Festival de cine Alemán 2019: Día 1

Ayer fue el primer día del festival y en general las películas que vimos no han tenido el nivel de otros años. El nivel de calidad de otras ediciones ha sido tan alto que esta primera jornada ha dejado un sabor de boca agridulce. También se echa de menos que se haya optado por proyectar las películas en las salas 2 y 3 de los cines del Palacio de la prensa que no tienen la misma calidad que la Sala 1 en donde exceptuando para la Inauguración y para la matinal de esta mañana con la película de Jim Botón y Lucas el maquinista ha quedado para las películas comerciales. De la sección paralela artificios que se realiza en colaboración con el instituto Goethe. Autocrítica de un perro burgués es una película difícil de catalogar y de definir. Debido a que está dentro de esta sección sobre la creación artística y cinematográfica podemos adivinar por dónde van los tiros, pero es tan sólo al final de la película cuando se puede uno ver algo de reflexión sobre la cuestión. Para su director Julian Radlmajer es la película con la que ha finalizado sus estudios de dirección. La película carece de una historia y de unos personajes y tan sólo queda como ejercicio estilístico. Curiosa pero que no aporta demasiado. 

El documental Belleza y Evanescencia nos habla de la época de la “movida berlinesa” tal y como se vivía en la parte comunista. La historia se centra en el fotógrafo Sven Marquardt y en dos de sus modelos más recurrentes, Dominique Hollestein aka Dome y Robert Paris. Hay una mirada nostálgica al pasado y queda la sensación de que antes todo era mejor. Seguramente en algunas cosas tengan razón. Las vidas de los tres han ido por caminos muy diferentes y mientras que Sven sigue dedicándose a la fotografía y a la docencia , Dome vive alejada de la moda y se dedica a la artesanía y a venderla por los mercados de Alemania, mientras que Robert Paris ha dejado de lado la vida bohemia y se ha centrado en su familia. Si fueran personajes más conocidos la historia hubiera llegado más, pero queda como una curiosa historia que nos muestra un pasado que ya no existe y un presente anodino. Lo más interesante las imágenes de la época de juventud de los protagonistas. 

La última de la noche y que subió un poco el nivel de la jornada es El final de la verdad. Se trata de un thriller con una historia de corrupción política protagonizada por el actor Ronald Zehrfeld. Ya lo hemos visto muchas veces en este festival demostrando una gran variedad de registros, desde la comedia juvenil Rico y Oscar, en dramas como El caso Fritz Bauer o La revolución silenciosa. Con un tono muy de película americana nos introduce en una investigación sobre terrorismo y tráfico de armas que llevará a los personajes a cuestionarse todo, sobre todo de qué bando está cada uno. La historia resulta actual e interesante y el desarrollo va generando interés. Es una película correcta que ya tiene distribución en España así que dentro de poco la veremos en salas comerciales.  Además de estas tres películas se pudieron ver El final de los tiempos (Endzeit) que es una película de terror de zombies y que volverá a poner mañana a las 21:30 junto con el corto Love me, fear me. También se proyecto La pareja perfecta y Adam & Evelyn. 

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Entrevista. Toni Bestard y Marcos Cabotá, directores de I am your father

Star Wars VII El despertar de la Fuerza ha demostrado que es una de las sagas más importantes de la historia del cine. Se ha convertido en un fenómeno que traspasa las propias películas y ha generado un interés en muchos fans. Todo el mundo quiere saber cosas acerca de los personajes, de los rodajes y de la intrahistoria. En I am your father se cuenta una de las historias más apasionantes acerca del mayor malvado de toda la saga y es posible que de toda la historia del cine. Darth Vader ha entrado en muchas de nuestras pesadillas. Este documental nos cuenta la historia del hombre detrás de la máscara y nos cuenta su triste historia. David Prowse es un actor inglés que dio vida a Darth Vader durante la trilogía original pero que por diversas cuestiones nunca tuvo el reconocimiento que se le merece. Toni Bestard y Marcos Cabotá filman un documental que cuenta cómo uno de los personajes más icónicos de Star Wars pasó a convertirse en uno de los más desconocidos. El principal motivo por el que decidieron llevar la historia fue su acción de niños por la trilogía original de Star Wars. Pertenecen a una generación a la que esas películas marcaron profundamente su infancia. Pero también la propia la propia figura de David Prowse, un actor prácticamente anónimo y desconocido para el gran público aunque ha interpetado al mayor villano de todos los tiempos. Es una maravillosa contradicción. En todo momento pensaron que el mejor formato para contar esta historia el documental. En un principio se lo plantearon como un cortometraje pero en seguida se dieron cuenta de que una historia era imposible contarla en un tiempo tan corto y se acabó optando por largometraje. ¿Es posible que gracias a I am your father haga que sea conocido por el gran público? A los directores les gustaría que la historia de David fuera conocida por el gran público aunque lo más importante es remendar lo que consideran una gran injusticia. Los dos directores trabajaron mano a mano desde un principio. Desde el guión hasta la postproducción. El tiempo que Marcos, al estar delante de la cámara y el de Toni que tenía que tener un ojo puesto en los elementos de la propia grabación ha repartido algunas facetas pero ambos supervisaron desde el principio el proceso de creación de la escena al igual que las preguntas que debían hacer a los entrevistados. Para David Prowse fue una sorpresa que dos directores españoles se interesaran por su vida. Tanto a Toni como a Marcos también que nadie en su propio país se haya preocupado por su historia. Al principio quizás lo notaron con algo de desconfianza pero al poco tiempo de empezar la grabación se dio cuenta de que eran profesionales y que era un proyecto serio así que se volcó en la película. A Lucasfilms le compraron los derechos de algunas imágenes para poder emitirlas en el documental y por contrato se les entregó una copia de la película al finalizar el montaje y aunque han pasado unos meses desde entonces no han tenido ninguna respuesta por su parte. David Prowse se adelantó a muchas de las ideas que luego se plasmaron en las películas. Algunas fueron casualidad así como lo atestiguan algunos de los productores de la trilogía original, otras quizás fueron fruto de la inocencia de alguien no acostumbrado a la fama pero en cambio una de las cosas que más molestaron a la productora de David Prowse fue un gran malentendido que provocó un importante desencuentro entre el actor y Lucasfilms. Al parecer David Prowse había soltado un gran spoiler a la prensa británica desvelando que Darth Vader iba a morir en la última parte de la trilogía ("El retorno del Jedi"). Esto enfureció a Lucas y a los productores, que incluso dejaron de dirigirle la palabra. En el documental consiguieron localizar al periodista que hizo aquella entrevista y les contaron cosas muy interesantes que ayudan a ver la historia de David desde otra óptica. En general los actores involucrados en la saga de Star Wars tienen una gran responsabilidad, ya que las películas son algo más que simples films de entretenimiento. Son parte de la cultura popular y han generado millones de fans en todo el mundo. La mayoría de los actores como Mark Hammil, Carrie Fisher, Anthony Danniels o Peter Mayhew han visto un gran negocio en ello y viven de atender convecciones firmando autógrafos como el propio Prowse. Quizás Lucasfilms no vea esto con buenos ojos y deje al margen a muchos actores de la saga. El propio David Prowse, como se cuenta en el documental no ha sido nunca invitado a las convenciones oficiales y tanto los actores como los fans le echan en falta.

¿Hasta qué punto la historia de la guerra de las galaxias fue fruto de improvisación o era algo planificado desde un principio? No podemos saber a ciencia cierta lo que rondaba por la cabeza del joven George Lucas a principios de los 70 pero queda claro que sólo tenía prevista hacer una película. También, y esto lo explican en el documental, en la primera versión del guión de "El imperio contrataca", escrita por Leigh Brackett, Darth Vader no era el padre de Luke. Este cambio se produjo en la segunda versión, escrita por Lawrence Kasdan (coguionista del episodio VII). Teniendo en cuenta que el añadido de Episodio IV se produjo precisamente después de escribir esta segunda versión, queda claro que el concepto de saga (las precuelas y todo eso) apareció años después de la producción de la primera de las películas. Star Wars ha influido a muchas generaciones porque es la típica historia de la lucha del bien y del mal, del viaje del héroe; conceptos muy arraigados en nuestra cultura, Y personajes como Darth Vader, la representación del mal en trazos estéticos muy concretos (el negro, la máscara, la voz...) lo convirtieron en icónico y perecedero.

Crítica: I am your father de Toni Bestard y Marcos Cabotá

 

Ya queda tan solo un mes para que llegue una nueva entrega de una delas sagas más importantes del cine. La primera película que llegó a los cines hace más de tres décadas nos trajo a uno de los malvados más carismáticos de la historia del cine. Como muchos malvados, el monstruo se esconde bajo una máscara que hace que oculte al actor que está detrás. La historia que hay detrás de I am your father cuenta la fascinante, extraña y bastante desconocida de una de las mayores injusticias del mundo del cine. Todo el mundo conoce al personaje, pero pocos conocen al actor que está detrás. David Prowse fue el que se enfundó durante las tres primeras películas rodadas de la saga el trajo negro de Darth Vader. Empezó su carrera como culturista y como entrenador físico. Trabajando de profesor en un gimnasio fue fichado por un cazatalentos para una película de terror de la Hammer en la que encarnaría al monstruo de Frankenstein. Su interpretación en esos primeros papeles era a través de un cuerpo y de una mirada intensa. Prácticamente todos esos personajes requerían o bien una gran cantidad de maquillaje o unas máscaras que les escondían sus facciones. Medir dos metros le daba un aspecto imponente especialmente cuando hacía estas películas ya que la media de altura en los hombres era bastante más baja. Las casualidades de la vida le llevaron a contactar con George Lucas que acabó ofreciéndole el papel del malo de la película que al final vistas las dos trilogías se ha convertido en el gran protagonista.

Toda la historia gira en torno a este personaje y a su familia. La primera película, presentada como el capítulo IV tuvo tanto éxito que la secuela era inevitable. La segunda película, El imperio contrataca es considera como la mejor de todas y dejó con ganas a todos de más. Los problemas llegaron con la tercera entrega. A David Prowse se le acusó de haber filtrado información clave del argumento de la película y eso hizo que no dejara buena impresión entre los productores. También tuvo mala relación con el director que no le dirigió la palabra durante todo el rodaje y utilizó al doble más veces de lo que hubiera requerido en unas circunstancias normales. El mayor agravio que cometieron fue sustituirle en el momento clave de la última película cuando el personaje de Darth Vader muere y su hijo Luke consigue redimirle. Se quita la máscara y se le puede ver. En el último momento decidieron cambiar de actor y no contar con él. Para él fue lo peor que le pudieron hacer porque no se valoraba el trabajo de seis años. El sentido de un documental como este es el de dar a conocer esta historia y revindicar la figura de este gran actor. Porque el vacío que le han hecho desde LucasFilms sigue todavía. Participa en convenciones de fans y tiene todavía muchos seguidores pero nunca ha sido invitado a convenciones oficiales. Mediante una serie de entrevistas que incluyen al propio actor, a productores de la película y grandes conocedores de la saga como el director de cine Manuel Velasco se va sucediendo esta gran historia. Además también de alguna forma sirve para dar valor a un tipo de actores que debido a las circunstancias de su trabajo pasan más desapercibidos. Se conoce al personaje pero no al actor que lo interpreta. Además de la entrevista hay una historia en la que uno de los directores va en buscar del actor con un propósito muy concreto. La duda es si lo conseguirá. El documental que llega a salas mañana es una forma distinta de acercarse al universo Star Wars. Muy recomendable para fans de la saga y para fans del cine de género de ciencia ficción.

Estreno: Boxing for Freedom de Silvia Venegas y Juan Antonio Moreno

El próximo 13 de noviembre llega a la cinemateca el documental Boxing for Freedom dirigido por Silvia Venegas y Juan Antonio Moreno. De producción española nos lleva hasta Afganistan, un lugar en donde la vida para las mujeres es muy complicada. Nos cuenta la historia de Sadaf Rahimi que busca en el boxeo la forma de tomar las riendas de su vida. Durante los cuatro años que duró la filmación del documental siguen la transformación de esta mujer y de la lucha por convertirse en la mejor boxeadora de su país. La historia de Safaf ha servido de inspiración para muchas mujeres de su país que han visto en su lucha una forma de buscar la libertad. A través de un deporte asociado a los hombres consigue superar las limitaciones en un país en donde las mujeres tienen muy pocas posibilidades de desarrollarse como personas libres. Es una historia dura pero que refleja que es necesaria la lucha por los derechos de la mujer.

Este documental que ha contado con el apoyo del programa MEDIA de la Unión Europea y del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA) se ha podido ver en diferentes festivales de cine especializados en la mujer y en los derechos humanos. También es el único documental español seleccionado a optar al PREMIO A MEJOR DOCUMENTAL EUROPEO que se otorgará el próximo 12 de diciembre en la ceremonia de premios que tendrá lugar en Berlín.

Crítica: Lost Souls: El viaje maldito de Richard Stanley a la isla del Doctor Moreau de David Gregory

A los que nos apasiona el cine resulta interesante ver las tripas de las películas, ver cómo es el proceso desde que surge de una idea al estreno en salas. Este documental nos narra uno de los mayores despropósitos al intentar llevar en 1996 la novela de H. G. Wells, La isla del Doctor Moreu. Richard Stanley es un director y guionista que a primeros de los años 90 tuvo gran repercusión con sus dos primeras películas Hardware y El demonio del desierto. Gracias a estos títulos se le ofreció la posibilidad de adaptar el clásico de la literatura de terror. Ya conocía otras adaptaciones pero esta iba a superar a las anteriores porque confiaban en la visión de un director con el talento de Richard. El documental nos va narrando el proceso desde que se pone en marcha el proyecto hasta que logra estrenarse y todas las dificultes que hubo, que no fueron pocas. A través de varias entrevistas a miembros del equipo y al propio Richard vamos descubriendo todos los problemas que surgieron y que convirtieron en esta película en una de las peores de la historia. Dificultades a la hora de conseguir financiación, y a la hora de formar un reparto. 

Las primeras opciones se cayeron. El protagonista iba a ser desde un principio Marlon Brando y Bruce Willis pero este último acabó cayendo del cartel y el siguiente que entró fue Val Kilmer que acabó haciendo otro papel al que le habían asignado en un principio. Con la entrada de estos actores la película pasó de ser de presupuesto medio a ser una producción más importante. Marlon Brandon no facilitó las cosas y había un enfrentamiento con Van Kilmer por quien llevaba el protagonismo. Lo que cuentan no deja indiferente porque descubrimos una cara oculta de un gran actor en decadencia. Reconozco que no he visto la película en cuestión, pero por lo poco que se nos muestra veo que esta película ha sido un referente a la hora de hacer la cuarta temporada de American Horror Story: Freak Show e incluso también más evidente en las películas de Austin Powers. Lo que era en un principio una historia de terror y una reflexión sobre lo que nos hace humanos, lo que nos separa de los animales, sobre la ciencia y la manipulación genética, se convirtió en un escaparate de personajes al límite, un monstruo y un loco que encabeza Marlon Brandon y un grupo de freaks. Las diferencias creativas entre el director, los actores y los productores hicieron que Richard Stanley fuera despedido en el primer día de rodaje y fuera sustituido unos días más tarde por John Frankenheimer. No le interesaba la película pero le ofrecieron mucho dinero y un contrato por tres películas más. Eso no ayudó a que la película tuviera un buen final, simplemente se dedicó a terminarla de la mejor manera posible y a que la productora perdiera lo menos posible. El documental que se ha estrenado simultáneamente en salas y en canal plus nos mete en la locura de este rodaje. Falta la intervención del director del que no tienen muy buenos recuerdos pero es que el pobre falleció en el 2002. Muy recomendable. 

Crítica: La sal de la tierra de Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado

No es la primera vez que Wim Wenders nos trae un documental sobre otro artista. Antes que Sebastião Salgado en 'La sal de la tierra', nos trajo a la bailarina y coreógrafa Pina Bausch en 'Pina', el cineasta japonés Yasujiro Ozu en 'Tokyo-Ga' o Nicholas Ray en 'Relámpago sobre el agua'. Wim Wenders, junto a Juliano Ribeiro Salgado -hijo de Sebastião Salgado-, presentará al espectador el director del prestigioso fotógrafo a lo largo de su carrera.

Wenders se aproxima al trabajo de Salgado de una manera fascinante, transmitiendo tanto lo que siente él al ver las fotos como lo que sintió Sebastião Salgado al hacerlas gracias a la narración del propio fotógrafo. La belleza y fuerza de sus fotografías es arrolladora, y a pesar de parecer, en ocasiones, un Power Point, el espectador quedará fascinado al verlas y querrá saber más y más sobre Salgado. El propio fotógrafo o su hijo, codirector del documental, serán los entrevistados. Sebastião Salgado cuenta anécdotas de las distintas fotografías que van apareciendo en pantalla. Hablan, a su vez, de los viajes que hizo para llevar a cabo proyectos: de dónde sacó la idea, cómo lo hizo, anécdotas. Entre las diferentes fotografías Wenders nos mostrará diferentes paisajes y momentos tan bellamente fotografiados como las instantáneas que podremos ver durante la proyección.

Aunque de una belleza innegable, no podemos obviar dos puntos negativos: el intento fallido de disfrazar el documental para que no parezca el típico documental de bustos parlantes y que el hecho de que sólo estén entrevistados el fotógrafo y su hijo. Esto provoca que el documental caiga en una vía de sentido único en la que no se deja espacio para que el espectador cree su propia opinión sobre si el fotógrafo se aprovechó de la miseria o si, en cambio, tienen una parte humanista.

'La sal de la tierra' tiene unas imágenes propias muy potentes que complementan las fotografías de Sebastião Salgado a la perfección. Una delicia para los amantes de la fotografía que quieran saber más de este gran fotógrafo.

Crítica: El Somni del Celler de Can Roca de Franc Aleu

Alimentarse es una necesidad que tenemos regularmente y que la cultura va moldeando. Nos dice qué es bueno o malo para comer y cuales son las mejores formas de prepararlo. Pero lo que hacen cocineros como la familia Roca poco tiene que ver con alimentarse y una forma de mantenerse vivos y sí con jugar con nuestro sentido del gusto utilizando por supuesto el resto de sentidos. En restaurantes como el celler de Can Roca, considerado en el 2013 como el mejor del mundo en una lista de 50, llevan la comida a otro nivel del que podamos encontrar en cualquier otro sitio. No nos alimentan sólo el cuerpo sino también el espíritu a través de una serie de platos que buscan jugar con las texturas, los sabores y los recuerdos. Uno de los  retos que se plantean y que sirve de excusa para esta película es la creación de un cuento en el que se de una combinación de diferentes disciplinas artísticas en la que por supuesto estará presente la comida. Ven en la ópera un referente pues se trata de un arte que combina otras como puede ser la música, la arquitectura, el teatro, la pintura… Aquí añadirían también una participación del sentido del gusto. A través doce platos, doce invitados ilustres como chefs, escritores, directores de cine etcetera experimentarán una experiencia única, estarán inmersos en una narrativa en la que se buscará estimular todos sus sentidos. La película cuenta con dos partes, por un lado se trata de una preparación del espectáculo en el que se nos va contando cómo se forma la idea y cómo se va desarrollando. Tener claro qué es lo que quieren contar y a partir de ahí cómo hacerlo, qué platos van a servir y cómo van a integrar imágenes de video, música, poesía… Tanto los textos, las canciones, la música o los videos son creaciones creadas únicamente para esta cena. La segunda parte ya es la cena en sí en la que de alguna forma somos participes de ese privilegio. Las imágenes de espectáculo se van intercalando con declaraciones de los invitados que van explicando lo que allí se vivió.

Crítica: Zarpazos de Victor Matellano

El cine de terror tiene una gran tradición en España y fue durante la última etapa del franquismo una de las formas que tenían los directores de tratar temas prohibidos como la sexualidad esquivando la censura. Se trata de un cine que siempre se ha considerado de baja calidad, de mero entretenimiento. Supo conectar con un gran público y consiguieron un gran éxito. Los críticos han sido más reacios a darle el aprobado y a valorarlas en su justa medida, por lo menos dentro de nuestras fronteras. Las películas que se mencionan en este documental son muy apreciadas fuera en donde se pueden encontrar ediciones a la venta cuando aquí que es donde se produjeron y se rodaron están prácticamente desaparecidas. Pero también es un cine que ha sobrevivido y se recuerda más que otras películas consideradas de primer nivel. No eran películas que estaban pensadas para que trascendieran sino productos de consumo rápido pero que estaban hechas de la mejor forma que podían. El director Víctor Matellano escribió un libro acerca de este género y ahora nos lo trae en forma documental en donde hace por un lado un repaso de todas las figuras importantes de estos años a las que ahora se empieza a valorar como las de Jess Franco. Después de muchos años en la industria  se empezó a valorarlo y finalmente se le concedió un Goya por toda su carrera. También contamos con la presencia del mítico hombre lobo de Paul Naschy pasando por menos conocidos como León Klimsky. No se puede olvidar por supuesto de Narciso Ibáñez Serrador que empezó en el género del terror con la serie de tv historias para no dormir y luego dio el salto al cine en 1969 con La residencia, película que bebía directamente del cine de la Hammer, un estilo cuidado, claustrofóbico y que mediante metáforas visuales ocultaba una sexualidad enfermiza y provocadora. Supo con artimañas pasar la censura y hacer la película que el quería. Es una pena que su trabajo más conocido sea ser director del concurso Un dos tres y que su labor más creativa como director de cine y series quedara en un segundo plano.

Crítica: El impostor de Bart Layton

Título original: The Imposter Director y Guionista: Bart Layton Música: Anne Nikitin Fotografía: Lynda Hall, Erik Wilson Distribuidora: Avalon Fecha de estreno: 10 de mayo de 2013

En la última edición del Atlántida Film Fest había una interesante selección de documentales que rompían los moldes de lo que estamos acostumbrados. Ejemplos como Los increíbles, Mi loco erasmus o Your lost memories nos enseñan que hay margen para los directores para que experimenten y para la creatividad. La película nos cuenta una historia bastante extraña. En 1994 un adolescente de trece años Nicholas Barclay desaparece en la ciudad de San Antonio, Texas; tres años después aparece en Linares, Jaen sin que nadie sepa lo que ha pasado ni cómo ha podido llegar hasta allí. Pero ya desde el principio se nos dice que quien está en España no sólo no es Nicholas Barclay sino que no se parece en nada, es simplemente alguien que se hace pasar por el chico para poder estar en el centro de menores y tener un cierto cobijo, pero la trama se complica cuando la hermana coge un avión para llevar a su hermano de nuevo a casa. Aunque se encuentra con alguien que tiene al menos diez años más que su hermano, que su color de pelo es distinto y apenas se parecen, no sólo no lo rechaza sino que lo identifica.

Atlántida Film Fest: Entrevista: David Valero presenta "Los increibles"

David Valero presenta sudocumental Los increíbles tras su paso por el Festival de cine de San Sebastián.Estrena en 2007 su primer cortometraje, Niños que nunca existieron, con el queobtiene más de medio centenar de galardones, entre ellos una Mención Especialen el IX Concurso Iberoamericano de Cortometrajes Versión Española-SGAE yprimeros premios en los festivales de Girona, Soria, Guadalajara y Tirana(Albania). En 2010 graba el documental El día que yo me muera, premio a laMejor Película Documental de la 8ª edición del festival internacional decortometrajes Notodofilmfest.

Su documental nos habla de trespersonas anónimas que luchan por superar situaciones complicadas como unaminusvalía, un cáncer o como en el caso de “La dama de hierro” buscanmantenerse activos con 94 años, Usted que ha convivido con ellos ¿De donde creensacan la fortaleza?

Durante los cuatro años de rodajeen los que tuve la oportunidad de convivir con ellos descubrí de donde procedíaparte de esa fuente de energía que hacía que lucharan día a día. Sin duda erala familia. María (La Dama de Hierro) tiene 5 hijas, 13 nietos/as, 14bisnietos/as y una tataranieta. Todos ellos son la razón para que María sigaesquivando a la muerte. Para Joana (La Mujer Radiactiva) eran sus hijas. Ellaquería verlas crecer y ellas eran su fuente de energía. Y Juan (Ala Rota)realmente no lo se. Supongo que también parte de esa energía la recibía de suhija aunque por aquel entonces Juan tenía muchos altibajos emocionales yrecuerdo algo que siempre me decía: “Voy a seguir adelante por si mañana tengoun buen día”.

¿Las dificultades sacan los mejorde nosotros mismos?

Supongo que sí, pero también lopeor de cada uno

A pesar de todo el humor está muypresente a lo largo de la película ¿Es esta la mejor forma de llevar lasdificultades?

Por supuesto, el humor es un armaque te ayuda a luchar contra las adversidades de la vida. Los científicosrecomiendan reírse, al menos, 15 minutos al día. Hay una escena de la películadonde el doctor le dice a Joana “Lo que es muy importante Joana es que nopierdas para nada el humor…”

¿Cómo los conoció y cómo surgióla idea de plasmarlo en una película?

Conocí a Juan en el 2003 en unagasolinera donde yo trabajaba para pagarme mi primer cortometraje en 35mm. Elvenía a vender cupones y entablamos una gran amistad. En el 2006 dejé el trabajopero continué manteniendo el contacto con Juan. Sabía lo difícil que era llegara rodar una primera película siendo alguien totalmente desconocido y que habíaaprendido de una manera totalmente autodidacta. Así que decidí grabar unapelícula solo con mi videocámara donde los personajes y el entorno fuerancercanos a mí como hizo años antes mi amigo y director Adán Aliaga con la granobra “La casa de mi abuela”. Me acordé de las aventuras y desventuras que Juanme contaba años atrás en aquella gasolinera y contacté con él. El 24 deDiciembre de 2008 comencé el rodaje de “Ala Rota”. Mi idea era grabar undocumental sobre la vida de Juan pero el azar hizo que llegara Joana. Su maridotenía una papelería en mi calle y me comentó que a su mujer le habían diagnosticadoun tumor en la cara y quería que grabara todo el proceso de la enfermedad.Tardé varias semanas en decidirme porque me parecía una propuesta muy delicadaademás que esto conllevaría estar grabando dos documentales a la vez. A losmeses de estar grabando “La Mujer Radiactiva” me di cuenta que aquellas dospersonas tenían algo en común, los infortunios de la vida. Juan tuvo unaccidente de tráfico con 36 años que hizo que perdiera la movilidad ysensibilidad del brazo derecho y a Joana le habían diagnosticado un tumor en lacara. Así que decidí unirlos en un mismo documental. Con el tiempo me di cuentaque las historias se inclinaban hacía el drama así que decidí añadir otropersonaje que equilibrara la balanza y contagiara la pantalla con su humor yenergía. Ese personaje no podía ser otra que mi tía abuela y así fue como llegóese tercer increíble, “La Dama de Hierro”

¿Fue fácil convencerles de quemostraran su vida delante de una cámara?

A Juan tener que mostrar aquellavida solitaria públicamente le generó algunas dudas pero aceptó. Con Joanaaunque la idea surgió de su marido ella estuvo completamente de acuerdo desdeel principio al igual que mi tía abuela.

Estamos acostumbrados a que enlos documentales haya una voz que nos vaya explicando las imágenes que estamosviendo pero usted nos presenta a unos personajes y unas historias y usted comonarrador está ausente, ¿cree que lo que dicen es suficientemente claro paraentender su situación?

Tuve muy claro desde el principioque no quería hacer un documental donde utilizara el recurso de la voz en of olas entrevistas. Quería huir de completamente de eso. Me planteé un documentalutilizando las reglas de la ficción. Creo que la peli se entiende y sobre todohace que huir de estos recursos la acerque mucho más al espectador.

¿Sigue en contacto con ellos?

Claro, ellos son familiares yamigos. Forman parte de mi vida.

¿Cree que su película sirve paraque podamos empatizar con los pequeños dramas que nos rodean y de los que nosomos conscientes?

La película nunca se hizo con laidea de generar consciencia. Simplemente contar la vida de tres personascercanas a mi junto a los dramas y alegrías que les rodean. Supongo que la peliestá repleta de tantos mensajes como el espectador quiera ver.

¿Cómo valora un festival comoAtlántida?

De una manera totalmente positiva

En un mercado que estrena pocosdocumentales en salas de cine, ¿cree que es Internet o festivales la mejorforma de distribuir una película cómo la suya?

Como la mía y cualquier otrapelícula que pueda ser mucho más comercial. Son plataformas de exhibición queayudan a que las películas puedan llegar al mayor número de espectadoresposible.

¿En qué proyectos está trabajandoahora?

Terminando de escribir junto alguionista Silvestre García un largometraje titulado “Sumergido” que mezcla elcine social con el thriller y la ciencia ficción.

Atlántida Film Fest: Sección Oficial I: Ali y Los increibles

Ali de Paco R. Baños

Título original: Ali Director: Paco R. Baños Guionista: Paco R. Baños y Rafael Cobos Fotografía: Álvaro Gutierrez Interpretes: Nadia de Santiago, Julián Villagrán, Verónica Forqué y Angy Fernandez Fecha de estreno: 26 de abril de 2013

La película con la que he empezado este festival ha sido la española Ali que supone el debut en la dirección de Paco R. Baños.  Ali es nos narra la vida de una joven bastante peculiar a la que da vida Nadia de Santiago. Es una chica independiente, melancólica y bastante borde que vive en un mundo propio, con una madre que se parece demasiado a ella y con la que tiene una relación algo conflictiva, un compañero de trabajo con el que mantiene relaciones esporádicas y un grupo de amigas con el que pasar el tiempo. Todo parece derrumbarse cuando la madre decide traer a vivir a su novio a casa y ve cómo está perdiendo su atención porque ya no son dos.

Paco R. Baños toma mucho del cine independiente americano y no oculta en absoluto que uno de sus referentes es Juno, personaje que tiene mucho que ver con la protagonista de su historia. Es una película alegre y desenfadada que nos hace olvidar la realidad más o menos dura que nos toca vivir actualmente por una pequeña fantasía, un lugar en el que estar a gusto. La película es una hermosa fábula en donde nos encontramos en el reparto a Verónica Forqué como la madre de la protagonista, a Julian Villagrán como uno de los vecinos e incluso a Angy a la que conocemos por ser una de las protagonistas de la serie Física o Química.

La película se pudo ver en el festival de cine de Ourense en donde se llevó el Premio del Público y en el festival de Málaga donde recibió el premio ASECAN a la mejor Ópera prima y ahora tras pasar por el Atlántida Film Fest se estrenará en salas el 26 de abril.

Los increíbles de David Valero

Título Original: Los increíbles Director y Guionista: David Valero

Este documental nos narra la vida de tres personajes que tienen que convertirse en héroes por las circunstancias. Tenemos a Juan Eulalio Mora “Ala rota” que tras un accidente tiene una minusvalía que le impide mover ningún músculo de uno de sus brazos. Se gana la vida vendiendo cupones de la once. Ha perdido a su mujer y la soledad está acabando con el pero en la situación en la que vive pocas mujeres están interesadas más allá de una amistad. La segunda historia la protagoniza María Moreno “La mujer de acero” que con 94 años tiene una gran vitalidad y lucha por seguir viva de la mejor forma posible. Ha pasado mucho en la vida pero el optimismo, mucho ejercicio y mantener la mente ocupada hacen que tenga una gran vitalidad, a veces mucho más que gente más joven que la rodea. Una gran luchadora es Joana Martin “La mujer radioactiva” que busca curarse de un cáncer que además de consumirle la vida la está alejando de su familia. Su marido y sus dos hijas están a su lado apoyándola y siendo su soporto, pero al final ella es la que tiene que recibir la dura terapia y la que sufre todas las molestias y el dolor.

David Valero es un simple intermediario entre las historias y nosotros los espectadores, va intercalando unas historias pero da total libertad a los protagonistas para que se expresen con total libertad. Hay un narrador ausente que no interviene en ningún momento y eso en algún momento crea cierta extrañeza porque estamos acostumbrados a que haya alguien que nos vaya marcando el camino y nos diga lo que vemos y casi como explicándolo, pero aquí nosotros somos los que creamos la historia y los que sacamos nuestras propias conclusiones sin ningún tipo de interferencia. Son tres héroes, personas increíbles que no se dejan vencer ni por una minusvalía, la edad o un cáncer. Si la película es conmovedora, la animación con la que termina la película es simplemente hermosa. 

Crítica: Ralf König, rey de los comics de Rosa von Praunheim

Ralf könig rey de los comics es un documental que nos presenta la obra de este autor de comics alemán y de la influencia que su propia experiencia vital ha tenido en esta. Sus historias nos muestran el universo gay pero consigue transcender lo particular para mostrarnos lo universal de las relaciones humanas. Cualquiera puede sentirse identificado con alguno de los personajes de sus historias sin tener que compartir la misma opción sexual. Precisamente una de sus historias más conocidas, El hombre deseado narraba la historia de un hombre heterosexual que por diversas circunstancias acaba inmerso en la comunidad gay descubriendo que ambos mundos no son tan distintos. La adaptación al cine de esta película fue todo un éxito y aunque nunca ha estado conforme con el resultado, le dio a conocer en todo el mundo. Esta no es la única historia suya llevada al cine, aquí se hizo una adaptación de Lisístrata, inspirada en la comedia de Aristofanes que nos trasladaba a la antigua grecia en una ciudad en la que las mujeres castigaban a los hombres sin sexo y ellos se buscaban satisfacerse entre ellos. La película estaba protagonizada por Maribel Verdú y Juan Luis Galiardo. Esta por el contrario no tuvo tanto éxito y pasó por los cines como un suspiro.

La película sirve como guía para conocer la extensa obra que van desde breves historias en revistas pornográficas de baja calidad hasta sus obras más recientes en donde trata el tema de la religión. Su obra ofrece una visión casi antropológica de los ambientes homosexuales siempre bajo la perspectiva del humor y la ironía. No soy un seguidor de su obra y no sabia la cantidad de libros que había publicado, aunque siempre me ha hecho mucha gracia esas narices tan grandes que pone a sus personajes.

Toda esta historia la cuenta el propio autor que va narrando su vida y su influencia en su trabajo, sus amigos y cómo vivieron la época que compartieron juntos, así como la historia de un dentista suizo que viaja a Alemania sólo para conocerle, explicarle la importancia que han tenido sus historias para asumir su propia sexualidad. Esa pluralidad de voces aporta una visión completa de la figura de Ralf König. Un documental muy interesante que se nos presenta con una copia en HD con una gran calidad de imagen incluso en salas de cine pequeñas.

Crítica: Sólo es el principio de Jean-Pierre Pozzi y Pierre Baraugier

Solo es el principio es un interesante documental que nos muestra un taller de filosofía para niños de 3 a 4 años que se celebra durante dos cursos en una guardería de Francia. Son raras las ocasiones en las que se nos da la oportunidad de filosofar y menos cuando se tratan de niños de tan corta edad. No se les suele preguntar por lo que piensan ni se les ayuda para que creen su propio pensamiento. Los talleres están dirigidos por una profesora que les anima a debatir en cada sesión sobre un tema que les resulte cercano e interesante, hablar de la familia, de la amistad, de los niños y las niñas, del amor pero también de temas más complicados como son la muerte, la libertad, la inteligencia, el alma o los bienes materiales. Al principio se muestran titubeantes y muestran un pensamiento disperso, hacen comentarios aunque se nota que les cuesta expresarse. En cuanto va avanzando la película se muestra como los niños van cogiendo más soltura, son capaces de exponer argumentos, de retomar ideas anteriores, así como una mayor fluidez y ya le cogen el gusto a reflexionar, a pensar. Lo más interesante de todo no son las opiniones que cada uno exprese, o sus ideas, sino que se les da una herramientas que les van a servir para ser adultos comprometidos, con capacidad de reflexionar, de dialogar, menos manipulables y por lo tanto más capacitados para tomar sus propias decisiones. Descubrir el diálogo como la mejor forma de alcanzar el conocimiento y de solucionar diferencias; aprender que no se soluciona nada con la violencia sino hablando y discutiendo.

Este método de filosofar no es nuevo, ya Sócrates mediante la mayéutica, conseguía que aquellos dispuestos a escucharle sacaran sus propias conclusiones sobre grandes temas, el amor, la justicia… En vez de ser el propio Sócrates el que exponga sus ideas al respecto, mediante el diálogo controlado va haciendo que el interrogado vaya sacando sus propias ideas y llegar a conclusiones. Sócrates no dejó nada escrito pero su discípulo Platón recogía su filosofía mediante el diálogo pues considera que es la mejor forma de alcanzar el conocimiento de las ideas. Del mismo modo, la maestra Pascaline Dogliani no le dice a sus alumnos lo que tienen que pensar sino que fomenta la capacidad de crear un discurso y de cada uno exprese sus ideas, las comparta con los demás y si es el caso hacer revisiones y modificar lo que piensa. 

En un momento en el que vivimos en el que ya no sólo la filosofía sino la educación y formar a unos futuros ciudadanos que sean capaces de pensar por si mismos, están tan cuestionadas, que se mide todo por los intereses económicos, que las escuelas y las universidades se ven como un gasto no asumible y no como una inversión, Sólo es el principio es una película necesaria para recordarnos la importancia de una buena base. Pero de todos modos, en edades tan tempranas, la educación no se debe quedar reducida al ámbito de la escuela y los padres deben jugar un papel importante estimulando a sus hijos, dialogando con ellos y siguiendo el trabajo de los talleres. La película también nos enseña esos momentos de intimidad en el hogar en la que los niños conversan con los padres sobre lo comentando en los talleres.

En definitiva, Sólo es el principio es una película necesaria sobre la importancia de la educación, de darles a los niños herramientas para que cuando sean adultos se puedan defender y a los que no se les engañe tan fácilmente, convertirlos en ciudadanos pues de ellos depende el futuro y son los que marcarán la sociedad que seremos.

Ficha en Sensacine

Sólo es el principio se ha estrenado el 7 de septiembre

Crítica: Inside job de Charles Ferguson

A nadie le es indiferente la crisis económica que estamos sufriendo y que empezó en el 2008 en Estados Unidos, nadie escapa de alguna manera de sus consecuencias, los bancos, los gobiernos y sobre todo nosotros, los ciudadanos que vemos como aumenta la inestabilidad social, cómo se pierden más puestos de trabajo, cómo la gente pierde sus casas, está al borde de la ruina y aumenta la pobreza. ¿Pero cómo llegamos a esta situación? ¿Qué es lo que provocó todo este derrumbe financiero y social? A todas estas preguntas y más intenta responder esta documental, desde cuáles fueron las circunstancias que se dieron para que todo pasara, hasta la situación actual y cómo poder superarla, pasando por un exhaustivo análisis de cómo se fue gestando toda esta crisis financiera. Para eso recurre a los protagonistas y a analistas políticos y económicos, así como un narrador que va explicando de una forma que podamos entender todo lo que se está contando.

Es importante conocer cómo sucedió todo para entender lo que ha pasado y evitar que vuelva a suceder. Aunque faltan muchas voces de gente y entidades que se han visto como protagonistas de un sainete que ha tenido unas consecuencias tan devastadoras, el documental da muchos puntos de vista acerca de la gente y de las instituciones que tuvieron su parte de responsabilidad. Significativo y revelador el análisis psicológico de los depredadores de Wall Street y de su ambición sin ningún tipo de fin. Darse cuenta de que la economía mundial está en manos de descerebrados, ambiciosos de poder sin ningún tipo de control asusta y sobre todo cuando te das cuenta de que no han aprendido nada de todo esto. Las políticas liberales de desregulación y de una falta de control del gobierno junto a una ambición ciega y una falta de moral han provocado todo este descalabro de la economía mundial. Mucha gente ha podido evitarlo, muchos han sido cómplices que han mirado a otro lado a cambio de grandes cantidades de dinero. El problema es que toda esa gente sigue en el poder, que nada ha cambiado y si nadie lo remedia todo volverá a ser como antes de la crisis y se verá como con el paso del tiempo esta volverá con más fuerza si cabe. Todo lo que prometió Obama antes de llegar al gobierno se ha visto que ha quedado en nada, esos cambios en la banca y en Wall Street no han sido más que pequeñas modificaciones para que todo siga igual, las mismas personas que nos han llevado a la crisis siguen en los mismos puestos de responsabilidad como si nada hubiera pasado. Más que como un documento pesimista en donde nos cuentan la difícil situación actual y los pocos cambios que se han hecho para superarla, veo este documental como una llamada de atención y cómo un arma para que nos revelemos y actuemos contra las injusticias; como ver que personas que han arruinado a sus empresas por una mala gestión son recompensadas con indemnizaciones millonarias, dinero que en algunas ocasiones ha venido de las ayudas que han recibido del estado, mientras que mucha gente por su culpa ha perdido sus casas, sus trabajos y todos sus ahorros.

Inside Job es una película necesaria sobre la crisis que deberíamos ver todos y que merecidamente se ha llevado muchos premios, entre ellos el último oscar al mejor documental.