Crtítica: Dos más dos de Diego Kaplan

 

Título Original: Dos más dos Director: Diego Kaplan Guión: Juan Vera, Daniel Cúparo Música: Iván Wyszogrod Fotografía: Félix Monti Intérpretes: Adrián Suar, Julieta Díaz, Carla Peterson, Juan Minujín, Alfredo Casero, Tomás Wicz Distribuidora: Alta Films Fecha de Estreno: 01/05/2013

La que será seguramente la última película distribuida por los amigos de Alta Films es una comedia de origen argentino que explora la pareja y la forma que tenemos de superar ese gran problema que es la monotonía y la desaparición del deseo. Dos matrimonios son los protagonistas de esta historia; mientras unos (Richard y Betina) parece que no han perdido la pasión y aprovechan cualquier momento para demostrar su deseo y sexualidad, el otro (Diego y Emilia) ha pasado a otra fase en su relación y esta se basa en el respeto y en el amor más tranquilo y cotidiano, pero mientras que el marido está cómodo con esta situación, la esposa se siente frustrada y añora esa época en la que su todo era más apasionado. Lo que estos no saben es el secreto para que Richard y Betina no hayan caído en la monotonía y su matrimonio se haya enfriado es que practican el intercambio de pareja. Se reúnen con amigos y otros aficionados a estas prácticas y se relacionan sexualmente con otras personas con el consentimiento y el conocimiento de la otra parte de la pareja. Tan sólo es algo divertido que sirva de revulsivo para que se mantenga la pareja y de alguna forma poner en práctica los ideales perdidos de la liberación sexual. Emilia que desea un cambio en su vida acepta estas nuevas ideas como la última esperanza y Diego, más conservador, y que no acepta bien los cambios ve los riesgos de todo esto; y es que es fácil confundirse y no sólo perder una pareja sino perder a unos amigos. Pero a pesar de sus reticencias se lanzan a la piscina y embarcarse en algo peligroso.

Crítica: La gran boda de Justin Zackham

La familia es el primer grupo social en el que convivimos y primera fuente de conflictos en donde se juntan padres e hijos, maridos y esposas, antiguas y nuevas parejas. La familia está por encima de los vínculos de sangre y lo que importa son los sentimientos y los deseos de unión y de compartir. Las bodas son un momento interesante porque son una forma social de presentar una relación sentimental que no sólo sirve para unir a dos personas sino a dos familias. Las familias del novio y de la novia no dejan indiferente a nadie. El novio, Alejandro, tiene un padre y tres madres, una biológica, una adoptiva y otra que es la nueva pareja de su padre; y la novia cuenta con unos padres demasiado snobs para aceptar a la pareja de su hija, si a eso le sumamos hermanos, amigos y otros parientes, así como un cura muy conservador, la comedia está asegurada. La trama se centra en los días anteriores a la boda y en los líos que pasan. Alejandro nació en Colombia y para su boda va a venir su madre biológica y su hermana. El piensa que dos mujeres tan tradicionales no van a entender que sus padres adoptivos estén divorciados y su padre tenga otra mujer así que toda la familia tendrá que fingir una realidad alternativa. Si normalmente ya ha tensión en un acontecimiento com este en donde no se deja nada a la improvisación para que todo salga perfecto, aquí sumamos la tensión de tener que mantener una mentira que no le hará mucha gracia a todos como al personaje de Susan Sarandon que ve cómo es apartada de la familia. Eso provocará varias situaciones complicadas que resultan bastante graciosas para espectador. Sin ser un planteamiento demasiado original la película tiene bastantes momentos hilarantes que gustarán y resultarán divertidos.

Pero el punto fuerte de la película es su reparto que encabezan tres de los mejores actores actuales, Robert de Niro, Susan Sarandon y Diane Keaton que interpretan al padre, a la nueva esposa y a la exmujer respectivamente. De Niro vuelve a ser un padre que no sabe demostrar sus sentimientos a sus hijos aunque les quiere y se preocupa por ellos pero con una gran comicidad. Aunque llevan varios años divorciados y el haya empezado un nueva relación algunos sentimientos no se pueden olvidar porque los vínculos que forman una familia no se pueden romper tan fácilmente. Ya sólo por verlos a estos tres hacen recomendable esta película. Acompañándoles están Katherine Heighl (la doctora Stevens de Anatomía de Grey), Topher Grace y Ben Barnes como el hijo que se va a casar. La elección de este actor para este personaje es un poco extraña porque se supone que ha nacido en Colombia y hacen varias bromas sobre su color de piel más morena que los demás pero su aspecto en realidad más bien pálido no oculta en ningún momento los orígenes anglosajones del actor. Amanda Seyfried es la novia y hay un pequeño papel para Robin Williams como el padre Moinighan, un cura demasiado conservador que aún defiende que las mujeres tengan que llegar vírgenes al matrimonio.

En resumen una comedia entretenida a la que merece la pena dar una oportunidad.

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La Gran Boda

Crítica: Combustión de Daniel Calparsoro

Título original: Combustión. Director: Daniel Calparsoro. Guión: Carlos Montero y Jaime Vaca. Música: Carlos Jean. Fotografía: Daniel Aranyó. Reparto: Álex González, Adriana Ugarte, Alberto Ammann, María Castro, Marta Nieto, Luis Zahera, Christian Mulas, Juan Pablo Shuck.

Que una película sea anunciada con un "De los productores de 3MSC y TGDT" nos da una idea de lo que vamos a ver: jóvenes guapos haciendo cosas ilegales o inmorales. Y la película da lo que promete: carreras ilegales de coches, triángulos amorosos poco verosímiles y cambios de bando aleatorios. Así, pues, empecemos con la crítica de "Combustión", la nueva película de Daniel Calparsoro.

Dejando al margen las polémicas surgidas entre el director y Carlos Montero y Jaime Vaca, guionistas de la película, el guión es muy irregular. Supongo que es por los cambios realizados por Calparsoro, quien dijo sobre el guión "Me gustó el título y la idea de hacer una película sobre gente que vive el presente, que no está haciendo nada en base a lo que le gusta.". Y, por lo visto, empezó a cambiar bastantes cosas. Durante la película escuchamos algunas frases que más que despertar las emociones que tienen que despertar, hacen que el público acabe riéndose. Y es que no puedes decirle a alguien a quien conoces de hace dos horas "Hay muchas cosas que no sabes de mí". Y así unas cuantas. ¿Nadie se ha dado cuenta durante todo el proceso de creación de lo sinsentido que suena? Pues parece ser que no. Durante todo el metraje se suceden los típicos cambios de bando, algunos de ellos inesperados por su poca credibilidad. Una cosa que no me ha gustado es que no se simpatiza del todo con ninguno de los personajes, ya que cuando empiezan a caerte bien hacen algo mal, muy mal, y acabas odiándoles.  Para ser una película de carreras de coches, hay muy pocas. Y lo dice alguien a quien lo le gustan las carreras.

 Los actores están correctos, sin llegar a destacar ninguno de ellos. Cumplen con lo que se espera de ellos, ya que tampoco podían sacar demasiado a unos personajes encorsetados. Alberto Ammann tiene un acento extraño a ratos que no sé muy bien a qué parte de Latinoamérica pertenece.

Si esta película tiene algo bueno, es la realización. El director rueda de manera elegante las carreras, evitando mover la cámara al tuntún. Fuera de las persecuciones el director se maneja con soltura, haciendo movimientos de cámara suaves y estéticos. La fotografía está casi al mismo nivel, sobre todo cuando hay poca luz o están en la calle de noche. El montaje es rápido, lo que ayuda a que la película no se haga demasiado pesada. La banda sonora, firmada por Carlos Jean, abusa del dubstep ya que ahora está de moda. Eso no quita que cumpla su función perfectamente, ya que escuchar este tipo de música durante las persecuciones o las escenas de acción hace que nos metamos más en la acción. En algunos momentos meten baladas pop que no tienen nada que ver con las otras canciones y descoloca un poco, no acaba de encajar.

En definitiva, "Combustión" es una película entretenida, que sólo se hace pesada al final y que podría haber sido más de no ser por los cambios en el guión. 

Crítica: En la carretera (On the road) de Walter Salles

Título original: On the road. Director: Walter Salles. Guión: José Rivera (de la novela de Jack Kerouac). Música: Gustavo Santaolalla. Fotografía: Eric Gautier. Reparto:Garrett Hedlund, Sam Riley, Kristen Stewart, Amy Adams, Tom Sturridge, Danny Morgan, Viggo Mortensen, Alice Braga, Elisabeth Moss, Kirsten Dunst, Terrecence Howard, Steve Buscemi.

Entre los años 1948 y 1951 Jack Kerouac escribió la novela On the road en la que a través de la narración de una serie de viajes cruzando los Estados Unidos hacía un retrato de su generación compuesta por un grupo de personas locas, apasionadas por la vida y  que con un espíritu transgresor; buscaban a través de la rebeldía y de una forma de vida alternativa a lo que la sociedad marcaba, su identidad. Hace poco veíamos una acercamiento al cine a uno de los miembros de este grupo, Allen Ginsberg, en la película Howl y se nos mostraba a través de un documental un poco de esta época y de los personajes. Escritores, poetas que utilizaban la literatura, la música de jazz, las drogas y el sexo como un todo que los identificaba como una nueva generación que estaba viendo la luz. En la novela Jack Kerouac se esconde detrás del personaje protagonista Sal Mineo y utiliza pseudónimos en los que habla de sus amigos y de la gente que le rodeaba. Detrás de Dean Moriarty está Neal Cassady, Carlo Marx es Allen Ginsberg o Old Bull Lee es William S. Burroughs. 

Atlántida Film Fest: Entrevista: David Valero presenta "Los increibles"

David Valero presenta sudocumental Los increíbles tras su paso por el Festival de cine de San Sebastián.Estrena en 2007 su primer cortometraje, Niños que nunca existieron, con el queobtiene más de medio centenar de galardones, entre ellos una Mención Especialen el IX Concurso Iberoamericano de Cortometrajes Versión Española-SGAE yprimeros premios en los festivales de Girona, Soria, Guadalajara y Tirana(Albania). En 2010 graba el documental El día que yo me muera, premio a laMejor Película Documental de la 8ª edición del festival internacional decortometrajes Notodofilmfest.

Su documental nos habla de trespersonas anónimas que luchan por superar situaciones complicadas como unaminusvalía, un cáncer o como en el caso de “La dama de hierro” buscanmantenerse activos con 94 años, Usted que ha convivido con ellos ¿De donde creensacan la fortaleza?

Durante los cuatro años de rodajeen los que tuve la oportunidad de convivir con ellos descubrí de donde procedíaparte de esa fuente de energía que hacía que lucharan día a día. Sin duda erala familia. María (La Dama de Hierro) tiene 5 hijas, 13 nietos/as, 14bisnietos/as y una tataranieta. Todos ellos son la razón para que María sigaesquivando a la muerte. Para Joana (La Mujer Radiactiva) eran sus hijas. Ellaquería verlas crecer y ellas eran su fuente de energía. Y Juan (Ala Rota)realmente no lo se. Supongo que también parte de esa energía la recibía de suhija aunque por aquel entonces Juan tenía muchos altibajos emocionales yrecuerdo algo que siempre me decía: “Voy a seguir adelante por si mañana tengoun buen día”.

¿Las dificultades sacan los mejorde nosotros mismos?

Supongo que sí, pero también lopeor de cada uno

A pesar de todo el humor está muypresente a lo largo de la película ¿Es esta la mejor forma de llevar lasdificultades?

Por supuesto, el humor es un armaque te ayuda a luchar contra las adversidades de la vida. Los científicosrecomiendan reírse, al menos, 15 minutos al día. Hay una escena de la películadonde el doctor le dice a Joana “Lo que es muy importante Joana es que nopierdas para nada el humor…”

¿Cómo los conoció y cómo surgióla idea de plasmarlo en una película?

Conocí a Juan en el 2003 en unagasolinera donde yo trabajaba para pagarme mi primer cortometraje en 35mm. Elvenía a vender cupones y entablamos una gran amistad. En el 2006 dejé el trabajopero continué manteniendo el contacto con Juan. Sabía lo difícil que era llegara rodar una primera película siendo alguien totalmente desconocido y que habíaaprendido de una manera totalmente autodidacta. Así que decidí grabar unapelícula solo con mi videocámara donde los personajes y el entorno fuerancercanos a mí como hizo años antes mi amigo y director Adán Aliaga con la granobra “La casa de mi abuela”. Me acordé de las aventuras y desventuras que Juanme contaba años atrás en aquella gasolinera y contacté con él. El 24 deDiciembre de 2008 comencé el rodaje de “Ala Rota”. Mi idea era grabar undocumental sobre la vida de Juan pero el azar hizo que llegara Joana. Su maridotenía una papelería en mi calle y me comentó que a su mujer le habían diagnosticadoun tumor en la cara y quería que grabara todo el proceso de la enfermedad.Tardé varias semanas en decidirme porque me parecía una propuesta muy delicadaademás que esto conllevaría estar grabando dos documentales a la vez. A losmeses de estar grabando “La Mujer Radiactiva” me di cuenta que aquellas dospersonas tenían algo en común, los infortunios de la vida. Juan tuvo unaccidente de tráfico con 36 años que hizo que perdiera la movilidad ysensibilidad del brazo derecho y a Joana le habían diagnosticado un tumor en lacara. Así que decidí unirlos en un mismo documental. Con el tiempo me di cuentaque las historias se inclinaban hacía el drama así que decidí añadir otropersonaje que equilibrara la balanza y contagiara la pantalla con su humor yenergía. Ese personaje no podía ser otra que mi tía abuela y así fue como llegóese tercer increíble, “La Dama de Hierro”

¿Fue fácil convencerles de quemostraran su vida delante de una cámara?

A Juan tener que mostrar aquellavida solitaria públicamente le generó algunas dudas pero aceptó. Con Joanaaunque la idea surgió de su marido ella estuvo completamente de acuerdo desdeel principio al igual que mi tía abuela.

Estamos acostumbrados a que enlos documentales haya una voz que nos vaya explicando las imágenes que estamosviendo pero usted nos presenta a unos personajes y unas historias y usted comonarrador está ausente, ¿cree que lo que dicen es suficientemente claro paraentender su situación?

Tuve muy claro desde el principioque no quería hacer un documental donde utilizara el recurso de la voz en of olas entrevistas. Quería huir de completamente de eso. Me planteé un documentalutilizando las reglas de la ficción. Creo que la peli se entiende y sobre todohace que huir de estos recursos la acerque mucho más al espectador.

¿Sigue en contacto con ellos?

Claro, ellos son familiares yamigos. Forman parte de mi vida.

¿Cree que su película sirve paraque podamos empatizar con los pequeños dramas que nos rodean y de los que nosomos conscientes?

La película nunca se hizo con laidea de generar consciencia. Simplemente contar la vida de tres personascercanas a mi junto a los dramas y alegrías que les rodean. Supongo que la peliestá repleta de tantos mensajes como el espectador quiera ver.

¿Cómo valora un festival comoAtlántida?

De una manera totalmente positiva

En un mercado que estrena pocosdocumentales en salas de cine, ¿cree que es Internet o festivales la mejorforma de distribuir una película cómo la suya?

Como la mía y cualquier otrapelícula que pueda ser mucho más comercial. Son plataformas de exhibición queayudan a que las películas puedan llegar al mayor número de espectadoresposible.

¿En qué proyectos está trabajandoahora?

Terminando de escribir junto alguionista Silvestre García un largometraje titulado “Sumergido” que mezcla elcine social con el thriller y la ciencia ficción.

Crítica: Memorias de un zombie adolescente de Jonathan Levine. El amor lo puede todo

Título original: Warm Bodies Director: Jonathan Levine Guionista: Jonathan Levine (Novela: Isaac Marion) Música: Marco Beltrami, Buck Sanders Fotografía: Javier Aguirresarobe Interpretes: Nicholas Hoult, Teresa Palmer, John Malkovich, Rob Corddry, Analeigh Tipton, Dave Franco, Cory Hardrict Distribuidora: Eone Fims Fecha de estreno: 19 de abril de 2013

Zombies: mi subgénero cinematográfico favorito desde hace más tiempo del que puedo recordar. Y como buen fan que soy, no podía quedarme sin ver "Warm Bodies", o "Memorias de un zombie adolescente" en España. Tengo que admitir que al principio la idea de un "Crepúsculo" con zombies me pareció bastante horrible, pero entonces llegó el primer tráiler con R. deambulando por un aeropuerto desierto y me enamoré. Según pasaba el tiempo e iban publicando imágenes y mis ganas de verla aumentaban, igual que mis expectativas. Y llegó el día. Iba con miedo, por si no me gustaba, pero… Al final no ha defraudado nada. Es cierto que la premisa puede recordar a la saga vampírica de moda, pero una vez empieza la película te das cuenta de que va a ser todo lo contrario, ya que en ningún momento pretende ser una película más seria de lo que puede. Y ése es su punto fuerte: mostrar lo que le da la gana, sin complejos. La presentación de los personajes es muy interesante, haciendo que queramos saber más sobre ellos, cómo llegaron donde están y qué será de ellos durante el desarrollo de la película. Es verdad que los personajes no llegan a ser demasiado profundos y sus motivaciones son bastante simples, pero tampoco hace falta más. El guión tiene algunos puntos de humor bastante buenos, y algunos momentos geniales como los comentarios en voz de R, el zombi protagonista. El desarrollo es ágil, no haciéndose pesada en ningún momento gracias a algunos flashbacks y escenas de acción moderada rodadas con soltura. Es cierto que en algunos momentos se huele el tópico, pero Jonathan Levine, director y guionista, lo soluciona rápido con algún giro interesante. Quien quiera ver una película de zombis, quedará más o menos satisfecho, ya que empieza siendo más como una película normal de muertos vivientes de toda la vida, hasta que R, en pleno ataque, encuentra a Julie y se enamora de ella, dando paso a la parte romántica. Quizá se eche en falta un poco más de mala leche, pues los momentos ácidos de la película son los mejores, superando los ataques de zombis, huesudos y humanos.

Los actores cumple con soltura, y algunos incluso se lucen. Destacar a Nicholas Hoult en el papel protagonista, haciendo algo que nadie habría imaginando: dotar de sensibilidad y matices a un zombi putrefacto. Rob Corddry como mejor amigo de R y Teresa Palmer como "presa" de R son de lo mejor de la película. ¿Será casualidad que Teresa Palmer se parezca tanto físicamente a Kristen Stewart? Yo creo que no. También me gustaría destacar, aunque negativamente, a John Malkovich. No sólo no da ningún matiz a un personaje tan tópico como necesario, sino que además sobreactúa.

Jonathan Levine se desenvuelve de sobra como director, como ya demostró en 50/50. Las escenas de acción están rodadas muy bien, aunque nada fuera de lo normal en Hollywood, al igual que los momentos más tranquilos. Una de las cosas que más me ha gustado es la ambientación de la película, sumergiendo al espectador en el mundo apocalíptico y haciéndolo creíble. Lo mejor es la gran ciudad amurallada donde viven los humanos, mostrando una fortaleza casi inexpugnable pero autónoma. La fotografía, de mano de Javier Aguirresarobe, es más que correcta, teniendo algunos momentos especialmente buenos. Los efectos especiales, tanto físicos como digitales, están bastante conseguidos, sobre todo los huesudos. Los fanáticos de los zombis pueden sentirse algo decepcionados con esta encantadora película de amor improbable, pero el resto quedará satisfecho con la entrañable historia de Julie y R.

Crítica: Memorias de un zombie adolescente de Jonathan Levine. Este Romeo está muy muerto

Título original: Warm Bodies Director: Jonathan Levine Guionista: Jonathan Levine (Novela: Isaac Marion) Música: Marco Beltrami, Buck Sanders Fotografía: Javier Aguirresarobe Interpretes: Nicholas Hoult, Teresa Palmer, John Malkovich, Rob Corddry, Analeigh Tipton, Dave Franco, Cory Hardrict Distribuidora: Eone Fims Fecha de estreno: 19 de abril de 2013

Los zombies funcionan muy bien como una metáfora de la sociedad actual, una sociedad adormecida que por lo general ha dejado de pensar por sí misma, que ha dejado de ser crítica con el poder y que se limita a existir, a seguir viviendo sin ningún objetivo más allá de la propia supervivencia, y además parece que es contagiosa porque cada día parece que hay menos que logran resistirse. Pero los zombies (o infectados) son malos personajes, no se expresan más que con ruidos, son lentos, torpes y nada expresivo y lo único que hacen es intentar localizar vivos y morderlos y comerlos para infectar a más vivos posibles. No dan para más y si te centras en las historias de los vivos el público las rechaza porque dicen que son interesantes, pero hacer una película centrada en gente huyendo de muertos vivientes para que no se los coman no puede centrar la trama de una película. Pero esta historia de zombies tiene tres peculiaridades en cuanto a otras películas o series; en primer lugar el protagonista y el que va guiando la historia es R, un zombie joven de edad indefinida que va guiando la historia, que la historia contempla dos tipos de zombies, por un lado a los que conocemos y otros que ya sólo son esqueletos y ya han perdido todo tipo de humanidad, son oscuros y los personajes realmente aterradores de la historia, y por último que se trata de una historia de amor entre el protagonista R y la hija de la resistencia humana Julie.

Los zombies no se pueden expresar y casi no pueden hablar así que el director opta por la socorrida voz en off para que esto no acabe siendo como una película francesa aburrida en donde apenas hay diálogos. No se lleva mal y el protagonista nos va contando cómo es su monótona vida de zombie viviendo en la terminal de un aeropuerto con la amenaza de que quizás en algún momento acabe convirtiéndose en un esqueleto viviente. Y ahí es cuando conoce a Julie y ella despierta en él sentimientos que hace tiempo no sentía. El referente más claro de la historia es Romeo y Julieta porque son dos enamorados que sufren la incomprensión por parte de la gente que los rodean, porque los zombies querrán comerse a la chica, porque eso es lo que hacen con los vivos y la resistencia meterle una bala en la cabeza a R y evitar que la plaga se extienda y la humanidad desaparezca de la tierra. También el nombre de los personajes se parecen al drama de Shakespeare R y Julie y por si fuera poco hasta han puesto la escena del balcón en donde el chico va a visitar a su amada a su casa y tienen que hablar en susurros para no despertar a los familiares.

La película, excepto por alguna escena en donde hay algo de acción, funciona como una comedia romántica especial por las características de los protagonistas. Una viva y un muerto. Los zombies no dan especialmente miedo pero resulta entretenida. El prólogo está muy bien sobre todo por ese montaje en donde vemos que no hay tanta diferencia entre los zombies y la gente que vive idiotizada y que se relaciona más con los aparatos que con las personas que tiene a su alrededor. Casi somos zombies ahora, sólo que todavía no nos comemos los unos a los otros. La forma en la que se conocen y enamoran los personajes también es de lo mejor de la película. Pero eso de que sea el amor lo que redime a alguien, aunque ese alguien sea un muerto viviente ya está demasiado visto.

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Memorias de un zombie adolescente

Atlántida Film Fest: Sección Oficial II: Otel.lo y Your lost memories

Otel.lo

Título original: Otel.lo Director: Hammudi Al-Rahmoun Font Interpretes: Ann M Perelló, Youcef Allaoui, Kike Hernandez

La película nos mete en medio de una producción cinematográfica que adapta el Otelo de Shakespeare. Desde el casting de los actores seleccionados hasta el final del rodaje cargado de todo tipo de emociones pasando por los ensayos así como el rodaje en si mismo, vemos todo tipo de dificultades, desde actores que no consiguen aprenderse una frase del guión y el director harto de tantas interrupciones decide continuar, o cuando los actores no consiguen la suficiente motivación y tiene que ingeniarse la manera de que dos actores que no tienen ningún tipo de complicidad entre ellos parezca que hay atracción. Es una interesante forma de meterse de lleno en un rodaje y conocer de primera mano los engranajes de una producción.

La historia de Otelo es un universal sobre el engaño y sobre los celos, cómo cuando tenemos miedo somos más vulnerables y más propensos a creernos las mentiras. Otelo lleva poco casado con Desdémona y desconfía de su esposa que cree que tiene interés por Casio, cuando esto no es más que producto de su imaginación. Pero claro, hay escenas en la película que son lo que se imagina el protagonista que se tienen que rodar de verdad con los actores. Los actores que encarnan los papeles principales son pareja fuera de las cámaras con lo que parte de la tensión de los personajes se traslada a los actores, y es que la actriz que encarna a Desdémona es consciente de que a su novio no le gustará que ruede una escena erótica con otro actor. El director, que además se reserva el papel de Yago, pone a los actores al límite dándole igual las consecuencias porque tan sólo le preocupa lo que es su película. Algo así ya hemos visto en la película Cisne negro en donde el director que va a representar El lago de los cisnes hasta llevarla a la locura o también es cómo se dice que trabaja Lars Von Trier con sus actrices, aunque gracias a eso consigue sacar lo mejor de ellas.

Se trata de una primera película sencilla pero llena de fuerza, una de las grandes sorpresas del festival que espero que se estrenen para que mucha gente pueda disfrutar de ella.

Your lost memories

Título Original: Your lost memories Director: Alejandro Marzoa y Miguel Ángel Blanca

El proyecto Your Lost memories se compone por un lado de una web y por otro lado de esta película. Se trata de un documental que mezcla la historia de Rubén con una serie de películas caseras rodadas en super8, perdidas por sus autores. Rubén se encarga a recuperar viejas películas de super8 que encuentra en mercadillos de segunda mano y se dedica a digitalizarlas para subirlas a una web e intentar localizar a sus dueños para devolvérselas y recuprar esas imágenes que ya no contaban con volver a ver. Desde aquel video de la boda o de aquella ver que llevaron a un niño al parque de atracciones. Rubén tiene un problema y es que después de un accidente  es incapaz de recordar nada de su pasado y no sabe ni cómo era, ni reconoce a los amigos y familia, incluida su novia. Con los videos de los demás intenta construir su propia historia aunque sean una historia falsa porque el que sale en los videos ni es el ni nadie que conozca.

La película tiene una buena idea sobre el recuerdo y cómo construimos a partir de estos nuestra propia personalidad. Rubén no sabe cómo es y tampoco sabe cómo era, aunque intuye que antes era mejor persona y que el accidente lo ha cambiado a peor. La frontera entre lo que es ficción de lo real están muy difuminadas y no sabemos distinguirlo. La web existe y permite que la gente vea los videos y de pistas para descubrir la autoría de los videos e incluso son los propios interesados que le contestan. Hay algunos que se alegran de recuperar esas imágenes porque son recuerdos buenos que les hacen felices, pero otros son demasiado tristes y rechazar por completo porque lo que vemos no nos gusta, porque como el dueño de un bar en dónde se ve al lado de una mujer, un antiguo amor perdido, quizás.

La película está dirigida por Alejandro Alejandro Marzoa y Miguel Ángel Blanca, componentes del grupo Manos de topo. Alejandro Marzoa presentará en el Festival de cine de Cans su primera película de ficción Somos gente honrada.

Crítica: Alacrán Enamorado de Santiago Zannou

Título original: Alacrán Enamorado Director: Santiago Zannou Guionista: Santiago Zannou y Carlos Bardem Música: Wolfrank Zannou Fotografía: Juan Miguel Azpiroz Interpretes: Álex González, Miguel Ángel Silvestre, Judith Diakhate, Carlos Bardem, Hovik Keuchkerian, Juan Carlos Vellido, Javier Bardem Distribuidora: AltaFilms Fecha de estreno: 12 de abril de 2013

Santiago Zannou nos presenta para su segunda película de ficción, tras la premiada El truco del manco, una adaptación de la novela de Carlos Bardem, Alacrán Enamorado. La historia va de un joven que está dentro de un grupo de ideología nazi con los que cada vez se siente menos identificado y con los que acabará rompiendo completamente gracias a que el boxeo le ayudará a liberarse de todo el odio y la rabia que siente dentro y gracias también al amor de una mujer mulata. Julián, interpretado por Alex González, vive en un ambiente extraño, una familia violenta y la ausencia de un hermano al que no sabemos que le ha pasado, aunque intuimos que nada bueno. En un ambiente tan enraizado y tan agobiante ha buscado el apoyo en el exterior y los únicos que le han hecho un poco de caso es un grupo abiertamente nazi liderado por Solis, magistral Javier Bardem, que lo acogen como una familia de verdad. En este momento de crisis económica en la que vivimos, en donde el miedo está presente porque quizás perdamos nuestro trabajo, nuestra casa, porque las cosas nos van mal porque hemos tomado decisiones equivocadas, se da un caldo de cultivo para este tipo de ideologías que no apelan a la inteligencia sino a los instintos más básicos del ser humano. Solis es un lider carismático que da una falsa seguridad a los que le siguen y que con una gran oratoria los convence de que lo que ellos piensan no es malo, tan sólo buscan defender lo suyo de unos supuestos enemigos. Cuando a uno le dicen que lo que le pasa es culpa de otro, que el tan sólo es una víctima y cuando ellos son los únicos que parecen comprenderle porque los demás están engañados, cuando uno lo está pasando realmente mal, no es difícil que uno pierda la voluntad y se deje arrastrar. Es lo que le ha pasado a Julián y una vez que ha abierto los ojos desea dejar todo eso atrás y empezar una nueva vida.

Carlos F. Navajo

La forma que tiene de canalizar toda esa rabia y esa furia que tiene dentro es a través del boxeo. Por lo general el boxeo en el cine está tratado desde una perspectiva negativa, relacionada con la mafia, el crimen y las drogas. Aquí se ve como una forma de catarsis. Tanto el director como Carlos Bardem no querían que fuera una película en donde se fingiera que se boxeaba sino que se boxeara de verdad en la medida de lo posible. Los actores que participan en las peleas son boxeadores e incluso para Alex González esta no es la primera vez que se pone los guantes ya que en la película de 2005 Segundo Asalto también interpretaba a un boxeador. De todos modos, el boxeo no es el tema principal de la película sino el marco de referencia en el que se mueven los personajes; de lo que realmente trata Alacrán Enamorado es de la transformación del protagonista y cómo supera su odio y su rabia. Los que hacen posible este cambio son el entrenador Carlomonte al que da vida Carlos Bardem y Alyssa, que trabaja limpiando en el gimnasio y que da vida Judith Diakhate. Carlomonte fue una importante figura del boxeo pero sus días de gloria ya han pasado y ahora tan sólo le queda los recuerdos y la frustración de tener que enseñar a otros lo que el ya no puede hacer. El reto de entrenar a Julián puede ser la forma de redimirse y de volver a la luz tras tanto tiempo en la oscuridad. El personaje de Luis, Miguel Angel Silvestre, es el que intenta que Julián se mantenga en el grupo y no le gusta que este ya no forme parte de la familia que se han montado. La especial relación que mantiene con este y la diferente forma que trata a los demás del grupo, en algún momento de la película parece que uno pueda pensar que el interés sea sexual y sienta celos por la novia de su “hermano”.

Carlos F. Navajo

La película está muy bien rodada y las escenas de peleas son bastante impactantes. El trabajo de los actores también está a la altura y para Carlos Bardem puede suponer uno de los mejores trabajos que ha hecho hasta la fecha y quizás sea esta la ocasión en la que pueda llevarse el Goya que le negaron por Celda 211. Aunque breve, el personaje de Javier Bardem impresiona, quizás la forma en la que se despide resulte algo fría y no está a la altura; pero las escenas en las que sale son muy buenas y sus discursos reflejan un pensamiento que por desgracia está calando en la sociedad y es que en momentos de dificultad en donde estamos todos más vulnerables, uno puede acabar aceptando argumentos e ideas que rechazaría completamente por racistas, poco democráticas y fascistas. Quizás el problema de la película es que la historia no ofrece demasiadas sorpresas al espectador. De todos modos, lo importante no es tanto cómo termina sino cómo es el viaje que hace el protagonista desde un punto hasta la superación a través del amor. 

Entrevista: Jaume Ripoll, director de Atlántida Film Fest

Jaume Ripoll es uno de los fundadores de la plataforma de cine online Filmin en donde lo más complicado es sacar tiempo para disfrutar del amplio catálogo con el que cuentan que puede satisfacer a cualquier tipo de cinéfilo. También es el responsable de uno de los festivales de cine on line más importantes que ya ha llegado a su tercera edición. No es mucho tiempo, pero hay que pensar que estos servicios llevan también poco tiempo en el mercado. Con unos servicios de Internet cada vez mejores hace que el cine en streaming sea más factible. El Atlántida Film Fest nace con la vocación de que muchas películas inéditas y con dificultades en la distribución puedan llegar con más facilidad y que mejor que a través de Internet.

Esto de un festival de cine a través de Internet suena realmente novedoso, ¿os consta que haya alguno más? ¿Cómo surgió la idea?

Sí, Atlántida Film Fest no es el único Festival Online que existe. En el terreno de los cortometrajes Notodo Film Fest lleva años trabajando el formato, en el de los largometrajes Atlántida y My French Film Festival son los más veteranos.

La idea del proyecto es clara: ofrecer un mejor escaparate a aquellas obras que o bien tendrán dificultades para tener visibilidad cuando se estrenen comercialmente en salas de cine o bien nunca podrán hacerlo por la situación de nuestro mercado.

Tiene la ventaja de que puede tener un mayor público que no tiene que trasladarse a una ciudad y es libre de ver las películas cuando mejor le venga, ¿Pero no le quita un poco ese placer de ver las películas en pantalla grande o el coloquio posterior con otros cinéfilos o con los creadores? ¿Habéis pensado en organizar coloquios o encuentros?

Los coloquios y los encuentros pertenecen a los Festivales tradicionales que los hay y de muy buenos en nuestro país, la misión de Atlántida es otra, la de construir un nuevo modelo de Festival que permita a quien quiera, dónde, cómo y cuándo quiera disfrutar de una serie de excepcionales largometrajes a los que, muy posiblemente, no tendría acceso de otra forma (legal).  Para compensar la ausencia de "calor" de Festival, de ambiente de sala de cine llena, ofrecemos un Premio al Público, es decir, premiamos a aquellos espectadores que deseen crear un evento especial en su casa y nos manden fotos del mismo.

Por otro lado ¿estamos realmente preparados en temas de velocidades de Internet y otros aspectos tecnológicos para disfrutar de este festival en condiciones?

Las limitaciones tecnológicas de nuestro país cada día son menores y en filmin intentamos dar facilidades para que el cine que ofrecemos esté al alcance del mayor número de gente posible codificando la película en diferentes calidades y ofreciéndolas en el mayor número de dispositivos posibles (Pc, Mac, iPad, iPhone, Android, Smart Tv).

¿Cómo está siendo la acogida por parte del público? ¿Cuál es la participación de ellos dentro del festival?

Hemos superado los 20.000 espectadores en los primeros 15 días de Festival. Estamos muy satisfechos con el crecimiento de Atlántida Film Fest. Poco a poco, paso a paso, confiamos que el festival se consolide.

¿Con que criterio habéis hecho la selección de las películas?

Nos interesamos por aquellas películas que sabíamos no tenían distribución en nuestro país y habíamos visto en los diferentes Festivales (Cannes, Berlín, Venecia, San Sebastián, Sitges, Sevilla) y cuya temática podía encajar en la idea de Festival que queremos promover. 

Se ven dentro de la sección oficial muchos documentales en las que se cuela mucho de ficción, ¿Cree que los nuevos creadores están cambiando un género tan rígido?

Personalmente estoy muy poco interesado en reforzar el muro que separa ficción y documental. Hoy más que nunca ambos mundos conviven, mutan y finalmente se confunden.

Muchas de ellas son títulos que han conseguido premios y menciones en importantes festivales de cine pero que luego difícilmente se pueden ver comercialmente, ¿hay un divorcio tan grande entre los gustos de los críticos y profesionales y el público o simplemente las distribuidoras prefieren apostar por títulos más comerciales? ¿Cree que películas tan minoritarias tan sólo tienen salida en este tipo de festivales?

No estoy convencido que las películas que ofrece Atlántida sean minoritarías, quizás son para inmensas minorías pues hablamos de títulos que gozan de una buena carrera comercial en cines en Estados Unidos (The We and The In, Like Someone in Love), Francia (Berberian Sound Studio) o Reino Unido (Compliance, Post Tenebras Lux).

Es cierto que en España el cine que rehuye la pirotecnia y también el que se aleja del mainstream europeo está teniendo enormes dificultades para encontrar su público. Cómo recuperar ese público que hace no muchos años acudía en masa a ver obras de Antonioni, Bergman o Costa Gavras es la pregunta a la que quienes formamos parte de la industria debemos buscar respuesta (quizás no una, varias).

¿Cómo ve el futuro del festival?

Similar al del cine en Internet. El camino está trazado, nuestra misión consiste en consolidar la fórmula y en lograr que festivales como Atlántida y portales como filmin sean capaces de generar el retorno económico suficiente para que la industria cinematográfica pueda seguir produciendo aquellas obras inquietas y arriesgadas que muchos agradecemos y necesitamos a partes desiguales.  

Atlántida Film Fest: Sección Oficial I: Ali y Los increibles

Ali de Paco R. Baños

Título original: Ali Director: Paco R. Baños Guionista: Paco R. Baños y Rafael Cobos Fotografía: Álvaro Gutierrez Interpretes: Nadia de Santiago, Julián Villagrán, Verónica Forqué y Angy Fernandez Fecha de estreno: 26 de abril de 2013

La película con la que he empezado este festival ha sido la española Ali que supone el debut en la dirección de Paco R. Baños.  Ali es nos narra la vida de una joven bastante peculiar a la que da vida Nadia de Santiago. Es una chica independiente, melancólica y bastante borde que vive en un mundo propio, con una madre que se parece demasiado a ella y con la que tiene una relación algo conflictiva, un compañero de trabajo con el que mantiene relaciones esporádicas y un grupo de amigas con el que pasar el tiempo. Todo parece derrumbarse cuando la madre decide traer a vivir a su novio a casa y ve cómo está perdiendo su atención porque ya no son dos.

Paco R. Baños toma mucho del cine independiente americano y no oculta en absoluto que uno de sus referentes es Juno, personaje que tiene mucho que ver con la protagonista de su historia. Es una película alegre y desenfadada que nos hace olvidar la realidad más o menos dura que nos toca vivir actualmente por una pequeña fantasía, un lugar en el que estar a gusto. La película es una hermosa fábula en donde nos encontramos en el reparto a Verónica Forqué como la madre de la protagonista, a Julian Villagrán como uno de los vecinos e incluso a Angy a la que conocemos por ser una de las protagonistas de la serie Física o Química.

La película se pudo ver en el festival de cine de Ourense en donde se llevó el Premio del Público y en el festival de Málaga donde recibió el premio ASECAN a la mejor Ópera prima y ahora tras pasar por el Atlántida Film Fest se estrenará en salas el 26 de abril.

Los increíbles de David Valero

Título Original: Los increíbles Director y Guionista: David Valero

Este documental nos narra la vida de tres personajes que tienen que convertirse en héroes por las circunstancias. Tenemos a Juan Eulalio Mora “Ala rota” que tras un accidente tiene una minusvalía que le impide mover ningún músculo de uno de sus brazos. Se gana la vida vendiendo cupones de la once. Ha perdido a su mujer y la soledad está acabando con el pero en la situación en la que vive pocas mujeres están interesadas más allá de una amistad. La segunda historia la protagoniza María Moreno “La mujer de acero” que con 94 años tiene una gran vitalidad y lucha por seguir viva de la mejor forma posible. Ha pasado mucho en la vida pero el optimismo, mucho ejercicio y mantener la mente ocupada hacen que tenga una gran vitalidad, a veces mucho más que gente más joven que la rodea. Una gran luchadora es Joana Martin “La mujer radioactiva” que busca curarse de un cáncer que además de consumirle la vida la está alejando de su familia. Su marido y sus dos hijas están a su lado apoyándola y siendo su soporto, pero al final ella es la que tiene que recibir la dura terapia y la que sufre todas las molestias y el dolor.

David Valero es un simple intermediario entre las historias y nosotros los espectadores, va intercalando unas historias pero da total libertad a los protagonistas para que se expresen con total libertad. Hay un narrador ausente que no interviene en ningún momento y eso en algún momento crea cierta extrañeza porque estamos acostumbrados a que haya alguien que nos vaya marcando el camino y nos diga lo que vemos y casi como explicándolo, pero aquí nosotros somos los que creamos la historia y los que sacamos nuestras propias conclusiones sin ningún tipo de interferencia. Son tres héroes, personas increíbles que no se dejan vencer ni por una minusvalía, la edad o un cáncer. Si la película es conmovedora, la animación con la que termina la película es simplemente hermosa. 

Crítica: Posesión Infernal de Fede Álvarez

Título original: Evil Dead Director: Fede Álvarez Guionista: Diablo Cody, Sam Raimi, Fede Alvarez, Rodo Sayagues Mendez Música: Roque Baños Fotografía: Aaron Morton Interpretes: Jane Levy, Shiloh Fernandez, Lou Taylor Pucci, Elizabeth Blackmore, Jessica Lucas Fecha de estreno: 5 de abril de 2013

Tengo que confesar que no he visto la original de Sam Raimi, así que me enfrenté a esta película prácticamente sin saber de qué me iba a encontrar, conociendo parcialmente el argumento y tan sólo después de algún comentario de un par de blogueros que ya la había visto. La película va de unos jóvenes que se reúnen en una cabaña en el bosque para ayudar a una de ellas, Mia, a superar un problema de adicción a las drogas. No es precisamente un plan de diversión como en la película de Drew Goddard Cabin in the Woods. Otro de los conflictos que se plantean al principio es de dos hermanos, Mia y David que buscan un reencuentro después de que ella se tuviera que quedar cuidando a una madre con graves problemas psicológicos y que acaba muriendo en un psiquiátrico. En un ambiente de reencuentros y reproches llega la parte sobrenatural. Y es que, los protagonistas no son muy espabilados que digamos y en el sótano de la cabaña se encuentran lo que parece que ha habido un ritual de tintes satánicos y a uno de ellos no se le ocurre otra cosa que coger un libro fuertemente protegido e ignorando las advertencias de que es algo diabólico, acaba desatando una fuerza maligna que nutre de las almas de aquellos que tiene cerca y que puede provocar el inicio del Apocalipsis. 

Es cierto que es una película violenta y con muchas escenas gore llenas de sangre y carne desagarrada, pero el director también busca crear imágenes hermosas, una calma antes de la tormenta de sangre que se ve reforzada por una muy buena música compuesta por el español Roque Baños, que ha escrito las mejores bandas sonoras de nuestro cine como Celda 211, Los crímenes de Oxford o El otro lado de la cama. No es ese sentido como las películas de Alexandre Aja (Las colinas tienen ojos, Piraña 3D…) que desde el primer minuto un feísmo y provocar casi una reacción de rechazo antes unas imágenes claramente desagradables en todos los sentidos, y no es que esta película esconda la brutalidad pues nos muestra en primer plano huesos rotos, carne quemada y desagarrada, cortes y mucha sangre pero lo hace con más estilo. Ahora con la moda de estrenar prácticamente todas las películas en 3D se agradece y mucho que esta sea como siempre en 2D y es que con la cantidad de metralla, cuchillos y otro tipo de armas, además de la cantidad de sangre que salpica la pantalla el sobresalto del espectador hubiese durado prácticamente la hora y media que dura la película. Ya es suficientemente emocionante como para añadirle más. 

El director al que le asignaron la complicada tarea de renovar esta historia de terror es Fede Alvarez, un joven director uruguayo cuya filmografía está compuesta por un buen puñado de cortometrajes entre los que destaca Ataque de pánico. A Sam Raimi le gustó tanto que fue lo que hizo que se decidiera a entregarle este proyecto a alguien que no había dirigido hasta el momento un largo. Es un buen debut con la dificultad que supone actualizar una película como esta, aunque tener el respaldo del director y protagonistas de la original también ayuda. Iba con unas expectativas no demasiado altas y esperaba casi una orgía de sangre sin sentido y me he encontrado con una historia de terror bien hecha y bien rodada que en el fondo esconde una interesante reflexión sobre la verdadera amistad y sobre la familia. 

Ficha en SensaCine

Crítica: Efectos secundarios de Steven Soderbergh

Título original: Side Effects Director: Steven Soderbergh Guionista: Scott Z. Burns Música: Thomas Newman Fotografía: Steven Soderbergh Interpretes: Rooney Mara, Jude Law, Catherine Zeta-Jones, Channing Tatum, Vinessa Shaw, David Costabile, Andrea Bogart, Polly Draper Fecha de estreno: 5 de abril de 2013

Para ser alguien que dice que va a dejar el cine, Steven Soderbergh no deja de trabajar, no hace mucho que estrenaba Contagio y Magic Mike y ahora además de estrenar Efectos secundarios tiene pendiente estrenar en el canal de televisión HBO Behind the Candelabra. Veremos si acaba cumpliendo su amenaza o si con suerte seguirá rodando películas. Efectos secundarios comienza como una historia en la que una joven casada Emily Taylor sufre una fuerte depresión después de que su marido salga de la cárcel tras cuatro años de condena. Tras un intento frustrado de suicido acaba en la consulta del Doctor Banks que le receta una medicación que le ayudará. Pero los efectos secundarios la hacen sentirse peor y le acaban ofreciendo un nuevo medicamento en estado de experimentación y que el Doctor Banks lleva el estudio pagado  por la farmacéutica. Uno piensa que la película va a girar sobre una sociedad adormecida por un exceso de dependencia de las drogas recetadas. Buscamos ahí evitar los problemas sin buscar realmente una solución, no buscamos por qué nos encontramos mal o por qué nos sentimos desdichados, simplemente lo evitamos. Pero la historia da un giro inesperado cuando la protagonista, Emily, mata a su marido en un episodio severo de sonambulismo quizás debido a la nueva medicación. Ahí es cuando la película toma un nuevo rumbo y pasa a ser un thriller y un suspense en el que se intentará buscar si ella es una asesina o una víctima de las circunstancias. Con todo esto no os estoy destripando la historia porque todo esto se puede ver en el trailer.

Ya los griegos con sus tragedias y sus comedias ya han escrito prácticamente todos los argumentos posibles, así que lo único que nos queda es intentar contar las mismas historias de diferentes modos. La trama de Efectos Secundarios no brilla por su originalidad, hemos visto en el cine y en la literatura historias parecidas, pero lo importante es cómo con elementos ya conocidos algo nuevo y que nos sorprenda; y creo que el director lo consigue bastante bien construyendo una interesante reflexión sobre la sociedad actual con el atractivo de una investigación de asesinato con varios giros en la trama con un final que sin contarlo evidentemente sorprende y a la vez me ha dejado un buen sabor de boca gracias a un buen guión. La regia dirección y en general el buen trabajo de los actores ayudan bastante. El gran peso de la historia lo lleva a sus espaldas la actriz Rooney Mara que tiene el personaje más complejo e interesante de la película. Ella es la débil Emily por la que todos sienten una gran ternura, la ven tan desvalida y frágil que es lógico sentir simpatía por ella. Su extraña belleza ya brillaba en la adaptación americana de la novela Los hombres que no amaban a las mujeres así como en La red social. El contrapunto masculino lo pone el británico Jude Law que da vida al psiquiatra al que el ensayo farmacéutico y la nueva paciente le cambian la vida completamente. Los dos que no brillan tanto porque sus personajes no están demasiado definidos y la verdad no son tan interesantes son el del marido de la protagonista y la de la anterior psiquiatra que la trataba antes del intento de suicidio y que interpretan  Channing Tatum  y Catherine Zeta-Jones.