiempo que si se tratara de una película de dos horas. Este era uno de los fallos que tenía la película de Dani de la Torre. Tenía tantos personajes, tantas tramas que acababa siendo por un lado agotadora y por otro lado un poco aburrida. La historia tiene mucha fuerza y los personajes resultan interesantes. El personaje de Malpica al que da vida Javier Rey es por ahora uno de los grandes misterios de la serie. ¿Quién es? ¿Podemos confiar en el? ¿Hasta qué punto es bueno o hasta qué punto es malo? En cambio Helena es la gran superviviente de la serie. Una luchadora que hará todo lo posible para sacar adelante a su familia. En tiempos dificiles hay que tomar medidas desesperadas.

Crítica: Selfie de Victor García León

Después de su paso por festivales como el de cine español de Málaga ha llegado a los cines esta semana Selfie de Victor García de León. La película utiliza el género de falso documental para contar la historia de un niño bien y su particular descenso a los infiernos. Bosco es el hijo de un ministro al que acaban de meter en la carcel por varios casos de corrupción y a partir de ahí todo su mundo se desmorona. Tiene que abandonar su casa, su familia le da la espalda y su novia y parientes políticos tampoco quieren saber nada de el. El partido tampoco le ofrece ningún tipo de ayuda y se ve de un dia para otro sin casa, ni dinero ni ningún tipo de soporte. Está en un continuo desconcierto en el que no sabe qué es lo que está pasando ni cómo va a salir de ahí, pero lo hace lo mejor que puede. La vida le hace pasar de estar al lado de los del partido del gobierno a estar con gente que está en una posición contraria. Pasa de estar cerca de los del PP a convivir con seguidores de Podemos y todo ello sin que resulte chocante ni raro ni estridente. En un escrache que improvisan enfrente de su casa familiar Bosco conoce a Macarena y más adelante cuando se la vuelve a encontrar en un centro social okupado le prestará su ayuda y acabará viviendo con Ramón, un joven muy combatiente políticamente y que en teoría está preparando unas oposiciones. 

Aunque el protagnismo de la historia sea de Bosco,  tenemos a tres personajes que componen la trama. Bosco, un joven de derechas que atontando en un mundo de lujos y privilegios empieza a vislumbrar la realidad cuando las circunstancias le dan una hostia, Ramón, un joven progresista que con la excusa de que está preparando unas oposiciones pero que en realidad está viviendo de la sopa boba y Macarena, una joven idealista que tiene una cegera real y otra más metafórica porque no se da cuenta de que mucha de las cosas en las que cree son falsas. A su manera forman un triángulo amoroso en donde distintas posiciones tienen que convivir y llegar a un entendimiento. En este sentido, Selfie no utiliza la política para hacer un discurso partidista, en todo caso muestra las miserias y las incoherencias de los dos lados. El tono que ha utlizado el director es el de la sátira. No podría ser de otra forma. Bosco es espectador de su vida y cómo se está desmoronando todo sin que el pueda hacer nada y lo peor, sin que realmente sea el que ha provocado nada de eso. El no es el que ha cometido los delitos ni el que está en la carcel y aún así paga por lo que ha hecho su padre. De todos los miembros de su familia él es quien sale peor parado. Parece que los demás han conseguido algún soporte pero él se encuentra solo. El desconcierto de Bosco refleja bastante bien cómo nos sentimos muchos estupefectos ante el mundo en el que vivimos. Situaciones que pensábamos imposibles están sucediendo. No se regodea en el sufrimiento de Bosco, que podría hacerlo porque lo que le pasa es tremendo, sino que todo es tan absurdo pero tan real que más que tristeza provoca empatía y complicidad. Resulta extrañamente divertida. 

Selfie es una película pequeña que aprovecha al máximo de los recursos que tiene. Quizás no está justificado de todo el tipo de falso documental ¿quién lo graba? y sobre todo ¿por qué? De hecho, hasta algunos de los personajes tampoco entienden el sentido de que se grabe todo. Santiago Alverú es el encargado de dar vida a Bosco. Su interpretación es genial y sorprendente. Esta es su primera película y dice que quizás sea la última, esperemos que no. 

Crítica: Tribunal de Chaitanya Tamhane

Si pensamos en el cine indio nos viene a la mente las películas de bollywood, historias de amor y pasión con una gran cantidad de números musicales con unas coreografías realmente impresionantes. Es de esperar que este no sea el único tipo de cine que se haga allí. Tribunal es una historia que sucede en un juzgado y que trata sobre un músico y poeta que es acusado de algo tan extraño como de inspirar a un trabajador a que se suicide. A lo largo de varias sesiones vamos conociendo más a este poeta y a su supuesta víctima y nos damos cuenta del despropósito de todo. Ni acusado ni víctima se conocían, las pruebas son insostenibles y el único testigo se demuestra que es falso, aún así la maquinaria del sistema hace que Sharmila Pawar lo tenga difícil para salir de la cárcel. El director nos muestra los mecanismos y cómo el juez, el abogado y el fiscal van ejerciendo su trabajo con una cierta apatía, como si más que personas que están decidiendo el futuro de semejantes, fueran piezas de una máquina sin sentimientos ni razón. Quizás el abogado defensor es el que tiene un poco más de preocupación por su cliente y le aporta toda la ayuda que puede pero también la fiscal no es el monstruo que podríamos esperar. No es ni mejor ni peor que otros, simplemente busca realizar su trabajo de la mejor forma posible. 

Aunque representa una parte de la ley no deja de ser una persona que tiene su familia y su vida. Me parece interesante cómo se separa estas dos facetas de los personajes, cómo son y cómo se comportan dentro del tribunal y cómo son y se comportan en su vida cotidiana. Parece que una vez que entran en el tribunal y hacen su trabajo pierden parte de su humanidad y se convierten en máquinas. No hay empatía por parte de ellos a alguien que es juzgado de forma injusta. Fuera delos juzgados parecen distintos, es como si en sus casas pudieran ser ellos mismos. La fiscal que en el juicio es fría, en casa es amable y cariñosa con su familia, en cambio el abogado que se preocupa por sacar de la cárcel al protagonista con sus padres se muestra menos amable Es interesante también cómo además del caso principal que es el que vértebra toda la película el director nos muestra algunos otros casos que se juzgan y que también llaman la atención por su arbitrariedad y por su falta de sensibilidad como a una mujer a la que se le retrasa su juicio porque el juez considera que no va vestida de una forma apropiada. Que la sociedad esté dividida en unas castas hacen difícil que haya una verdadera justicia y que los intocables que son de las clases más bajas siempre estarán en una situación más desfavorecida. Aquí no tenemos una división social tan marcada y es el dinero el que marca las diferencias, con lo que de alguna forma podemos buscar similitudes entre lo que vemos en esta película y lo que pasa aquí. Si tenemos buenos abogados tenemos más oportunidades de salir inocente. Mostrarnos este tipo de injusticias no deja de ser una forma de denuncia. Película más que recomendable. 

Crítica: Los héroes del mal de Zoe Berriatúa

Alex de la Iglesia tuvo en Pedro Almodóvar su padrino que le dio la oportunidad de dirigir al producirle su gran debut Acción Mutante. Pasados los años y con una filmografía muy destacada es él el que da oportunidades a nuevos directores para que comiencen sus carreras. Hace unos meses veíamos Musarañas de Juanfer Andrés y Esteban Roel. Ahora le toca el turno a Zoe Berriatúa y en breve empezará la producción de Pieles que dirigirá Eduardo Casanova y que contará con Ana Polvorosa como protagonista. A Zoe Berriatúa lo conocemos más por su faceta como actor que como director, aunque antes de este largo ya ha dirigido varios cortometrajes. Como ha confesado en una entrevista él siempre se ha sentido un intruso en la actuación pues siempre sus aspiraciones han sido colocarse detrás de las cámaras. Hace unos años se hablaba de una adaptación de las aventuras del Lazarillo de Tormes en clave de zombis del que llegaron a rodar un tráiler y en el que aparecía Carlos Bardem. Por desgracia aún no se ha hecho la película pero esperemos que consiga financiación para este proyecto porque es muy interesante. Los héroes del mal es finalmente su debut en el largo en el que nos cuenta la historia de tres adolescentes que utilizan la violencia como forma de presentarse en el mundo. El director que ha supuesto un referente a este tipo de películas es John Hughes. Con Todo en un día y El club de los cinco puso la base de cómo contar la vida de los jóvenes. Existe un submundo en el instituto en el que cada uno tiene un rol y cada rol unas características diferentes. Allí clasificaba a las cinco categorías como son la princesa, el cerebrito, el criminal, la marginada y el atleta. Aritz, Esteban y Sara estarían sin duda entre los marginados y los marginados, algo que no se sabe muy bien si es por elección o porque las circunstancias les llevan allí.

Crítica: Diet of sex de Borja Brun

La gula y la lujuria son dos de los pecados capitales que la iglesia más ha atacado ya que afectan directamente al cuerpo y nos proporcionan placeres que hacen que un futuro paraíso no resulte tan atractivo si antes hay que pasar una serie de calamidades. Borja Brun elije precisamente la comida y el sexo como dos de los ingredientes de su primera película como director. Ya desde el principio nos advierte de que se trata de una película para consumo exclusivo de adultos ya que contienen desnudos y escenas de sexo más que explícito. ¿Se podría decir que Diet of sex es una película pornográfica? Yo creo que no, quizás lo que hace que una película se pueda meter en esta categoría sea el sentido que tiene las escenas de sexo dentro de la historia. Si lo principal es ver cómo los actores se unen y el resto es accesorio estaríamos hablando de pornografía, pero aquí eso no pasa. Existe una historia de una pareja y el sexo forma parte importante de sus vidas pero no la única ni la más importante. Ágata y Marc son una pareja joven que tienen que superar el problema que tiene ella de anhedonia. Esa falta de interés por el placer, por el deseo hace que la pareja entre en crisis y la ayuda de una sexóloga le aconseja que llegue al placer sexual a través del placer de la comida. Los alimentos, sus texturas, los sabores también nos producen placer y es tan sólo una cuestión de juntar estas dos fuentes de deseo.

Crítica: A cambio de nada de Daniel Guzmán

España es el país del Lazarillo y aunque hayan pasado varios siglos seguimos siendo en el fondo igual de pillos de buscavidas y de ir por el camino más fácil. Situados en una época de crisis económica y de valores tenemos a dos jóvenes adolescentes que buscan su lugar en el mundo enfrentándose a una familia que no logra entenderles y a un mundo que les resulta hostil y complicado. La separación que hay entre los malos y los buenos se difumina y todos tienen razones para lo que hacen, las circunstancias en las que viven no siempre le dan una solución distinta. A cambio de nada es una historia de iniciación y de amistad. Dario viene de una familia rota, sus padres están separados y lo utilizan como medio para hacerse daño, pretenden que se posicione en uno de los dos bandos sin darse cuenta de que aunque ellos dejen de estar casados el siempre será el hijo de los dos y sólo puede ser neutral en sus problemas. Tan sólo cuanta con la compañía y amistad de Luismi, vecino de portal y amigo de toda la vida que le ayudará en todo lo que pueda. Pero Dario también encontrará apoyo en Caralimpia, un hombre que lleva un taller de motos y una anciana que se dedica a recorrer las calles de Madrid en busca de muebles que luego vende en el rastro. Dario se monta una familia alternativa que será la que le vaya enseñando. Daniel Guzmán ha buscado un tono realista a la hora de presentarnos a los personajes, aunque no siempre podamos estar de acuerdo con lo que hacen es fácil identificarnos con los personajes protagonistas, su conducta a veces es reprochable pero se puede entender. Es un retrato de la vida con sus momentos de alegría y de tristeza y es por lo que es difícil etiquetarla en un género concreto, también cuenta con alguna escena de acción y de persecución de coches y con mucho amor pasional entre dos de los personajes aunque mejor no desvelar sus identidades.

Crítica: Pasolini de Abel Ferrera

Pier Paolo Pasolini es un director cuya vida y obra están muy relacionadas. Sus películas son combativas, críticas y nada convencionales. Sus historias no dejan indiferente a nadie. Su última película, Saló o 120 días de Sodoma se estrenó poco antes de ser asesinado en una playa de Ostia en Roma. En ella se relataba cómo un grupo de liberales secuestraban a jóvenes a los que sometían a todo tipo de humillaciones para acabar asesinándolos. Era un muestra de hasta qué punto el hombre podía cometer actos violentos contra otros hombres, cómo la violencia forma parte de nuestra naturaleza y quizás el amor y la compasión sea la forma que la cultura ha inventado para la supervivencia de la especie. Pasolini de Abel Ferrara no es un biografía al uso porque más allá de contarnos detalles biográficos concretos como qué cosas hizo, qué le sucedió sino que busca relacionar su mundo incluyendo sus experiencias, su visión del mundo con su obra, haciendo referencia específicamente a la película que estaba preparando y que la muerte nos privó de verla. 

Una de las cosas que más me ha gustado de la película es sin duda la especial relación que tiene Pasolini con su madre, ella que ya había perdido a al menos otro de sus hijos ve a su Pier Paolo como su pequeño hijo al que quiere cuidar y proteger, aunque en el momento en el que se narra la historia ya tenga más de 50 años. También es interesante analizar la visión que tenía el de sí mismo al crear un personaje que tiene gran similitud consigo mismo y con una biografía similar y que dice despreciar. Su figura es triste y en todo momento se debate en una melancolía y en una existencia abatida de alguien que ve el mundo como una amenaza constante y en donde no hay sitio para la fraternidad o el amor. Abel Ferrara no es un director convencional y sólo alguien como él podría atreverse con un personaje como este después de traernos hace unos meses los excesos de Dominique Strauss-Kahn en Welcome to New York contando a Gérard Depardieu como protagonista. En Pasolini cuenta con el gran trabajo de Willem Dafoe que consigue desaparecer completamente y que veamos a Pasolini. Su transformación física es impresionante adoptando los gestos y las formas como propios. Sin duda ya sólo por ver su trabajo ya merece la pena.

Crítica: Open Windows de Nacho Vigalondo. Todo está en la red

Nacho Vigalondo se enfrenta con Open Widows a su proyecto más ambicioso hasta la fecha, no sólo por contar con un reparto de grandes actores encabezado por Elijah Wood y Sasha Grey sino por esa intención de innovar y de adecuar la historia a la forma de presentárnosla. Lo que nos cuenta esta película es la clásica historia de héroe que debe rescatar a una dama que está en apuros pero no es ajeno el mundo de Internet y de las nuevas tecnologías ya que son estas una parte muy importante tanto de la trama como del desarrollo de la acción. Todo lo que vemos sucede en la pantalla de un portátil y la acción se va construyendo a través de videollamadas, páginas web, cámaras, links y toda una serie de recursos que nos permite Internet. Así contado parece extraño y puede resultar lioso pero para nada es así. En realidad no hay más que ver un poco la televisión con estas multipantallas que salen a veces y con anuncios que tapan las películas para darnos cuenta de que ya deberíamos estar más que acostumbrados a narrativas como las de Open Windows. Hace unos meses Manuel Bartual nos presentaba en su #Littlesecretfilm titulado Todos tus secretos en la que se dividía la pantalla en nueve que nos mostraba las Webcams de los diferentes personajes con la complejidad de coordinar acciones. Aquí todo esto está realizado con un nivel de complejidad mayor ya que aquí no solo se limita a mostrarnos las imágenes de unas cámaras fijas sino que a través de una serie de dispositivos en continuo movimiento debe contarnos una historia sin que resulte caótica. Luego la historia tiene su complejidad, tenemos al héroe, al villano a la chica y a una serie de personajes que en un momento dado ayudan o perjudican al héroe. Tiene sus giros en la trama pero como en cualquier otra película de suspense con sus persecuciones, sus explosiones y alguna que otro invento para que algunos elementos de la trama sean posibles. Hay personajes que funcionan mejor que otros pero son necesarios para dar una ayuda al personaje de Elijah Wood como es el caso de los tres informáticos franceses. La mayor dificultad a la que se habrán tenido que enfrentar a la hora de hacer una película como esta es a la hora del montaje para dar coherencia a todas las imágenes y que tenga su continuidad.

Crítica: Stockholm de Rodrigo Sorogoyen

Hace unos meses salía un proyecto de crowdfunding que nos proponía ayudar a la producción de una película titulada Stockholm que iban a protagonizar Aura Garrido y Javier Pereira, una historia en apariencia sencilla con pocos personajes y que supondría el debut en la dirección en solitario del guionista de cine y televisión Rodrigo Sorogoyen tras su primera película que dirigió en 2008 junto a Peris Romano, 8 citas. Después de unos meses en los que se ha podido ver en distintos festivales y por diferentes pases se ha estrenado comercialmente.  Las buenas críticas que había oído me daban ganas de verla pero cuando uno tiene unas expectativas tan altas a la hora de ver una película, por lo general acaba sintiéndose defraudado así que preferí no tomarlas demasiado en consideración. La historia que nos propone Sorogoyen es la de dos jóvenes que se conocen en una fiesta y que entre ellos surge una atracción que les hará desear conocerse. Nos habla de esa magia que surge al conocer a alguien que no es que te llame la atención simplemente sino que sentimos algo y no sabemos por qué. Tiene dos partes bien diferenciadas, por un lado está la noche que se nos presenta como mágica, idílica, casi un sueño o una fantasía en donde parece que todo es posible, y una mañana en la que se vuelve a la cruda realidad, donde no todo es tan bonito y en donde los roles de los personajes se dan la vuelta y es que si por la noche es la parte masculina la que lleva el mando, por la mañana es ella quien parece que domina la situación. Gran importancia tiene el trabajo actoral pues son los encargados de dar vida a unos personajes complejos que poco a poco se van mostrando. Pero la película no es sólo el trabajo de los actores, también cuenta con una buena historia y con una dirección impresionante. La escena en la que ella baja el edificio por las escaleras y él por el ascensor es simplemente estremecedora porque aunque hasta ese momento uno piensa que está viendo una comedia romántica, ahí es cuando se da el giro argumental y con una simplicidad tan abrumadora, no se sabe muy bien si esto va a derivar en una trama de terror en la que no hay ni sangre ni muertos, tan sólo el temor a no saber qué va a pasar después. Una de las cualidades que tiene es que tras una aparente sencillez hay una gran complejidad, un juego de seducciones, de emociones que la convierten en una de las mejores películas que he visto este año.

Crítica: Al final todos mueren de Varios

AL FINAL TODOS MUEREN

 

Título Original: Al final todos mueren Directores y Guionistas: Javier Botet, Roberto Perez Toledo, Pablo Vara y David Galán Galindo Intérpretes: Manuela Vellés, Elisa Mouliaá, Macarena Gomez, Andrea Duro, Javier Botet, Andrea Ros, Alejandro Albarracín, Ismael Fritschi, Miguel Angel Muñoz, Javier Coll, Laura Díaz, Vanesa Escribano, Javier Fesser, Dani Herrera, Sara Martinez, Jonathan D. Mellor, David Mora, Daniel Pérez Prada, Teresa Soriano Ruano, Juan Trueba y Javier Zapata Distribuidora: 39 escalones Fecha de Estreno: 31/10/2013

Las películas de episodios suelen ser problemáticas porque en general más que un largometraje se tratan de varios cortometrajes unidos en donde hay historias que realmente fascinan y otras que aburren, estoy pensando ahora mismo en Historias de New York en la que Woody Allen, Francis Ford Coppola y Martin Scorsese dirigían una de las tres partes y pasaba de una brillante historia, una aburrimiento pseudointelectual a una historia extraña que no parecía contar nada. Hay películas más equilibradas como Four Rooms en donde no hay una diferencia tan grande entre una parte y otra, además el hecho de que haya un personaje común que esté presente en todas ayuda a dar una mayor coherencia. En este caso sí que existe una unidad y un planteamiento común. La tierra se enfrenta a un meteorito que destruirá todo y hará que desaparezca la humanidad. Cada uno de los cuatro directores tienen una personalidad bien marcada y una trayectoria y a partir de ese punto de partida han escrito una historia acorde a su estilo narrativo. Pero las historias no son islas que no tienen nada que ver unas con las otras, de alguna forma se relacionan e interactúan dando una mayor unidad al proyecto y que el resultado sea mejor. No me puedo olvidar de mencionar un prólogo y un epílogo en tono de humor que dirige Javier Fesser y que nos presenta a dos cosmonautas que son espectadores privilegiados del fin de la vida del hombre en la tierra.

Estreno de El festín de Babette de Gabriel Axel

En la sección cine y gastronomía del pasado festival de cine de San Sebastián se pido ver una copia restaurada de la película danesa El festín de Babette que es la primera película danesa en llevarse el Óscar a la mejor película de habla no inglesa. Hoy se estrena para celebrar los veinticinco años de su estreno. La historia nos lleva a un pequeño pueblo danés en donde viven dos hermanas mayores que nunca llegaron a casarse con una criada francesa que acogieron cuando huía de una muerte segura. La película cuenta cómo llegó Babette a sus vidas y cómo con el tiempo les pudo agradecer todo lo que hicieron esas dos hermanas por ella. Como cocinera, la mejor forma de mostrarles su afecto es mediante una verdadera cena francesa como las que ella preparaba en uno de los mejores restaurantes de París.

Para muchos que como yo no la pudimos ver en su estreno, es una forma de recuperar esta gran película en pantalla grande pues hasta ahora la única forma era mediante copias de poca calidad en DVD.

La lista de los cines en donde la van a estrenar:

Madrid: PALAFOX, IDEAL, VERDI
Salamanca: VAN DYCK
Zamora: VALDERADUEY
Valladolid: CASABLANCA
Barcelona: ARIBAU CLUB, ALEXANDRA, GRAN SARRIA, VERDI, ICARIA,
Girona: OCINE
Vic: NOU
Lleida: ESPAI FUNATIC
Palma: AUGUSTA
Bilbao: MULTICINES
Donosti: PRINCIPE
Las Palmas: MONOPOL
Oviedo: LOS PRADOS
Malaga: ALBENIZ
Cadiz: CENTRO
Valencia: YELMO, LYS, BABEL

Crítica: Ralf König, rey de los comics de Rosa von Praunheim

Ralf könig rey de los comics es un documental que nos presenta la obra de este autor de comics alemán y de la influencia que su propia experiencia vital ha tenido en esta. Sus historias nos muestran el universo gay pero consigue transcender lo particular para mostrarnos lo universal de las relaciones humanas. Cualquiera puede sentirse identificado con alguno de los personajes de sus historias sin tener que compartir la misma opción sexual. Precisamente una de sus historias más conocidas, El hombre deseado narraba la historia de un hombre heterosexual que por diversas circunstancias acaba inmerso en la comunidad gay descubriendo que ambos mundos no son tan distintos. La adaptación al cine de esta película fue todo un éxito y aunque nunca ha estado conforme con el resultado, le dio a conocer en todo el mundo. Esta no es la única historia suya llevada al cine, aquí se hizo una adaptación de Lisístrata, inspirada en la comedia de Aristofanes que nos trasladaba a la antigua grecia en una ciudad en la que las mujeres castigaban a los hombres sin sexo y ellos se buscaban satisfacerse entre ellos. La película estaba protagonizada por Maribel Verdú y Juan Luis Galiardo. Esta por el contrario no tuvo tanto éxito y pasó por los cines como un suspiro.

La película sirve como guía para conocer la extensa obra que van desde breves historias en revistas pornográficas de baja calidad hasta sus obras más recientes en donde trata el tema de la religión. Su obra ofrece una visión casi antropológica de los ambientes homosexuales siempre bajo la perspectiva del humor y la ironía. No soy un seguidor de su obra y no sabia la cantidad de libros que había publicado, aunque siempre me ha hecho mucha gracia esas narices tan grandes que pone a sus personajes.

Toda esta historia la cuenta el propio autor que va narrando su vida y su influencia en su trabajo, sus amigos y cómo vivieron la época que compartieron juntos, así como la historia de un dentista suizo que viaja a Alemania sólo para conocerle, explicarle la importancia que han tenido sus historias para asumir su propia sexualidad. Esa pluralidad de voces aporta una visión completa de la figura de Ralf König. Un documental muy interesante que se nos presenta con una copia en HD con una gran calidad de imagen incluso en salas de cine pequeñas.

Crítica: A Roma con Amor de Woody Allen

Como todos los años, Woody Allen nos trae su película y como un viejo amigo al que conocemos muy bien, sabemos que siempre nos sorprenderá y aunque no siempre acierte de pleno, nunca llega a defraudarnos. En esta ocasión, nos trasladamos a Roma, una ciudad romántica y llena de vida y pasión en donde nos encontramos con cuatro historias a los que la ciudad los transformará y de alguna forma les dará lo que más anhelan aunque ni siquiera ellos mismos sean conscientes de ellos. Desde el joven matrimonio que viaja a Roma buscando una aventura apasionada, la joven turista que conoce el amor, el monótono empleado de oficina que por unos días conocerá lo que es la fama y el reconocimiento, aunque no sepa muy bien por qué y el joven arquitecto que se debate entre el amor de su novia o la amiga actriz de esta por la que siente una extraña atracción.

Con esta película, Woody Allen se despoja de todo esa capa de seriedad y profundidad de los últimos años para recuperar en parte el humor absurdo y surrealista de sus primeras películas, las historias siguen caminos inesperados que logran sorprender gratamente al espectador. Es cierto que no todas las historias tienen el mismo peso ni la misma calidad, y que se puede hacer algo larga, pues frente a la hora y media habitual, A Roma con amor dura casi dos horas. No se me hizo nada pesada y me lo pasé muy bien con ella. Las historias son muy divertidas y tiene momentos de auténtico asombro que te dejan descolocado. Los diálogos son estupendos, llenos de frescura y con mucho ingenio. También destacar una buena banda sonora que está muy integrada en la historia y que le da ritmo y que mejora enormemente la película.

Desde 2006 en Scoop que Woody Allen no aparecía delante de las cámaras, en esta ocasión vuelve con el personaje que ha creado desde hace tantos años y que tan buen resultado le ha dado, judío neurótico, adicto al psicoanálisis y lleno de fobias. Como no podía ser de otra forma, consigue reunir en A Roma con amor uno de los repartos más interesantes del año, entre los que destacan Judy Davis como la esposa abnegada y que aguanta todas las locuras del personaje de Allen, Roberto Begnini como el oficinista al que le cambia la vida, Alec Baldwin como un famoso arquitecto de vacaciones en Roma, Jesse Eisenberg como el joven arquitecto o nuestra Penélope Cruz como una prostituta que le enseñará varias lecciones de vida al joven marido en un papel bastante más agradecido que en Vicky Cristina Barcelona y sin olvidar a Ellen Page como la actriz extrañamente sexy. Como no, también hay muchos actores italianos que ya son menos conocidos en papeles muy cachondos. 

En resumen, una gran película muy divertida y muy loca.

Ficha en Sensacine

A Roma con Amor se estrena mañana 21 de septiembre

Crítica: Abbott y Costello contra los fantasmas de Charles Barton

El Museo del Terror tiene dos nuevas adquisiciones: los cuerpos de el Conde Drácula y el del monstruo de Franskenstein. Los encargados de transportarlos desde Londres hasta los Estados Unidos son Chick y Wilbur. Todo va bien, hasta que ambas criaturas vuelven a la vida y escapan en busca de un nuevo cerebro para Frankenstein. Para atraparlos contarán con la ayuda de Larry Talbot, del cual deberán alejarse las noches en las que haya luna llena.

Con esta premisa nos llega un clásico de los cincuenta restaurado para su proyección a una resolución de 2k para que podamos verla mejor que nunca.

La pareja de humoristas Bud Abbott y Lou Costello consiguen que nos riamos a carcajadas sesenta y cuatro años después de haber estrenado esta película. Su humor, basado en "el tonto y el listo", nos tiene con una sonrisa en la boca durante toda la película sin necesidad de recurrir al chiste fácil o soez. Chick y Wilbur son dos personajes entrañables, interpretados notablemente por Bud Abbott y Lou Costello respectivamente. El personaje de este último es el que hace de torpe y tonto, y quizá por eso nos encariñamos más con su personaje al regalarnos éste la mayoría de momentos cómicos.

El guión, en nuestros días, queda muy santurrón, pero es eso exactamente lo que le da más encanto a esta grandísima película. Si hoy hiciesen una película de este tipo sin litros de sangre, alguna mujer desnuda o explosiones no tendría ni la mitad de éxito de la que hoy goza aunque yo, sin duda, iría a verla de cabeza.

No os perdáis esta pequeña joya de finales de los cincuenta, porque merece mucho la pena.

Abbott y Costello contra los fantasmas se estrena el 24 de agosto en los Cines Verdi de Madrid y Barcelona. 

Ficha en Sensacine